Etiqueta: 2000s

  • Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    MODE2 es uno de los grandes escritores de graffiti de Europa y uno de sus pioneros en su expansión.

    Su transición desde las letras hasta sus famosos personajes, sobre todo figuras femeninas, le permite abordar temas complejos como la globalización y reflexionar sobre el mundo con una mirada crítica.

    Su técnica implica observar los gestos y movimientos de las personas para reflejar su energía en sus obras de una forma muy personal.

    Los inicios de MODE2.

    MODE2 nació en Mauricio, una isla del océano Índico, en 1967 y se mudó a Reino Unido en julio de 1976 junto a su familia.

    Su infancia la pasa en las calles de Lewisham, al sureste de Londres, donde estuvo influenciando por el despegue de diversas culturas musicales como el punk o el reggae.

    Desde pequeño fue un apasionado de dibujar y le encantaban los comics, la ciencia ficción y la literatura fantástica.

    A los 13 años, movido por su pasión por el juego Dungeons and Dragons, comenzó junto a su hermano a pintar figuritas de plomo, algo por lo que llegó a cobrar dinero de una tienda en Peckham.

    Dungeons-Dragons
    Dungeons-Dragons
    mode2
    Mode2 de joven

    Talento en estado puro.

    Tenía un talento natural para la pintura. En 1982, con 15 años, obtuvo el tercer premio en un concurso nacional de pintura de figurillas de plomo y un año después ganó el 1er premio.

    Su llegada al graffiti fue de forma casual y, como tantos otros, a través de la TV, en concreto a finales del 83 al ver un vídeo de Malcolm McLaren, donde aparecía Dondi pintando y el vídeo de la inolvidable ‘Hey You’, de Rocksteady Crew.

    Eso le hizo interesarse más por esa nueva cultura e ir abandonando sus juegos de infancia.

    Todas esas influencias musicales, de radio, televisión y de la propia calle comenzaron a influir en lo que pintaba un joven MODE2.

    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984
    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984

    En el verano de 1984, tras sus exámenes escolares, comenzó a frecuentar Covent Garden, el centro de la escena hip hop de Londres. Un sitio que había descubierto un año antes paseando con su madre y su hermano menor.

    Su talento con el dibujo, surgido de forma autodidacta, comenzó pronto a despuntar y comenzó a usar rotulador y el spray. Pintaba todo lo que podía, desde pancartas para el centro de arte a personalizar pantalones, chandals o chaquetas de componentes de la escena del hip-hop, ya fueran breakers o MCs.

    mode-2-by-yoshi
    mode-2-by-yoshi

    Su primer tag y la evolución a MODE2.

    Ahí le surgió su primer apodo, porque todos sabían de su talento para dibujar y lo comenzaron a llamar “artista”, “artista en inglés”, por lo que su primer tag fue “R-Tizz” (RTizz)

    Muy pronto, con la ayuda de un escritor llamado Scribla comenzó a pintar graffiti y a crear personajes. Se unió la experiencia de Scribla en retratos y caricaturas y la capacidad imaginativa de MODE2 para proyectar con su mano personajes de su cabeza.

    Esos primeros escritores británicos, ante la ausencia de documentación de imágenes para inspirarse, fantaseaban sobre cómo sería el estilo de Nueva York. Todo eso cambió a mediados de 1984 cuando llegó el libro Subway Art a sus manos.

    Mode2-Chrome-angelz
    Mode2-Chrome-angelz

    Luego, junto a su socio Scribla y Zaki Dee, Eskimo y Xerox formaron los Trailblazers. Antesala de su mítica crew The Chrome Angels, que surgió en la primavera de 1985.

    Inicialmente, el grupo estaba formado por cinco miembros, cada uno con su apodo y estilo únicos: Zaki Dee, Mode 2, Scribla, Eskimo y Bando, de París. A medida que The Chrome Angelz comenzó a ganar reconocimiento, miembros adicionales se unieron al equipo, incluidos Pride, Robbo y Shok-1.

    chrome-angelz-graffiti-crew
    chrome-angelz-graffiti-crew

    Ese verano de 1984 iniciándose en el graffiti cambiaría su vida. Comenzó a practicar más y más con el spray para mejorar su estilo, mientras que al mismo tiempo llenaba libretas de letras y caracteres. Había nacido MODE2.

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    Creative-Match-Kreuzberg_Homes-Bar

    Los pioneros de Europa.

    En esos momentos la pintura en aerosol era la mejor herramienta que tenían porque no estaba en contacto con la superficie, por lo que podía moverse muy rápido y cubrir superficies grandes dependiendo del tamaño de las boquillas que tenían.

    Poco después, busco unos días libres y, gastando el dinero ahorrado en sus primeros trabajos por encargo, se fue a París y allí, junto a BANDO, formó parte de ese pequeño grupo de grafiteros europeos de primera generación que sentaron las bases que otros seguirían.

    Allí trabajaron juntos para mejorar su estilo, pero reconoce haber tenido la suerte de haber estado en el lugar correcto en el momento correcto, rodeado de muchas personas inspiradoras.

    En esos momentos ser un creador o innovador mejoraba tu estatus en el graffiti, inspirando a otros para seguir creciendo y evolucionando a través del estilo.

    MODE2-1999
    MODE2-1999

    MODE 2 comenzó a viajar y pintar en otros países hasta mudarse a París en la primavera de 1987.

    Mode2-Graffiti
    Mode2-Graffiti

    Spraycan Art.

    Allí, en el famoso terreno de Stalingrado, las piezas de MODE2 comenzaron a tener relevancia internacional, tanto es así que a finales de 1987, uno de sus personajes apareció en la portada del libro Spraycan Art de James Prigoff y Henry Chalfant.

    SprayCan Art
    SprayCan Art

    Curiosamente, ese personaje lo había hecho dos años antes, en septiembre de 1985 y fue elegido porque era el que mejor representaba el contenido del libro para un público más amplio, al tiempo que subrayaba la influencia global que tenía la cultura del graffiti.

    En los años siguientes, MODE 2 perfeccionaría su técnica pictórica, utilizando trazos traslúcidos para definir rápidamente una forma y dar una sensación de movimiento a sus personajes, a menudo bailarines, mujeres y parejas eróticamente entrelazadas.

    Mode2-Valencia
    Mode2-Valencia

    Su pasión por la música le llevó a representarlos bailando, para expresar la alegría que compensa algunos de los otros problemas de injusticia social. Además, sus piezas y obras son fáciles de reconocer por el uso de colores típicamente cálidos como el naranja, rojo y marrón claro.

    MODE2 y la figura femenina.

    Le gusta destacar que está obsesionado con la figura femenina, que surgen de su imaginación, de sus fotografías o de las que ve por la calle, en el transporte público o en las galerías comerciales.

    Sin embargo, no tiene ninguna fijación con ningún tipo o forma de cuerpo, tratando de dibujar curvas más naturales, al mismo tiempo que intentar impulsar un tipo racial indeterminado para que sea el espectador quién la identifique.

    Esa ausencia de clichés clásicos femeninos le lleva a recordar su adolescencia cuando se enamoraba de las chicas menos atractivas para el resto del grupo. Sus personajes femeninos venían más de su experiencia en la literatura fantástica y ciencia ficción.

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    Credit-Joel-Fox

    En 1997, MODE2 comenzó a desarrollar intolerancia a los gases del spray, así que debía buscar otros medios para expresarse y no centrarse sólo en el spray.

    Así, a través del escritor DELTA de Amsterdam comenzó a trabajar con pinturas pastel. El uso de estas barras de colores le abrió un nuevo abanico de posibilidades y un virtuoso de las mismas, teniendo una gran colección de cuadros y obras creadas únicamente con pastel o mezclada con acrílico.

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    MODE2
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    LEE-CPH-Vision_Copenhagen

    MODE2 en galerías.

    En los siguientes años, MODE2 comenzó a recibir llamadas de todo el mundo para realizar trabajos, muchos en interior, otros en exterior. Su estilo era muy reconocible y, aunque no es amante de las exposiciones, ya sea en individuales o colectivas, aun así ha hecho algunas, pero siempre con sus reglas.

    En las exposiciones en galerías hace todo el trabajo in situ, de forma parecida a lo que hace Futura. Ese método de pintar con poca antelación le obliga a ir a lo esencial y le impide caer en el letargo pictórico al que puede obligarte la atmósfera del estudio, algo que no tuvo hasta 2011.

    MODE2-gallery
    MODE2-gallery

    En sus trabajos de calle siempre le han gustado especialmente los muros bajos y largos, manteniendo el componente de accesibilidad para el público.

    MODE2 es bastante crítico con el mundo del arte, incluso del arte urbano y del muralismo, sobre todo con aquellos que estando fuera del hip-hop o del graffiti intentar sacar rendimiento de ellos.

    Por eso ha decidido seguir su camino decidiendo dónde y cuándo mostrar su obra.

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    MODE2

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  • QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    NEKST destacó por su estilo intrépido y su capacidad de planificación en cada pieza, convirtiéndose en uno de los reyes de cualquier ciudad que pisaba.

    Desde Houston hasta Nueva York, pasando por Nueva Orleans, Detroit, Los Ángeles o Miami.

    Los inicios de NEKST.

    Sean Griffin, más conocido como Nekst, nació en Houston, Texas, donde se labró una fama como uno de los escritores de graffiti más importantes, primero de su ciudad y luego de todo Estados Unidos.

    Comenzó a firmar en 1996 firmando inicialmente como NEXT con X, algo que cambió tiempo después para convertirse en NEKST.

    Poco se sabe de la vida personal de un escritor que siempre trabajó en la ilegalidad, con la planificación como bandera en cada actuación y con la policía siguiendo muchos de sus pasos.

    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKTS-PUENTE
    NEKTS-PUENTE

    Leyenda en su ciudad.

    En Houston, su ciudad, se convirtió en leyenda, de esas que todo el mundo dentro del graffiti saben quién es, pero que para otros es un nombre que no paran de ver sin saber su significado.

    Un  escritor al que otros admiraban por ser incansable y tener siempre los mejores lugares con su firma.

    Para cada una de sus piezas, la elección de la estructura, los colores, el tamaño y la ubicación siempre fue meticulosamente planificada, legible y en zonas de alto tránsito.

    Intentaba que la pieza fuera lo más grande posible y siempre legible, para los del graffiti y para los ciudadanos, en un intento de hacerles sentir que debían comenzar a pintar, a ser tan visible como él.

    NEKST-BLOCK-LETTERS
    NEKST-BLOCK-LETTERS

    Nekst pintó su nombre con rodillo en vallas publicitarias, paredes y torres de agua. Pintaba con spray en señales, trenes y pasos elevados. Era muy destacada su capacidad para crear sus piezas en los terrenos más desafiantes y los trenes se convirtieron en su particular sitio de trabajo.

    Sus piezas en los trenes, pintadas hace más de una década se siguen viendo por Houston y alrededores.

    Era un escritor sin miedo, del que decían que no se limitaría a subirse a un cartel publicitario y dejar su firma, sino que lo cubriría por completo.

    NEKST-GRAFFITI
    NEKST-GRAFFITI

    Block letters y gran formato.

    Y no siempre escribió en el formato que le hizo famoso: sus Block Letters, enormes letras cuadradas visibles desde lejos que no te hacen dudar del nombre del escritor que hizo esa pieza.

    Fue un especialista en combinar el negro y el plata, pero NEKST era mucho más que eso. NEKST exploró el Wildstyle, el bombardeo de tags e incluso el throw-up, pero realmente lo que le gustaba era hacerse ver. Podemos decir que NEKST tenía obsesión por la escala y la visibilidad.

    NEKTS-GRAN-FORMATO-GRAFFITI
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    Tal fue el impacto de NEKST en la ciudad que fue elegido el «mejor escritor de graffiti» en 2003 por Houston Press, incluso le sugirieron que se mudara para escapar de la implacable presión policial.

    Además viajó a Europa en algunas ocasiones, dejando piezas en lugares míticos como un submarino en Amsterdam.

    NEKTS-COCHE
    NEKTS-COCHE

    NEKST fue un escritor nómada, viviendo y pintando en cada una de las regiones de los Estados Unidos durante más de 20 años, siendo importante para cada ciudad en la vivió.

    NEKTS-GRAFF
    NEKTS-GRAFF

    NEKST y los MSK.

    De hecho, formó parte del famoso crew de los MSK, o Mad Society Kings, donde compartió espacio con algunos de los mejores y más notorios artistas de graffiti del mundo como Revok, Vayne, Haeler o SEVER, algunos de los cuales participaron en el hospital bombardeado de graffiti en Miami que ya te contamos en el canal.

    Y no sólo estuvo con los MSK, sino que también formó parte de los DTS, los cuales siguen recordando su figura. Te dejo el Instagram de ambos grupos en la descripción.

    Pero NEKST no solo dejó su marca en los muros de la ciudad.

    REVOK-NEKST
    REVOK-NEKST

    Durante una detención en una prisión de Dallas, dedicó seis meses a crear retratos de sus compañeros de celda utilizando solo lápiz y papel, demostrando que su talento trascendía las barreras.

    NEKST-OBEY
    NEKST-OBEY

    Fallecimiento y legado.

    Desafortunadamente, NEKST falleció en diciembre de 2012 en circunstancias desconocidas o al menos que no han dejado trascender, dejando atrás un legado como legendario escritor de graffiti, que incluso tuvo referencias en la prensa local.

    Y los homenajes no han parado de sucederse, siendo el más destacado el que le hicieron sus compañeros de MSK, donde pintaron piezas tributos por todo Detroit, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad.

    NEKST-BOWERY-NEW YORK
    NEKST-BOWERY-NEW YORK

    A tal punto llegó su importancia que en Nueva York, en el número 190 de la calle Bowery permanece una pieza mítica de NEKST, que ha sido rehabilitada en numerosas ocasiones por otros escritores. Un ejemplo perfecto de la visibilidad que conseguía NEKST con sus piezas.

    Su nombre no ha quedado en el olvido, hasta tal punto que en Houston se siguen viendo piezas con la firma de NEKST, recordándonos que su espíritu sigue vivo en las calles que alguna vez dominó.

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  • QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    Bates es un escritor que se ha mantenido fiel a las letras y con una trayectoria casi 40 años en el graffiti, sin dejar que modas o tendencias le hayan afectado, pero que siempre está en continua evolución.

    Bates está considerado como uno de los grandes maestros del estilo en el graffiti.

    A Bates le gusta que sus letras se muevan, bailen, se torsionen, en definitiva, que estén vivas, que reflejen bien todo lo aprendido y que lo ha llevado a la fama internacional.

    Los inicios de BATES.

    Nacido en 1971 en Copenhague, Dinamarca, Bates comenzó a hacer sus primeras firmas con 13 años y su primera pieza la hizo, meses después, en una fábrica abandonada a plena luz del día y con su madre acompañándolo.

    OTR-Bates-Graffiti
    OTR-Bates-Graffiti

    Era el año 1984 y el graffiti recién había comenzado en Copenhague, donde se forjaría una de las grandes escuelas europeas.

    Como en tantos otros lugares, el hip-hop y más concretamente el break dance había sido el vehículo por el que llegó el graffiti a la capital danesa.

    Todavía había pocos espacios para el desarrollo de la escena, pero destacamos la cancha de baloncesto de Nansensgade, siendo uno de los primeros lugares de la ciudad donde se podían ver graffitis.

    Electric Boogie Copenhague
    Naco-Dondi-White

    Sin embargo, pese a su precocidad, Bates se engloba en la segunda oleada de la old school danesa, apenas 1-2 años después del denominado inicio oficial del graffiti en el país.

    Su influencia principal en esos días de aprendizaje fue REZQ y los compañeros de escuela que también estaban algo más iniciados en el graffiti que él.

    Con tan sólo 15 años, comenzó a tomarse en serio la cultura del hip hop y del graffiti, por lo que comenzó a escribir de manera incansable, sobre todo en papel, para encontrar su estilo, algo que seguiría haciendo durante toda su vida.

    Bates-Graffiti
    Bates-Graffiti

    Autodidacta del graffiti.

    BATES siempre ha sido autodidacta, aprendiendo a través de la observación y la práctica, pero algo que le sirvió mucho y le sirvió de clara inspiración fue poder ver documentales como Eletric Boogie, pero sobre todo películas como Style Wars o Wild Style.

    En ese momento, en 1986, fue cuando encontró su tag, BATES, y lo tomó de un personaje de  la famosa serie de televisión de ciencia ficción llamada “ V”.

    Bates-Graffiti-1
    Bates-Graffiti-1

    Curiosamente, pese a que nunca estudió arte, dibujo ni tuvo estudios superiores, el talento artístico de BATES se veía claramente y comenzó a destacar rápidamente en la escena danesa.

    Lle gustaba combinar los estilos tradicionales de escritura de graffiti desarrollados en Nueva York, llevando el movimiento de las letras a otro nivel y perfeccionando los ritmos dinámicos y oscilantes de las formas. A eso le añadía una paleta de colores sorprendente

    Y una de las cosas que siempre ha destacado es su capacidad de seguir aprendiendo y recogiendo información de todos los escritores, aunque destaca que el estilo es lo que verdaderamente separa a los Toys de los escritores reconocidos de graffiti. Más que cantidad, pese a que BATES ha pintado mucho, los destaca por su calidad.

    Bates-Graffiti-Denmark
    Bates-Graffiti-Denmark

    Ya en 1989, con apenas 18 años, estaba considerado entre la élite de grafiteros europeos y sus piezas comenzaron a circular en fotos y fanzines de la época.

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    Bates aparece en la escena internacional.

    Luego vendría la internacionalización del graffiti europeo a principios de la década de 1990 y los rumores sobre la elegancia estilística de Bates se extendieron aún más y pronto se convirtió en uno de los escritores más buscados y seguidos de Europa.

    Bates estaba en la élite de Europa, junto con escritores como Loomit de Múnich, Mode 2 y Bando de París o Delta y Shoe de Ámsterdam.

    Eso le hizo comenzó a recibir invitaciones para importar por toda Europa y, posteriormente, por el mundo.

    BATES-Graffiti-Wild-Style
    BATES-Graffiti-Wild-Style

    En 1993 BATES dejó su nombre en el Bronx de Nueva York, luego llegaría Tokio y así todas las principales ciudades europeas, con especial predilección por Alemania o Suecia.

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    Anonimato.

    Algo que ha mantenido durante todos estos años ha sido su anonimato, respetando al máximo su privacidad y protegiendo su rostro de los medios, puesto que su actividad en trenes a principios de los 90s fue muy activa e intensa.

    De hecho, BATES en abril de 1998 fue, tras el mítico JEPSY, el protagonista de la segunda edición de OTR Blackbooks, creada por On The Run de Alemania. El libro es ahora objeto de culto para coleccionistas y mostraba numerosas piezas de BATES, muchas de ellas en trenes, por todo el mundo.

    OTR-Bates-Graffiti-Cover
    OTR-Bates-Graffiti-Cover

    El escritor danés pertenece a numerosas crews entre las que destacamos “ All in one”, pcp, ftp, wca, wr2, gbu, tnb por destacar algunas de las más importantes.

    Bates-Graffiti-Piece
    Bates-Graffiti-Piece

    Su aparición en galerías.

    Curiosamente, pintó su primer lienzo en 1985, un año antes incluso de haber elegido su tag de BATES, pero el talento para pintar estaba ahí y dos años después, en 1987 vendió su primer cuadro, antesala del enorme éxito internacional que le llegaría después.

    Tras casi 25 años pintando de forma ilegal, BATES, como tantos otros, decide ahora pintar, casi siempre, con permiso, de forma legal para relajarse trabajando en sus estilos para mejorar.

    Tras el fallecimiento de su madre en 2007 decidió dar un cambio y comenzar a probar en galerías y exposiciones en homenaje a ella que siempre le decía que tenía que hacer más lienzos y cuadros con sus letras.

    Bates-Gallery
    Bates-Gallery

    Su primera exposición individual le llegó en 2009 y la hizo en su ciudad natal, Copenhague, y se tituló “It´s about time”.

    Desde entonces, ha mostrado su trabajo en numerosas exposiciones individuales presentando sus obras sobre lienzo, pero manteniéndose fiel a sus letras, aunque adaptadas a otro tamaño, con formas abstractas vibrantes y con colores diferentes a sus piezas habituales de calle.

    Asimismo, su trabajo ha sido destacado en numerosos libros como “Graffiti Burners”, “World Piece Book”, “Dansk Wildstyle Graffiti” o el mencionado anteriormente de OTR Blackbook volumen 2.

    Actualmente, BATES sigue pintando y exponiendo su obra por todo el mundo, así como manteniendo una tienda online, que te dejo en la descripción, donde poder adquirir numerosos objetos suyos, desde stickers a cuadros o sudaderas.

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  • Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    LOSE fue una figura clave en el graffiti en trenes de Madrid, pero no se limitó a la capital de España, sino que lo hizo por todo el país y gran parte de Europa. Incluso, llegó a pintar en Moscú, El Cairo o Nueva York.

    LOSE-Pintando-metro-Madrid
    LOSE-Pintando-metro-Madrid

    Dicen que fue tan legendario como lo fue Muelle en los 80.

    Con más de 20 años pintando trenes por todo el mundo, LOSE se convirtió en una figura de referencia en el movimiento, por su destreza, por la calidad de sus piezas, por su audacia y, sobre todo, por su incansable dedicación. Fue tal su actividad que se le consideró el escritor con mayor superficie de tren pintada en España, pero no sólo hizo eso.

    Los inicios de LOSE.

    LOSE comenzó en el graffiti de adolescente, en el año 1995, aunque como muchos chavales de la época, tan sólo pintaba con rotuladores. Poco a poco se fue iniciando, hasta que en el 97 pintó su primera pieza en un muro. En esos años pintaba con gente de su barrio, pero fue ampliando su círculo del graffiti, primero por otros barrios, luego por toda la ciudad.

    Sin embargo, pronto se dio cuenta que pintar muros no era lo suyo, se aburría, buscaba algo más, una inyección de adrenalina. Así que en 1999 pintó su primer tren, su primera chapa, y desde ahí nunca pudo parar. De hecho, hasta tenía tatuado un vagón de tren en un brazo para no olvidar nunca quién era.

    LOSE-Trenes-Graffiti-Madrid

    La primera vez que pintó un tren lo hizo junto a GOES en la antigua cochera de Chamartín, en Madrid. Como él mismo dijo: fue una mezcla de frío, nervios, olor a pintura y adrenalina. La combinación que estaba buscando. Fue la mejor experiencia de su vida hasta la fecha y la puerta a todas las que vendrían después.

    Inspiración de LOSE y sus crews.

    Podemos decir que el graffiti era parte de LOSE, al igual que LOSE ha sido clave en el graffiti.

    Estar dentro del graffiti le permitió superar dificultades, viajar, conocer a gente por todo el mundo, crear otro estilo de vida basado en el graffiti para buscar nuevos retos, nuevos desafíos.

    Sus primeros referentes fueron los primeros escritores de Nueva York, destacando Seen, del que ya te hemos hablado en el canal. En España, le gustaba mucho Sha, al que destacaba por su forma de ver el graffiti en trenes y del que había visto numerosas fotos de chapas, de trenes de Madrid pintados.

    Sha-Graffiti-Madrid - Fuente Spanish-Graffiare
    Sha-Graffiti-Madrid – Fuente Spanish-Graffiare

    LOSE comenzó con la crew de los TNT, porque fueron los primeros con los que empezó a pintar trenes, pero ese grupo se fue disolviendo poco a poco… hasta que conoció a los BGS, en su mayor parte proveniente de Suiza, que iban a Madrid a pintar el metro de Madrid.

    La conexión entre LOSE y los BGS surgió rápidamente y tras numerosas visitas del grupo a Madrid decidieron unirse, quedando los TNT y BGS en un mismo crew.

    tnte grecia
    tnte grecia
    BGS-Graffiti-Trenes

    El palancazo.

    LOSE fue célebre por el uso que hacía del llamado “palancazo”, surgido a mitad de los años 90 en Madrid. Básicamente, consistía en accionar la palanca de emergencia para parar el tren durante 15 minutos y poder pintarlo. Incluso se pintaba el techo gracias a las escaleras de emergencia que se encontraban debajo de los asientos de algunos vagones

    El método se fue perfeccionando con el tiempo y LOSE fue una estrella en eso.

    Primero había que estudiar bien el terreno, el metro, las paradas, las salidas, las vías de escape, tras eso palancazo y al abordaje del tren. En muchos casos, en mitad de un túnel escapando por los respiraderos, en otros incluso los paraban en la estación para luego salir corriendo por las vías, túneles o el propio andén.

    Al palancazo uníamos las misiones que planificaba con todo detalle, ya fuera entrando por un hueco o entrando descolgándose por unos cables de electricidad que daban a una cochera con vagones de metro.

    En algunas misiones llegaban a juntarse hasta 20 personas en Madrid para hacer un palancazo y pintar el metro completo.

    Pese a su actividad pintando trenes y lo que pudiera parecer, LOSE era un escritor elegante, de los que no buscaba la confrontación. Si podía entrar y salir sin llamar la atención, mucho mejor. Además, que era más bien bajito y tímido, pero con un físico atlético, preparado para cualquier reacción rápida. Correr, escalar o subir rápido unas escaleras eran sus armas.

    Tren-Graffiti-Lose
    Tren-Graffiti-Lose

    La detención de LOSE.

    Su relación con el graffiti iba en aumento, incluso varios de sus compañeros, le decían que estaba enfermo con el tema. Ya en 2013 llevaba pintados más de 500 vagones de metro y era considerado el escritor con mayor número de metros de tren pintados en España… pero eso no le libró de que a finales de 2013 lo pillaran en acción y lo detuvieran.

    Pese a que hubo imágenes de la actuación, tanto suya como de sus compañeros de misión, no se le pudo identificar correctamente y lo dejaron ir en libertad con cargos con daños causados que ascendían a 31.000 euros. El vídeo que difundió el Metro de Madrid y la aparición de la noticia en la prensa hizo crecer aún más el mito de LOSE.

    Sin embargo, eso no paró a LOSE, que siguió pintando trenes incansablemente.

    Pintando trenes por el mundo.

    Su actividad fuera de Madrid fue también muy destacada, llegándose a decir que nadie en Europa hizo tantos trenes como él.

    Tras el contacto con personas que venían a Madrid le hizo pensar que él podía hacer lo propio en otros países, así que comenzó a viajar, primero por Europa, luego por el mundo

    Lo que hacía LOSE diferente era que el sufrimiento para llegar a hacerse una pieza en un tren o metro de donde fuera no iba a ser un impedimento, aunque tuviera que dormir en la calle, apenas comer o no tener dinero para moverse y tener que recurrir al autostop donde fuera.

    Lo bueno de estas misiones es que su fama había trascendido fronteras y en muchos casos contaba con la ayuda de escritores locales que le servían de apoyo logístico para las misiones.

    LOSE pintó prácticamente por toda Europa, de Londres y Oslo a Copenhague pasando por Atenas, diversas ciudades de Italia, Rumanía, hasta llegar a Moscú. Luego llegarían misiones y aventuras en El Cairo e incluso en Nueva York.

    La amistad de LOSE con Pérez Reverte.

    A tal punto llegó su leyenda que el famoso escritor español Arturo Pérez Reverte hizo amistad con él por servirle de referencia en su novela “El Francotirador paciente”. Además, Pérez-Reverte llegó a decir de él:

    Pintar trenes y metros era la pasión de su vida, tenía el cuerpo tatuado con ellos. Una de mis novelas le debe mucho.

    LOSE viajaba a sitios desconocidos, dormía donde podía, recorría túneles oscuros, escalaba muros o tejados, se infiltraba en lugares peligrosos e incluso se jugaba la vida, todo con un único objetivo: pintar.

    El fallecimiento.

    Sin embargo, en 2021 la desgracia le llegó y LOSE falleció. No fue pintando, ni arrollado por un tren, como tristemente se podía esperar tras más de 20 años pintando.

    LOSE falleció a los 39 años en Madrid tras colisionar con su moto contra un autobús.

    Pérez Reverte le dedicó un emotivo hilo en Twitter informando sobre su amistad y con algunas anécdotas, lo que usaron los medios generalistas para publicar la noticia.

    El día de su funeral, compañeros y amigos fueron a despedirse de Lose en el Tanatorio Sur de Madrid, incluido el jefe de seguridad del metro de Madrid, que se presentó para expresar sus condolencias. Se había ido LOSE, había nacido la leyenda.

    Desde entonces no han parado de sucederse los homenaje a su figura, con escritores de todo el mundo pintando LOSE en los trenes y muros de todo el mundo.

    Descansa en Paz, LOSE. Muchos trenes, mucha diversión.

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  • 12 COSAS que NO SABÍAS de BANKSY

    12 COSAS que NO SABÍAS de BANKSY

    ¿Quién es Banksy? Esa es la gran pregunta que todo el mundo se hace… hay teorías de todo tipo, que si es Robin Gunningham, un ciudadano de Bristol o Robert Del Naja, el cantante de Massive Attack, incluso se ha hablado que Banksy es en realidad un colectivo de 7 artistas o el mismísimo Damian Hirst. Sin embargo, todo esto son hipótesis, no certezas.

    Lo que sí tenemos claro, porque se han demostrado con hechos y las ha confirmado el propio artista son:

    12 cosas que debes saber y quizás no sabías sobre Banksy.

    1.- Las ratas de Banksy

    Las famosas ratas y su estilo de plantilla (o estarcido) no es algo original de Banksy, sino que el creador fue el artista francés, Blek le Rat, alias de Xavier Prou, que en los años 80 invadió París con estas creaciones. La relación entre ambos artistas, pese a que Banksy ha reconocido la influencia de Blek, nunca ha sido buena, porque el artista francés considera que se ha apropiado de su estética y estilo sin el debido reconocimiento. Aquí destacamos una frase que siempre dice Banksy:

    Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, encuentro que Blek le Rat lo había hecho también. Sólo que 20 años antes.

    blek-le-rat
    Blek Le Rat

    2.- Los cuadros de Banksy

    Banksy es famoso por sus plantillas realizadas en la calle, pero realmente sus grandes éxitos y por las que ha ganado millones de dólares son cuadros, muchos de ellos subastados recientemente, pero pintados hace varios años. Así el cuadro más caro vendido hasta la fecha pintado por el artista es “Devolved Parliament”, un lienzo de grandes dimensiones, 4,2m por 2,5 m, donde se ven a unos chimpancés en la cámara de los comunes del parlamento británico y que fue vendido, en Octubre de 2019, por casi 11 millones de euros en la casa de subastas “Sothebys”.

    3.- Banksy y los Simpsons

    En 2010, Banksy dirigió la famosa escena de apertura e inicio de Los Simpsons. En la cual se puede ver su nombre escrito en varios carteles de Springfield, a Bart escribiendo en la pizarra sobre que no debe pintar en los muros o la parte más espectacular tras sentarse la familia amarilla en el sofá. Aquí, podemos ver una fábrica asiática donde trabajadores hacen plantillas de los Simpsons en cadena o una rata, símbolo del artista, moviendo un hueso y orientándonos para ver cómo se realiza el merchandising de la serie con animales.

    banksy-simpson

    ▶️ Ver en Youtube

    ¿Cómo reconocer una obra original de Banksy?

    Actualmente, sólo existen dos métodos de verificación fiables para saber con certeza si una obra es de Banksy o no: su web y su Instagram. Si el artista no la publica allí, podemos considerar que no es auténtica, porque como podéis imaginar son cientos los imitadores del famoso artista callejero. Antiguamente la forma que empleaba el artista para hablar sobre sus obras y su localización era la publicación de libros, siendo el más famoso Wall and piece, editado en 2005.

    5.- Banksy en Instagram.

    Siguiendo con las redes sociales, Banksy, un maestro en la difusión de su obra en los medios, sólo usa Instagram, donde tiene más de 10 millones de seguidores, sin embargo no tiene Facebook ni Twitter como él mismo indica en la descripción de su cuenta. Y, lo más curioso aún, no sigue a nadie.

    Tiene un canal de Youtube, Banksyfilm con 76.000 suscriptores donde suele subir un vídeo al año, aunque en estos meses por las circunstancias excepcionales ha subido varios.

    6.- Un viaje fugaz a Barcelona.

    A día de hoy Banksy no tiene ninguna obra en España, pero gracias a la publicación de sus libros, sabemos que sí que las tuvo en Barcelona en 2002 como él mismo reconoce en su libro “Existencilism”, la unión de existencialismo y stencil (plantilla en inglés). En ese viaje a la capital catalana pintó varias obras con plantillas en el centro de la ciudad y luego intentó hacer una intervención en el Zoo de Barcelona, donde sólo pudo dejar su nombre y apenas un par de rayas negras en algunas jaulas de los monos.

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    Banksy-en-Barcelona

    7.- Banksy en México.

    En 2001, Banksy realizó un mural y varias obras en Chiapas, México, cuando viajó como miembro del equipo de fútbol de Bristol: The Easton Cowboys & Cowgirls, un colectivo que nació en 1992 en Bristol y que a través del fútbol, intenta cambiar la realidad social a nivel global. Esta historia fue relatada en el libro “Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls” por Will Simpson, integrante del equipo y que relata (y documenta con fotografías) como un joven Banksy ejerció de portero en el partido y que pintó varios murales alusivos a la situación en México, la identidad de los zapatistas y el fútbol.

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    Banksy en Chiapas (Mexico)

    Bansky_Chiapas

    Los muros fueron pintados con la leyenda «A la libertad por el fútbol», «Zapata vive» y «Resistencia», donde predominan el negro y rojo, colores que identifican a la causa del EZLN.

    8.- Banksy en los museos más famosos del mundo.

    Banksy ha colocado su obra, de forma ilegal, en varios de los museos más importantes del mundo. Así la Tate Modern de Londres, el MOMA de Nueva York, donde incluyó el retrato de una mujer de época que llevaba una máscara anti-gas, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York o el Museo Británico de Londres han tenido un cuadro de Banksy de forma temporal entre su colección. Donde, por supuesto, no ha faltado, una crítica hacia el mundo del arte.

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    Intervención en el Moma

    9.- La niña con el globo.

    Una de sus obras más famosas, la niña con el globo, fue subastada en 2018 y se autodestruyó tras ser subastada por 1,18 millones de euros. El propio Banksy difundió una fotografía en Instagram y publicó el vídeo del momento en que el lienzo se hace trizas al pasar por una trituradora de papel instalada en la parte inferior del marco.

    ¿Una genialidad del artista o algo preparado de ante mano? Esa duda siempre quedará ahí. Porque Sotheby´s decidió venderla igualmente bajo otro nombre “Love is in the bin” (Amor en la papelera), al considerar que se había creado otra nueva obra de arte durante el proceso de destrucción.

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    Love is in the bin

    ¿Y por cuánto se vendió finalmente? Por el triple de lo previsto, más de 3 millones de euros.

    10.- Dismaland.

    En 2015, en Inglaterra, creó Dismaland, su particular versión de los parques de Disney, un lugar inapropiado para niños y que fue creado en colaboración con otros 58 artistas. En definitiva, un parque temático convertido en exposición, donde se pudieron encontrar obras inéditas de artistas como Damien Hirst, Jenny Holzer y Jimmy Cauty, además de Banksy. Y como todos los parques Disney y éste no iba a ser menos, Banksy dedicó el de Dismaland a una princesa: la elegida fue la princesa Diana en la figura de Cenicienta.

    El recinto estuvo abierto durante 36 días y se dice que todo el dinero recaudado fue donado a fines de caridad, sin embargo, se conoce que muchas personas se lucraron del evento, revendiendo las entradas por internet a elevados precios aprovechando la limitación de días de apertura.

    11.- Hotel Walled off.

    11.- El hotel Amurallado. En marzo de 2017 se inaugura el hotel “Walled Off”  en la ciudad palestina de Belén. Con un eslogan que lo anuncia como el hotel con «las peores vistas del mundo», se encuentra ubicado frente al muro de separación israelí de Cisjordania. Todas sus habitaciones están decoradas por Banksy, y su objetivo declarado es tanto atraer turistas a la ciudad como exponer obras de artistas palestinos a un público internacional e israelí.

    12.- Damian Hirst y Banksy.

    Mucho se ha hablado del documental “Exit through the gift shop” (salida por la tienda de regalos) de Banksy, el cual ya os recomendamos en el canal, pero sobre lo que no se habla tanto es de su espectacular recaudación: más de 5 millones de dólares hasta la fecha, una cifra que de nuevo pone en duda el carácter anticapitalista del artista. Hecho que también se puso en duda al colaborar con unos de los artistas contemporáneos más polémicos y que más dinero mueven en el mundo: Damian Hirst.

    Juntos crearon una obra llamada Keeping it Spotless, algo así como “Manteniéndolo impecable” un cuadro de Damien Hirst sobre el que Banksy grabó la imagen de una empleada de hotel. Fue vendido en Sotheby’s New York en 2008 por casi 2 millones de dólares y que hasta la venta de “niña con el globo” era el record del artista.

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    Keep-it-spotless

    Hasta aquí este artículo sobre las 12 cosas que deberías saber sobre Banksy, os recordamos que además podéis ver nuestras recomendaciones sobre películas y documentales sobre Banksy, el artista de Bristol y que os acercará un poco a su enigmática figura.

    https://www.youtube.com/watch?v=vMrz8shr0bg

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  • ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    Os Gemeos ó Os Yemeos es la unión artística de los gemelos Otavio y Gustavo Pandolfo, nacidos en Sao Paulo en marzo de 1974, en el barrio de Cambuci, en el sur de la ciudad. Un barrio humilde, que con la industrialización de Brasil, vio cómo se instalaban diversas fábricas entre sus calles. En ese entorno, comenzaron a crear sus propias obras, que siempre se ha mantenido en la reivindicación social.

    Sus figuras son un retrato poético del universo brasileño que al mismo tiempo se podrían encontrar en cualquier ciudad grande del mundo.

    Los inicios de Os Gemeos.

    Los gemelos definen la calle como la mejor escuela para la gente y así cuando llegaban del colegio se iban a descubrir que pasaba en el barrio, entrando en contacto con apenas 9 años con el mundo del graffiti. Era el año 1983 y ya pintan sus primeros personajes juntos en la pinacoteca de Sao Paulo, donde también usaron por primera vez un spray. De ahí su siguiente contacto sería con la cultura del hip-hop que comenzaba a llegar a Brasil.

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    1983

    Era 1985 y en el país se produce un gran cambio con el fin de la dictadura militar y la consecuente apertura de fronteras, conocimientos y nuevas culturas. Esto les permite entrar de lleno en contacto con el rap y el breakdance, cuyo epicentro es la estación de Sao Bento, en el metro de Sao Paulo, donde decenas de jóvenes venidos de toda la ciudad acudían y nuestros protagonistas comenzar a bailar y a bailar, de hecho fueron break dancers antes que grafiteros.

    En esos momentos, el break dance entra con fuerza en el país, destacando figuras como Nelson Triunfo, una leyenda en el país.

    Del Break dance al graffiti

    Durante los años siguientes, Os Gemeos combinan el break con el graffiti, creando con sólo 12 años su primer proyecto público de graffiti usando todos los materiales disponibles: pintura de coche, látex y boquillas. El uso de materiales diferentes al spray, era por el alto precio de los botes, así que tocaba buscar otras opciones y reutilizarlas, por lo que el látex fue un gran aliado en sus inicios.

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    Los inicios

    En esos primeros años se influenciaron por el movimiento del graffiti procedente de EEUU, pero también del arte urbano existente en Sao Paulo, que seguía un estilo y escuela diferente, con representaciones más figurativas.

    A finales de los años 80 todos los movimientos urbanos comenzaron a unirse (skate, hip-hop, graffii) y la gente empezó a intervenir en lugares de la ciudad que nadie esperaba. Había llegado la revolución del arte urbano a la calle.

    Sus padres fueron un gran apoyo en esos momentos, lo que les permitió seguir evolucionando y explorar nuevos campos como la escultura, desde muy pequeños. Ellos que querían ser bomberos, pasaron a ser artistas. Y como estaban fascinados con los dibujos animados japoneses, empezaron a investigar cómo conseguir esos escenarios y el empleo de las miniaturas en los mismos. Estaban soñando despiertos para realizar performances en escenarios, algo que les llegaría años después.

    Barry McGee les cambió la vida.

    En 1993, con 19 años, conocen a Barry McGee, figura del graffiti y artista contemporáneo, que estuvo en Brasil 9 meses con un programa de intercambio del instituto de arte de San Francisco.

    Este encuentro permite a OsGemeos conocer nuevas técnicas y, sobre todo, tener fotografías y referencias de cómo evolucionaba el graffiti en EEUU.

    Ese mismo año participan en su primera exposición colectiva en Sao Paulo en la galería MIS. Se avecinaban grandes cosas para los gemelos, que seguían pintando tanto graffiti como ilustraciones.

    A través de McGee como conocen a Allen Benedikt, fundador de 12ozProphet, un fanzine dedicado a mostrar lo mejor del graffiti a nivel mundial, que se terminó convirtiendo en una de las fuentes más confiables para todo lo relacionado al arte urbano. Además, conocieron a Caleeb Nelson, grafitero de Boston, que viajó a Brasil y los entrevistó para la revista en 1998, lo que supuso la presentación oficial de OsGemeos fuera de Sudamérica.

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    12oz-prophet-book

    El salto internacional de los gemelos.

    Es al año siguiente, 1999, cuando dan el salto internacional, con una primera parada en Munich, donde exponen en ISART y Livin Large. Ahí entran en el circuito artístico que les lleva por Europa (París, Hamburgo, Berlín), por Australia, Cuba, hasta que les llega la oportunidad y la explosión definitiva en EEUU.

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    Aryz y Os Gemeos

    Su primera exposición en solitario es en 2003 en San Francisco, desde ahí comienzan a pintar a y exponer por todo el mundo. Desde Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Madrid o Lisboa.

    Todos querían tener y conocer la obra de Os Gemeos, los genios de Sao Paulo.

    En 2006, realizan su primera exposición en solitario en Sao Paulo, en la galería Fortes Vilaza. Combinan todos los soportes: tela, papel, muros, pero con un mismo mensaje.

    Sus personajes, mayormente o con colores vivos, hablan de problemas sociales y políticos, todo ello con una clara influencia de la cultura brasileña y el graffiti.

    Utilizan las galerías y exposiciones individuales para trasladar todo su universo y acércalo a cualquier público, no sólo expertos en arte. Así utilizan instalaciones, esculturas, graffitis, grandes murales o la combinación de todos ellos.

    La presencia internacional de los brasileños seguía creciendo, llegándoles incluso invitaciones para pintar de forma legal y remunerada trenes del metro en Río de Janeiro, Sao Paulo o Porto Alegre. A esto se les sumaban proyectos espectaculares como un castillo en Escocia, el exterior de la Tate Modern en Londres o inmensos murales en Holanda, Estados Unidos, Polonia o Portugal, donde en 2010 realizaron el proyecto “Gigante”, una colaboración con Blu para el festival CRONO.

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    OsGemeos-Blu-Sam3-Lisboa

    El componente social de Os Gemeos sigue vigente.

    Pese a que su fama sigue creciendo, Os Gemeos sigue manteniendo esa relación original con la calle, pintando graffitis y muros sociales siempre que ven la ocasión adecuada, ya sea para hablar de la situación del país o un hecho determinado.

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    Corruption by Os Gemeos

    En 2013, si había que todavía no conocía a los gemelos, les llega otro boom informativo, con una colaboración con Banksy en Nueva York, lo que les llevó a ser portadas de numerosos medios. El año siguiente, 2014, fue muy destacado en su trayectoria con 2 grandes trabajos: un mural de grandes dimensiones (el más grande hasta la fecha para ellos) en Vancouver (Canadá) y el reto de pintar un avión, un Boeing 737, con motivo de la copa del mundo de fútbol celebrada en su país natal.

    Este avión, de la aerolínea GOL, fue utilizado por la selección nacional y se emplearon 1200 botes de spray para el espectacular resultado final.

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    Banksy & Os Gemeos

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    Os Gemeos en Vancouver

    Parallel Connection.

    En 2015 realizan otro gran proyecto, en este caso audiovisual, con la aparición, durante 1 mes de sus animaciones con sus famosos personajes amarillos en todas las pantallas de Times Square. Se tituló “Parallel Connection” y todos los días a las 23:57 se iluminaba su universo visual en el centro de Nueva York, el centro del mundo.

    Durante los últimos años han seguido combinando trabajos de grandes murales por todo el mundo, con instalaciones, exposiciones individuales y eventos de todo tipo, como Flying Pictures, en Alemania.

    Os Gemeos ya se atreven con casi todo y su universo es capaz de ser animado en cualquier circunstancias, ya sea en grandes esculturas, de látex o madera o utilizar el componente digital para dar vida a ese mundo colorido que crearon con sólo 9 años.

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    Os Gemeos en Milán

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    Os Gemeos en Boston


    La historia de Os Gemeos en vídeo.

    Si te apetece ver todo su historia en formato multimedia, con más imágenes y vídeos, échale un vistazo al que preparamos para Street Art Málaga.


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