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  • Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    MODE2 es uno de los grandes escritores de graffiti de Europa y uno de sus pioneros en su expansión.

    Su transición desde las letras hasta sus famosos personajes, sobre todo figuras femeninas, le permite abordar temas complejos como la globalización y reflexionar sobre el mundo con una mirada crítica.

    Su técnica implica observar los gestos y movimientos de las personas para reflejar su energía en sus obras de una forma muy personal.

    Los inicios de MODE2.

    MODE2 nació en Mauricio, una isla del océano Índico, en 1967 y se mudó a Reino Unido en julio de 1976 junto a su familia.

    Su infancia la pasa en las calles de Lewisham, al sureste de Londres, donde estuvo influenciando por el despegue de diversas culturas musicales como el punk o el reggae.

    Desde pequeño fue un apasionado de dibujar y le encantaban los comics, la ciencia ficción y la literatura fantástica.

    A los 13 años, movido por su pasión por el juego Dungeons and Dragons, comenzó junto a su hermano a pintar figuritas de plomo, algo por lo que llegó a cobrar dinero de una tienda en Peckham.

    Dungeons-Dragons
    Dungeons-Dragons
    mode2
    Mode2 de joven

    Talento en estado puro.

    Tenía un talento natural para la pintura. En 1982, con 15 años, obtuvo el tercer premio en un concurso nacional de pintura de figurillas de plomo y un año después ganó el 1er premio.

    Su llegada al graffiti fue de forma casual y, como tantos otros, a través de la TV, en concreto a finales del 83 al ver un vídeo de Malcolm McLaren, donde aparecía Dondi pintando y el vídeo de la inolvidable ‘Hey You’, de Rocksteady Crew.

    Eso le hizo interesarse más por esa nueva cultura e ir abandonando sus juegos de infancia.

    Todas esas influencias musicales, de radio, televisión y de la propia calle comenzaron a influir en lo que pintaba un joven MODE2.

    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984
    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984

    En el verano de 1984, tras sus exámenes escolares, comenzó a frecuentar Covent Garden, el centro de la escena hip hop de Londres. Un sitio que había descubierto un año antes paseando con su madre y su hermano menor.

    Su talento con el dibujo, surgido de forma autodidacta, comenzó pronto a despuntar y comenzó a usar rotulador y el spray. Pintaba todo lo que podía, desde pancartas para el centro de arte a personalizar pantalones, chandals o chaquetas de componentes de la escena del hip-hop, ya fueran breakers o MCs.

    mode-2-by-yoshi
    mode-2-by-yoshi

    Su primer tag y la evolución a MODE2.

    Ahí le surgió su primer apodo, porque todos sabían de su talento para dibujar y lo comenzaron a llamar “artista”, “artista en inglés”, por lo que su primer tag fue “R-Tizz” (RTizz)

    Muy pronto, con la ayuda de un escritor llamado Scribla comenzó a pintar graffiti y a crear personajes. Se unió la experiencia de Scribla en retratos y caricaturas y la capacidad imaginativa de MODE2 para proyectar con su mano personajes de su cabeza.

    Esos primeros escritores británicos, ante la ausencia de documentación de imágenes para inspirarse, fantaseaban sobre cómo sería el estilo de Nueva York. Todo eso cambió a mediados de 1984 cuando llegó el libro Subway Art a sus manos.

    Mode2-Chrome-angelz
    Mode2-Chrome-angelz

    Luego, junto a su socio Scribla y Zaki Dee, Eskimo y Xerox formaron los Trailblazers. Antesala de su mítica crew The Chrome Angels, que surgió en la primavera de 1985.

    Inicialmente, el grupo estaba formado por cinco miembros, cada uno con su apodo y estilo únicos: Zaki Dee, Mode 2, Scribla, Eskimo y Bando, de París. A medida que The Chrome Angelz comenzó a ganar reconocimiento, miembros adicionales se unieron al equipo, incluidos Pride, Robbo y Shok-1.

    chrome-angelz-graffiti-crew
    chrome-angelz-graffiti-crew

    Ese verano de 1984 iniciándose en el graffiti cambiaría su vida. Comenzó a practicar más y más con el spray para mejorar su estilo, mientras que al mismo tiempo llenaba libretas de letras y caracteres. Había nacido MODE2.

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    Creative-Match-Kreuzberg_Homes-Bar

    Los pioneros de Europa.

    En esos momentos la pintura en aerosol era la mejor herramienta que tenían porque no estaba en contacto con la superficie, por lo que podía moverse muy rápido y cubrir superficies grandes dependiendo del tamaño de las boquillas que tenían.

    Poco después, busco unos días libres y, gastando el dinero ahorrado en sus primeros trabajos por encargo, se fue a París y allí, junto a BANDO, formó parte de ese pequeño grupo de grafiteros europeos de primera generación que sentaron las bases que otros seguirían.

    Allí trabajaron juntos para mejorar su estilo, pero reconoce haber tenido la suerte de haber estado en el lugar correcto en el momento correcto, rodeado de muchas personas inspiradoras.

    En esos momentos ser un creador o innovador mejoraba tu estatus en el graffiti, inspirando a otros para seguir creciendo y evolucionando a través del estilo.

    MODE2-1999
    MODE2-1999

    MODE 2 comenzó a viajar y pintar en otros países hasta mudarse a París en la primavera de 1987.

    Mode2-Graffiti
    Mode2-Graffiti

    Spraycan Art.

    Allí, en el famoso terreno de Stalingrado, las piezas de MODE2 comenzaron a tener relevancia internacional, tanto es así que a finales de 1987, uno de sus personajes apareció en la portada del libro Spraycan Art de James Prigoff y Henry Chalfant.

    SprayCan Art
    SprayCan Art

    Curiosamente, ese personaje lo había hecho dos años antes, en septiembre de 1985 y fue elegido porque era el que mejor representaba el contenido del libro para un público más amplio, al tiempo que subrayaba la influencia global que tenía la cultura del graffiti.

    En los años siguientes, MODE 2 perfeccionaría su técnica pictórica, utilizando trazos traslúcidos para definir rápidamente una forma y dar una sensación de movimiento a sus personajes, a menudo bailarines, mujeres y parejas eróticamente entrelazadas.

    Mode2-Valencia
    Mode2-Valencia

    Su pasión por la música le llevó a representarlos bailando, para expresar la alegría que compensa algunos de los otros problemas de injusticia social. Además, sus piezas y obras son fáciles de reconocer por el uso de colores típicamente cálidos como el naranja, rojo y marrón claro.

    MODE2 y la figura femenina.

    Le gusta destacar que está obsesionado con la figura femenina, que surgen de su imaginación, de sus fotografías o de las que ve por la calle, en el transporte público o en las galerías comerciales.

    Sin embargo, no tiene ninguna fijación con ningún tipo o forma de cuerpo, tratando de dibujar curvas más naturales, al mismo tiempo que intentar impulsar un tipo racial indeterminado para que sea el espectador quién la identifique.

    Esa ausencia de clichés clásicos femeninos le lleva a recordar su adolescencia cuando se enamoraba de las chicas menos atractivas para el resto del grupo. Sus personajes femeninos venían más de su experiencia en la literatura fantástica y ciencia ficción.

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    Credit-Joel-Fox

    En 1997, MODE2 comenzó a desarrollar intolerancia a los gases del spray, así que debía buscar otros medios para expresarse y no centrarse sólo en el spray.

    Así, a través del escritor DELTA de Amsterdam comenzó a trabajar con pinturas pastel. El uso de estas barras de colores le abrió un nuevo abanico de posibilidades y un virtuoso de las mismas, teniendo una gran colección de cuadros y obras creadas únicamente con pastel o mezclada con acrílico.

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    MODE2
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    LEE-CPH-Vision_Copenhagen

    MODE2 en galerías.

    En los siguientes años, MODE2 comenzó a recibir llamadas de todo el mundo para realizar trabajos, muchos en interior, otros en exterior. Su estilo era muy reconocible y, aunque no es amante de las exposiciones, ya sea en individuales o colectivas, aun así ha hecho algunas, pero siempre con sus reglas.

    En las exposiciones en galerías hace todo el trabajo in situ, de forma parecida a lo que hace Futura. Ese método de pintar con poca antelación le obliga a ir a lo esencial y le impide caer en el letargo pictórico al que puede obligarte la atmósfera del estudio, algo que no tuvo hasta 2011.

    MODE2-gallery
    MODE2-gallery

    En sus trabajos de calle siempre le han gustado especialmente los muros bajos y largos, manteniendo el componente de accesibilidad para el público.

    MODE2 es bastante crítico con el mundo del arte, incluso del arte urbano y del muralismo, sobre todo con aquellos que estando fuera del hip-hop o del graffiti intentar sacar rendimiento de ellos.

    Por eso ha decidido seguir su camino decidiendo dónde y cuándo mostrar su obra.

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    MODE2

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  • QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    NEKST destacó por su estilo intrépido y su capacidad de planificación en cada pieza, convirtiéndose en uno de los reyes de cualquier ciudad que pisaba.

    Desde Houston hasta Nueva York, pasando por Nueva Orleans, Detroit, Los Ángeles o Miami.

    Los inicios de NEKST.

    Sean Griffin, más conocido como Nekst, nació en Houston, Texas, donde se labró una fama como uno de los escritores de graffiti más importantes, primero de su ciudad y luego de todo Estados Unidos.

    Comenzó a firmar en 1996 firmando inicialmente como NEXT con X, algo que cambió tiempo después para convertirse en NEKST.

    Poco se sabe de la vida personal de un escritor que siempre trabajó en la ilegalidad, con la planificación como bandera en cada actuación y con la policía siguiendo muchos de sus pasos.

    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKTS-PUENTE
    NEKTS-PUENTE

    Leyenda en su ciudad.

    En Houston, su ciudad, se convirtió en leyenda, de esas que todo el mundo dentro del graffiti saben quién es, pero que para otros es un nombre que no paran de ver sin saber su significado.

    Un  escritor al que otros admiraban por ser incansable y tener siempre los mejores lugares con su firma.

    Para cada una de sus piezas, la elección de la estructura, los colores, el tamaño y la ubicación siempre fue meticulosamente planificada, legible y en zonas de alto tránsito.

    Intentaba que la pieza fuera lo más grande posible y siempre legible, para los del graffiti y para los ciudadanos, en un intento de hacerles sentir que debían comenzar a pintar, a ser tan visible como él.

    NEKST-BLOCK-LETTERS
    NEKST-BLOCK-LETTERS

    Nekst pintó su nombre con rodillo en vallas publicitarias, paredes y torres de agua. Pintaba con spray en señales, trenes y pasos elevados. Era muy destacada su capacidad para crear sus piezas en los terrenos más desafiantes y los trenes se convirtieron en su particular sitio de trabajo.

    Sus piezas en los trenes, pintadas hace más de una década se siguen viendo por Houston y alrededores.

    Era un escritor sin miedo, del que decían que no se limitaría a subirse a un cartel publicitario y dejar su firma, sino que lo cubriría por completo.

    NEKST-GRAFFITI
    NEKST-GRAFFITI

    Block letters y gran formato.

    Y no siempre escribió en el formato que le hizo famoso: sus Block Letters, enormes letras cuadradas visibles desde lejos que no te hacen dudar del nombre del escritor que hizo esa pieza.

    Fue un especialista en combinar el negro y el plata, pero NEKST era mucho más que eso. NEKST exploró el Wildstyle, el bombardeo de tags e incluso el throw-up, pero realmente lo que le gustaba era hacerse ver. Podemos decir que NEKST tenía obsesión por la escala y la visibilidad.

    NEKTS-GRAN-FORMATO-GRAFFITI
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    Tal fue el impacto de NEKST en la ciudad que fue elegido el «mejor escritor de graffiti» en 2003 por Houston Press, incluso le sugirieron que se mudara para escapar de la implacable presión policial.

    Además viajó a Europa en algunas ocasiones, dejando piezas en lugares míticos como un submarino en Amsterdam.

    NEKTS-COCHE
    NEKTS-COCHE

    NEKST fue un escritor nómada, viviendo y pintando en cada una de las regiones de los Estados Unidos durante más de 20 años, siendo importante para cada ciudad en la vivió.

    NEKTS-GRAFF
    NEKTS-GRAFF

    NEKST y los MSK.

    De hecho, formó parte del famoso crew de los MSK, o Mad Society Kings, donde compartió espacio con algunos de los mejores y más notorios artistas de graffiti del mundo como Revok, Vayne, Haeler o SEVER, algunos de los cuales participaron en el hospital bombardeado de graffiti en Miami que ya te contamos en el canal.

    Y no sólo estuvo con los MSK, sino que también formó parte de los DTS, los cuales siguen recordando su figura. Te dejo el Instagram de ambos grupos en la descripción.

    Pero NEKST no solo dejó su marca en los muros de la ciudad.

    REVOK-NEKST
    REVOK-NEKST

    Durante una detención en una prisión de Dallas, dedicó seis meses a crear retratos de sus compañeros de celda utilizando solo lápiz y papel, demostrando que su talento trascendía las barreras.

    NEKST-OBEY
    NEKST-OBEY

    Fallecimiento y legado.

    Desafortunadamente, NEKST falleció en diciembre de 2012 en circunstancias desconocidas o al menos que no han dejado trascender, dejando atrás un legado como legendario escritor de graffiti, que incluso tuvo referencias en la prensa local.

    Y los homenajes no han parado de sucederse, siendo el más destacado el que le hicieron sus compañeros de MSK, donde pintaron piezas tributos por todo Detroit, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad.

    NEKST-BOWERY-NEW YORK
    NEKST-BOWERY-NEW YORK

    A tal punto llegó su importancia que en Nueva York, en el número 190 de la calle Bowery permanece una pieza mítica de NEKST, que ha sido rehabilitada en numerosas ocasiones por otros escritores. Un ejemplo perfecto de la visibilidad que conseguía NEKST con sus piezas.

    Su nombre no ha quedado en el olvido, hasta tal punto que en Houston se siguen viendo piezas con la firma de NEKST, recordándonos que su espíritu sigue vivo en las calles que alguna vez dominó.

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  • QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    Bates es un escritor que se ha mantenido fiel a las letras y con una trayectoria casi 40 años en el graffiti, sin dejar que modas o tendencias le hayan afectado, pero que siempre está en continua evolución.

    Bates está considerado como uno de los grandes maestros del estilo en el graffiti.

    A Bates le gusta que sus letras se muevan, bailen, se torsionen, en definitiva, que estén vivas, que reflejen bien todo lo aprendido y que lo ha llevado a la fama internacional.

    Los inicios de BATES.

    Nacido en 1971 en Copenhague, Dinamarca, Bates comenzó a hacer sus primeras firmas con 13 años y su primera pieza la hizo, meses después, en una fábrica abandonada a plena luz del día y con su madre acompañándolo.

    OTR-Bates-Graffiti
    OTR-Bates-Graffiti

    Era el año 1984 y el graffiti recién había comenzado en Copenhague, donde se forjaría una de las grandes escuelas europeas.

    Como en tantos otros lugares, el hip-hop y más concretamente el break dance había sido el vehículo por el que llegó el graffiti a la capital danesa.

    Todavía había pocos espacios para el desarrollo de la escena, pero destacamos la cancha de baloncesto de Nansensgade, siendo uno de los primeros lugares de la ciudad donde se podían ver graffitis.

    Electric Boogie Copenhague
    Naco-Dondi-White

    Sin embargo, pese a su precocidad, Bates se engloba en la segunda oleada de la old school danesa, apenas 1-2 años después del denominado inicio oficial del graffiti en el país.

    Su influencia principal en esos días de aprendizaje fue REZQ y los compañeros de escuela que también estaban algo más iniciados en el graffiti que él.

    Con tan sólo 15 años, comenzó a tomarse en serio la cultura del hip hop y del graffiti, por lo que comenzó a escribir de manera incansable, sobre todo en papel, para encontrar su estilo, algo que seguiría haciendo durante toda su vida.

    Bates-Graffiti
    Bates-Graffiti

    Autodidacta del graffiti.

    BATES siempre ha sido autodidacta, aprendiendo a través de la observación y la práctica, pero algo que le sirvió mucho y le sirvió de clara inspiración fue poder ver documentales como Eletric Boogie, pero sobre todo películas como Style Wars o Wild Style.

    En ese momento, en 1986, fue cuando encontró su tag, BATES, y lo tomó de un personaje de  la famosa serie de televisión de ciencia ficción llamada “ V”.

    Bates-Graffiti-1
    Bates-Graffiti-1

    Curiosamente, pese a que nunca estudió arte, dibujo ni tuvo estudios superiores, el talento artístico de BATES se veía claramente y comenzó a destacar rápidamente en la escena danesa.

    Lle gustaba combinar los estilos tradicionales de escritura de graffiti desarrollados en Nueva York, llevando el movimiento de las letras a otro nivel y perfeccionando los ritmos dinámicos y oscilantes de las formas. A eso le añadía una paleta de colores sorprendente

    Y una de las cosas que siempre ha destacado es su capacidad de seguir aprendiendo y recogiendo información de todos los escritores, aunque destaca que el estilo es lo que verdaderamente separa a los Toys de los escritores reconocidos de graffiti. Más que cantidad, pese a que BATES ha pintado mucho, los destaca por su calidad.

    Bates-Graffiti-Denmark
    Bates-Graffiti-Denmark

    Ya en 1989, con apenas 18 años, estaba considerado entre la élite de grafiteros europeos y sus piezas comenzaron a circular en fotos y fanzines de la época.

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    Bates aparece en la escena internacional.

    Luego vendría la internacionalización del graffiti europeo a principios de la década de 1990 y los rumores sobre la elegancia estilística de Bates se extendieron aún más y pronto se convirtió en uno de los escritores más buscados y seguidos de Europa.

    Bates estaba en la élite de Europa, junto con escritores como Loomit de Múnich, Mode 2 y Bando de París o Delta y Shoe de Ámsterdam.

    Eso le hizo comenzó a recibir invitaciones para importar por toda Europa y, posteriormente, por el mundo.

    BATES-Graffiti-Wild-Style
    BATES-Graffiti-Wild-Style

    En 1993 BATES dejó su nombre en el Bronx de Nueva York, luego llegaría Tokio y así todas las principales ciudades europeas, con especial predilección por Alemania o Suecia.

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    Anonimato.

    Algo que ha mantenido durante todos estos años ha sido su anonimato, respetando al máximo su privacidad y protegiendo su rostro de los medios, puesto que su actividad en trenes a principios de los 90s fue muy activa e intensa.

    De hecho, BATES en abril de 1998 fue, tras el mítico JEPSY, el protagonista de la segunda edición de OTR Blackbooks, creada por On The Run de Alemania. El libro es ahora objeto de culto para coleccionistas y mostraba numerosas piezas de BATES, muchas de ellas en trenes, por todo el mundo.

    OTR-Bates-Graffiti-Cover
    OTR-Bates-Graffiti-Cover

    El escritor danés pertenece a numerosas crews entre las que destacamos “ All in one”, pcp, ftp, wca, wr2, gbu, tnb por destacar algunas de las más importantes.

    Bates-Graffiti-Piece
    Bates-Graffiti-Piece

    Su aparición en galerías.

    Curiosamente, pintó su primer lienzo en 1985, un año antes incluso de haber elegido su tag de BATES, pero el talento para pintar estaba ahí y dos años después, en 1987 vendió su primer cuadro, antesala del enorme éxito internacional que le llegaría después.

    Tras casi 25 años pintando de forma ilegal, BATES, como tantos otros, decide ahora pintar, casi siempre, con permiso, de forma legal para relajarse trabajando en sus estilos para mejorar.

    Tras el fallecimiento de su madre en 2007 decidió dar un cambio y comenzar a probar en galerías y exposiciones en homenaje a ella que siempre le decía que tenía que hacer más lienzos y cuadros con sus letras.

    Bates-Gallery
    Bates-Gallery

    Su primera exposición individual le llegó en 2009 y la hizo en su ciudad natal, Copenhague, y se tituló “It´s about time”.

    Desde entonces, ha mostrado su trabajo en numerosas exposiciones individuales presentando sus obras sobre lienzo, pero manteniéndose fiel a sus letras, aunque adaptadas a otro tamaño, con formas abstractas vibrantes y con colores diferentes a sus piezas habituales de calle.

    Asimismo, su trabajo ha sido destacado en numerosos libros como “Graffiti Burners”, “World Piece Book”, “Dansk Wildstyle Graffiti” o el mencionado anteriormente de OTR Blackbook volumen 2.

    Actualmente, BATES sigue pintando y exponiendo su obra por todo el mundo, así como manteniendo una tienda online, que te dejo en la descripción, donde poder adquirir numerosos objetos suyos, desde stickers a cuadros o sudaderas.

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  • Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    LOSE fue una figura clave en el graffiti en trenes de Madrid, pero no se limitó a la capital de España, sino que lo hizo por todo el país y gran parte de Europa. Incluso, llegó a pintar en Moscú, El Cairo o Nueva York.

    LOSE-Pintando-metro-Madrid
    LOSE-Pintando-metro-Madrid

    Dicen que fue tan legendario como lo fue Muelle en los 80.

    Con más de 20 años pintando trenes por todo el mundo, LOSE se convirtió en una figura de referencia en el movimiento, por su destreza, por la calidad de sus piezas, por su audacia y, sobre todo, por su incansable dedicación. Fue tal su actividad que se le consideró el escritor con mayor superficie de tren pintada en España, pero no sólo hizo eso.

    Los inicios de LOSE.

    LOSE comenzó en el graffiti de adolescente, en el año 1995, aunque como muchos chavales de la época, tan sólo pintaba con rotuladores. Poco a poco se fue iniciando, hasta que en el 97 pintó su primera pieza en un muro. En esos años pintaba con gente de su barrio, pero fue ampliando su círculo del graffiti, primero por otros barrios, luego por toda la ciudad.

    Sin embargo, pronto se dio cuenta que pintar muros no era lo suyo, se aburría, buscaba algo más, una inyección de adrenalina. Así que en 1999 pintó su primer tren, su primera chapa, y desde ahí nunca pudo parar. De hecho, hasta tenía tatuado un vagón de tren en un brazo para no olvidar nunca quién era.

    LOSE-Trenes-Graffiti-Madrid

    La primera vez que pintó un tren lo hizo junto a GOES en la antigua cochera de Chamartín, en Madrid. Como él mismo dijo: fue una mezcla de frío, nervios, olor a pintura y adrenalina. La combinación que estaba buscando. Fue la mejor experiencia de su vida hasta la fecha y la puerta a todas las que vendrían después.

    Inspiración de LOSE y sus crews.

    Podemos decir que el graffiti era parte de LOSE, al igual que LOSE ha sido clave en el graffiti.

    Estar dentro del graffiti le permitió superar dificultades, viajar, conocer a gente por todo el mundo, crear otro estilo de vida basado en el graffiti para buscar nuevos retos, nuevos desafíos.

    Sus primeros referentes fueron los primeros escritores de Nueva York, destacando Seen, del que ya te hemos hablado en el canal. En España, le gustaba mucho Sha, al que destacaba por su forma de ver el graffiti en trenes y del que había visto numerosas fotos de chapas, de trenes de Madrid pintados.

    Sha-Graffiti-Madrid - Fuente Spanish-Graffiare
    Sha-Graffiti-Madrid – Fuente Spanish-Graffiare

    LOSE comenzó con la crew de los TNT, porque fueron los primeros con los que empezó a pintar trenes, pero ese grupo se fue disolviendo poco a poco… hasta que conoció a los BGS, en su mayor parte proveniente de Suiza, que iban a Madrid a pintar el metro de Madrid.

    La conexión entre LOSE y los BGS surgió rápidamente y tras numerosas visitas del grupo a Madrid decidieron unirse, quedando los TNT y BGS en un mismo crew.

    tnte grecia
    tnte grecia
    BGS-Graffiti-Trenes

    El palancazo.

    LOSE fue célebre por el uso que hacía del llamado “palancazo”, surgido a mitad de los años 90 en Madrid. Básicamente, consistía en accionar la palanca de emergencia para parar el tren durante 15 minutos y poder pintarlo. Incluso se pintaba el techo gracias a las escaleras de emergencia que se encontraban debajo de los asientos de algunos vagones

    El método se fue perfeccionando con el tiempo y LOSE fue una estrella en eso.

    Primero había que estudiar bien el terreno, el metro, las paradas, las salidas, las vías de escape, tras eso palancazo y al abordaje del tren. En muchos casos, en mitad de un túnel escapando por los respiraderos, en otros incluso los paraban en la estación para luego salir corriendo por las vías, túneles o el propio andén.

    Al palancazo uníamos las misiones que planificaba con todo detalle, ya fuera entrando por un hueco o entrando descolgándose por unos cables de electricidad que daban a una cochera con vagones de metro.

    En algunas misiones llegaban a juntarse hasta 20 personas en Madrid para hacer un palancazo y pintar el metro completo.

    Pese a su actividad pintando trenes y lo que pudiera parecer, LOSE era un escritor elegante, de los que no buscaba la confrontación. Si podía entrar y salir sin llamar la atención, mucho mejor. Además, que era más bien bajito y tímido, pero con un físico atlético, preparado para cualquier reacción rápida. Correr, escalar o subir rápido unas escaleras eran sus armas.

    Tren-Graffiti-Lose
    Tren-Graffiti-Lose

    La detención de LOSE.

    Su relación con el graffiti iba en aumento, incluso varios de sus compañeros, le decían que estaba enfermo con el tema. Ya en 2013 llevaba pintados más de 500 vagones de metro y era considerado el escritor con mayor número de metros de tren pintados en España… pero eso no le libró de que a finales de 2013 lo pillaran en acción y lo detuvieran.

    Pese a que hubo imágenes de la actuación, tanto suya como de sus compañeros de misión, no se le pudo identificar correctamente y lo dejaron ir en libertad con cargos con daños causados que ascendían a 31.000 euros. El vídeo que difundió el Metro de Madrid y la aparición de la noticia en la prensa hizo crecer aún más el mito de LOSE.

    Sin embargo, eso no paró a LOSE, que siguió pintando trenes incansablemente.

    Pintando trenes por el mundo.

    Su actividad fuera de Madrid fue también muy destacada, llegándose a decir que nadie en Europa hizo tantos trenes como él.

    Tras el contacto con personas que venían a Madrid le hizo pensar que él podía hacer lo propio en otros países, así que comenzó a viajar, primero por Europa, luego por el mundo

    Lo que hacía LOSE diferente era que el sufrimiento para llegar a hacerse una pieza en un tren o metro de donde fuera no iba a ser un impedimento, aunque tuviera que dormir en la calle, apenas comer o no tener dinero para moverse y tener que recurrir al autostop donde fuera.

    Lo bueno de estas misiones es que su fama había trascendido fronteras y en muchos casos contaba con la ayuda de escritores locales que le servían de apoyo logístico para las misiones.

    LOSE pintó prácticamente por toda Europa, de Londres y Oslo a Copenhague pasando por Atenas, diversas ciudades de Italia, Rumanía, hasta llegar a Moscú. Luego llegarían misiones y aventuras en El Cairo e incluso en Nueva York.

    La amistad de LOSE con Pérez Reverte.

    A tal punto llegó su leyenda que el famoso escritor español Arturo Pérez Reverte hizo amistad con él por servirle de referencia en su novela “El Francotirador paciente”. Además, Pérez-Reverte llegó a decir de él:

    Pintar trenes y metros era la pasión de su vida, tenía el cuerpo tatuado con ellos. Una de mis novelas le debe mucho.

    LOSE viajaba a sitios desconocidos, dormía donde podía, recorría túneles oscuros, escalaba muros o tejados, se infiltraba en lugares peligrosos e incluso se jugaba la vida, todo con un único objetivo: pintar.

    El fallecimiento.

    Sin embargo, en 2021 la desgracia le llegó y LOSE falleció. No fue pintando, ni arrollado por un tren, como tristemente se podía esperar tras más de 20 años pintando.

    LOSE falleció a los 39 años en Madrid tras colisionar con su moto contra un autobús.

    Pérez Reverte le dedicó un emotivo hilo en Twitter informando sobre su amistad y con algunas anécdotas, lo que usaron los medios generalistas para publicar la noticia.

    El día de su funeral, compañeros y amigos fueron a despedirse de Lose en el Tanatorio Sur de Madrid, incluido el jefe de seguridad del metro de Madrid, que se presentó para expresar sus condolencias. Se había ido LOSE, había nacido la leyenda.

    Desde entonces no han parado de sucederse los homenaje a su figura, con escritores de todo el mundo pintando LOSE en los trenes y muros de todo el mundo.

    Descansa en Paz, LOSE. Muchos trenes, mucha diversión.

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  • QUIÉN fue DONDI: legendario escritor de Graffiti

    QUIÉN fue DONDI: legendario escritor de Graffiti

    Dondi también conocido como «The Style Master General» fue una auténtica leyenda del graffiti de Nueva York.

    Dondi es el escritor que sale en la portada del famoso libro «Subway Art»

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    Tuvo una increíble habilidad para combinar letras y colores de manera única y armoniosa, convirtiendo sus piezas en una combinación perfecta de fluidez, equilibrio y creatividad, lo que le valió un lugar privilegiado en la historia del graffiti.

    Los inicios de DONDI.

    Donald Joseph White, más conocido como alias DONDI WHITE, nació en 1961 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, en una familia de italianos y afroamericanos, siendo el más pequeño de 5 hermanos.

    Empezó a hacer graffitis en 1975 con tan sólo 14 años, en medio de una intensa batalla racial y bandas callejeras, algo que no le fue ajeno, uniéndose a algunas de ellas para protegerse.

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    brooklyn-street-art-dondi-david-corio-london-11-23-1982-web-1

    Surgido de la misma generación que otros míticos escritores de graffiti como SEEN o LEE , ya desde muy pronto destaca por su excelente trabajo previo. Planificaba sus piezas con gran detalle y precisión en cuadernos de dibujo, los conocidos como black books, antes de llegar a los trenes.

    Al inicio de su etapa en el graffiti firmaba como NACO o DONDI, formando parte del crew de grafiti TOP (The Odd Partners, «Los Extraños Socios»).

    Naco-Dondi-White
    Naco-Dondi-White

    En ese momento, la intensa represión hacia el graffiti hacia que no fuera buena idea firmar con tu propio nombre. Sin embargo, en 1979 eso cambió. En un impulso artístico de afirmación de sí mismo, Dondi rompe por primera vez la ley del anonimato reinante en el mundo del grafiti y pinta una enorme pieza con su nombre sobre el tejado de su casa.

    Para 1978 montó su propio crew, CIA (Crazy Inside Artists, «Artistas Locos por Dentro»), junto con los escritores Mare 139, Kid 56, Kel 139, Doc, Duro, Rasta y Crash.

    Crew-Dondi-CIA

    Pionero en nuevos estilos.

    Dondi fue un pionero en la exploración de nuevos estilos y técnicas en el graffiti. Su habilidad para crear letras enérgicas y tridimensionales, combinadas con una paleta de colores vibrantes, le permitió destacarse entre la multitud y dejar una marca indeleble en las calles de Nueva York.

    Usando gamas de colores innovadoras, hace sus letras, así como el relleno, cada vez más complejos, concibiendo una obra dentro de la obra

    Boceto-graffiti-Dondi-White

    DONDI podía pasar meses preparando una sola obra. Sus personajes simbólicos, generalmente reducidos a siluetas monocromas, semejantes a sombras planas o iconos, hacen referencia a los primeros pasos de STAY HIGH con su figura esquematizada de El Santo.

    Su estilo es también destacable por la escasez de contornos, contrariamente al grafiti clásico. Él descarta el contorno negro clásico tan común para dejar que las letras floten.

    Muro-Dondi-White-Graffiti
    Muro-Dondi-White-Graffiti

    Aunque Dondi dominaba el wildstyle prefería el estilo de llamativas letras de imprenta que él mismo había desarrollado. Esto permitía que sus piezas en los trenes fueran legibles desde lejos y dio aún más impulso a su reputación.

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    Dondi-White-Children-of-the-Grave-part-Three-Photo-Martha-Cooper

    Children of the Grave.

    En abril de 1980, una huelga de transporte tuvo cerrado el metro de Nueva York durante dos semanas, lo cual fue un extraordinario regalo para los escritores de grafiti, que pudieron pintar sin que los molestasen a cualquier hora del día.

    Fue en ese momento cuando Dondi pintó su famosa pieza Children of the Grave, part II, donde integra a la vez sus letras, degradados de colores y personajes expresivos. La parte III de esta obra la pintó en su estudio.

    Dondi-Graffiti-Subway-Art

    Sin embargo, DONDI no sólo pintaba en los trenes de la ciudad de Nueva York, sino que su trabajo le comenzó a abrir puertas en el circuito artístico y comercial.

    Dondi-Lady-Pink

    Dondi entra en el circuito comercial.

    En 1981, cuando abrió la FUN Gallery en el East Side de Nueva York contaron con artistas emergentes de la época como  Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, o Futura.

    Poco después, Dondi pinta el título de la película Wild Style en un metro, logo que inspirará el cartel de la mítica película. En 1984 aparece en el documental Style Wars junto a SEEN y en el libro Subway Art, donde es portada en muchas de sus ediciones.

    Tren-Graffiti-Dondi-2

    Además de su destreza artística, Dondi era conocido por su incansable dedicación al graffiti. Su compromiso y su búsqueda constante de perfeccionar su estilo lo llevaron a explorar nuevas técnicas y a trabajar en una amplia gama de superficies, desde vagones de tren hasta paredes de edificios.

    Su deseo de superar los límites del graffiti tradicional lo convirtió en un referente para futuras generaciones de escritores.

    Su influencia se extendió más allá de las calles y llegó a exposiciones de arte, galerías y museos, donde sus obras fueron exhibidas y celebradas como expresiones legítimas de la cultura urbana.

    A lo largo de su carrera, Dondi dejó su huella en innumerables ciudades de todo el mundo. Y viajó extensamente llevando su obra a lugares tan diversos como Europa, Japón y Australia.

    Dondi-Graffiti-Studio

    Los últimos años de Dondi.

    Dondi supo reinventarse en los años intensos de la lucha contra el graffiti. Por ejemplo, en 1980 apoyado, por el coleccionista Sam Esses con el Esses Studio project, se decantó por el trabajo en estudio cuando la MTA de Nueva York (Metropolitan Transportation Authority) borró sus trenes.

    Con un fuerte dominio del aerosol, le gustaba incluir en sus realizaciones efectos diversos como los degradados. Trabaja todos sus elementos y colores y los superpone hasta obtener una cierta forma de abstracción.

    Por desgracia, Dondi falleció en 1998 a la edad de treinta y siete años por complicaciones de salud relacionadas con el SIDA dejando un legado perdurable en el mundo del graffiti.

    Dondi-White-Graffiti-Train
    Dondi-White-Graffiti-Train

    Sin embargo, su impacto continúa resonando en la comunidad del graffiti y su estilo sigue siendo una fuente de inspiración para muchos escritores de graffiti y artistas urbanos contemporáneos.

    Su capacidad para combinar letras y colores de manera magistral y su incansable búsqueda de la perfección lo convirtieron en una figura icónica en la historia del graffiti.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Dondi, un escritor de graffiti visionario y audaz cuyo estilo único y vanguardista lo catapultó a la fama en todo el mundo.

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  • QUIÉN es LEE. Leyenda del graffiti de NY.

    QUIÉN es LEE. Leyenda del graffiti de NY.

    En el mundo del graffiti, hay nombres que resuenan más fuerte que otros. Lee Quiñones, también conocido como «LEE», es uno de los grafiteros más influyentes de la historia del graffiti en Nueva York y en todo el mundo.

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    Actualmente, Lee es una figura importante tanto en el mundo del arte contemporáneo como en los círculos de la cultura popular, produciendo un trabajo que está lleno de contenido sociopolítico provocativo. Esta es su historia.

    Los inicios de LEE.

    George Lee Quiñones, nació en Ponce, Puerto Rico en 1960. Lee se mudó con su familia al Lower East Side de Nueva York a los 3 años de edad y comenzó a pintar graffiti en las calles de la ciudad a los 12 años junto con su primo, PHASE 2.

    Lee se convirtió en una de las fuerzas más influyentes en la escena del graffiti de la Gran Manzana durante la década de 1970, donde en los siguientes años pintaría más de 100 vagones de metro completos, en todo el sistema metropolitano de transporte de Nueva York. Fue conocido por ser el primero en ir más allá de la simple escritura en mayúsculas de sus predecesores gracias a la vinculación de las letras de su tag entre sí.

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    Sin embargo, su impacto trasciende las fronteras de Nueva York y se ha convertido en una leyenda en todo el mundo.

    Cuando Lee eligió su nombre para los trenes, decidió no asignarle números ni elementos ornamentales como halos o coronas,  tal y como se hacía en la época.

    Wild_style_still

    La importancia de un tag simple: LEE.

    Escribió su tag para que fuera legible, de modo que tanto otros escritores como el público en general pudieran reconocer su  trabajo dentro de un número interminable de firmas en movimiento que había en esa época.

    Eligió su segundo nombre, LEE, no solo porque era corto e interconectado, lo que resultaba en firmas súper rápidas, sino para crear una apariencia propia que actuara más como una firma al final de algo más grande.

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    Evolución de la firma de Lee

    Además, como nos enseña en su propia web, Lee ha seguido evolucionando su firma, teniendo hasta 6 versiones diferentes, donde el trazo y la técnica han ido dejando una firma muy estética.

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    Sin embargo, para esas piezas en los trenes y las paredes, sus letras tuvieron que cambiar de forma. De firmas rápidas y temblorosas pasaron a elementos imponentes.

    Al final, firmar con su nombre no sólo le permitió decir “yo estuve aquí” ante gente que no valoraba ni consideraba su existencia, sino que Lee existía fuera de sus propias obras maestras.

    El estilo de LEE.

    Poco a poco, con su habilidad y estilo únicos, Lee comenzó a ganar reconocimiento y respeto en la escena del graffiti en Nueva York, primero porque seguía las huellas de sus predecesores y también porque respetaba el código fijado por la old school, los pioneros del graffiti.

    Quiñones solía agregar mensajes poéticos en sus piezas, como «El graffiti es arte y si el arte es un delito, por favor, Dios, perdóname».

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    Lee destacó por el uso de letras con una técnica única de sombreado y dimensiones que llamó la atención de muchos. Su trabajo apareció en numerosas exposiciones de arte y galerías y fue uno de los primeros artistas de graffiti en ser contratado por una marca importante para crear una campaña publicitaria.

    Lee-Graffiti

    Los Fabulous 5.

    Durante la década de 1970, Lee se convirtió en un miembro importante de la crew de graffiti «Fabulous 5«, donde conoció a Fab 5 Freddy, quien lo llevó al centro de Nueva York y le presentó a galeristas, músicos y artistas plásticos.

    The Fabulous 5 destacó por su estilo de graffiti innovador, que combinaba técnicas de letras y personajes para crear piezas únicas y llamativas. Además, la crew a menudo trabajaba en conjunto para crear grandes murales, lo que se convirtió en una característica distintiva de su trabajo.

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    EARTH_IS_HELL_ROUND-Lee-tren-graffiti

    A finales de 1975 Lee pintó su primer tren largo, alrededor de 13 metros y meses después, en noviembre de 1976, pintó una de sus obras maestras: diez vagones completos, donde Lee fue el principal escritor en uno de los primeros trenes que circuló en Nueva York, junto con DOC, MONO y SLAVE, los miembros principales del equipo de The Fabulous Five, que también incluía a DIRTY SLUG.

    La crew también fue conocida por su papel en la popularización del graffiti en la cultura popular. Varios de sus miembros, incluido Lee, aparecieron en el documental de 1983 «Style Wars», que ayudó a exponer el graffiti a una audiencia más amplia y popular.

    Lee en los medios de comunicación.

    Lee también aparece en el video «Rapture» de Blondie y en la película «Downtown 81» sobre Jean Michel Basquiat.

    Además Lee pintó el famoso anfiteatro que sale en la película “Wild Style”, donde el propio Lee y Lady Pink tuvieron el papel de protagonistas de la mítica película de graffiti, momento en el que eran pareja tanto en la vida real como en la película. Wild Style sirvió como modelo para los movimientos emergentes de hip hop, graffiti y street art y para dar visibilidad a la exposición en galerías y el futuro del movimiento.

    Lee-Graffiti-Nueva- York

    En 1978, Lee pasa la mayor parte de las noches al pie del puente de Brooklyn, transformándolo en una galería de arte a cielo abierto, llegando a comentar “Mi idea era crear arte sin referencias a la historia del arte tradicional, porque mi obra también era una página de esta historia y la estaba escribiendo”.

    El trabajo de Lee se caracteriza por la representación de personajes como extraterrestres, robots y animales fantásticos, así como por la creación de paisajes urbanos imaginativos y coloridos. Se inspira en la vida cotidiana y en la cultura popular. Y Su paleta de colores evoca a menudo a la naturaleza  colores como el ocre tierra, azul, celeste- y el conjunto es en general más neutro que el usado por otros escritores.

    Su pintura es el cruce de la cultura hip hop y el rock punk, donde suele incluir sus famosos mensajes o alegorías. De hecho, la aparición de numerosos figuras humanas en su obra hace recordar a la tradición de los muralistas de México y América del Sur.

    Lee llega a las galerías.

    Además del graffiti, Lee también trabajó en proyectos de arte público, creando murales en edificios y espacios públicos en todo el mundo.

    A finales de 1979 el marchante de arte italiano Claudio Bruni adquirió varias piezas de lienzo de Lee, lo que generó su primera exposición en la Galería Medusa de Roma con tan solo 19 años. Para la gente de fuera de Nueva York, era su primera incursión con el graffiti.

    Un año después Lee tuvo su primera exhibición en Nueva York en White Columns, marcando el comienzo de una era importante cuando la pintura en aerosol hizo la transición de objetos en movimiento a lienzos estacionarios.

    Su obra fue incluida en la crítica “Times Square Show” (1980); “Éxito del Arte del Graffiti para América en Fashion Moda” (1980); el show “New York/New Wave” (1981) en PS1; y, en “Documenta #7” en Kassel, Alemania (1983).

    Lee-Pintando-mural

    Sin embargo, Lee continuó trabajando en su arte y eventualmente regresó al mundo del graffiti y del arte público.

    Exhibiciones de Lee por todo el mundo.

    Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.

    Además, Lee ha tenido exposiciones individuales en MoMA PS1, Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Fun Gallery, Barbara Gladstone, Galerie Rudolf Zwirner, Lisson Gallery, Barbara Farber y Nicole Klagsbrun, entre otros.

    Cuadro-Lee-Quiñones
    Cuadro-Lee-Quiñones

    Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.

    Hoy en día, Lee, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York,  es considerado una leyenda del graffiti y ha influido en la próxima generación de artistas de graffiti en todo el mundo.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Lee que por su creatividad, técnica y estilo y su intenso trabajo en el metro de Nueva York ha dejado una huella duradera en la historia del graffiti y el arte urbano.

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  • Tipos de Street Art y arte urbano

    Tipos de Street Art y arte urbano

    Tras contar la historia del graffiti y los tipos de graffiti, hoy hablamos de los tipos de arte urbano o tipos de street art.

    Lo primero es aclarar que el street art no es graffiti, porque ni responde a los mismos objetivos, ni está dirigido a las mismas personas, ni sigue las mismas reglas.

    Hablaremos de los tipos más conocidos como la plantilla, el póster, la pegatina o el muralismo, pero también os contaré sobre otros menos conocidos como las miniaturas o las gigantografías.

    Stencil-plantilla

    Esta técnica consiste en reproducir mediante plantilla y spray (a veces con pintura y pincel) un diseño previamente realizado. Es una de las más populares y rápidas dentro del street art.

    Sus máximos referentes son el francés Blek le Rat y Banksy, quizás el artista urbano más famoso del mundo.

    El origen de las plantillas en el street art lo encontramos a principios de los 80s con la primera figura humana de Blek le Rat en París. Su popularidad creció durante toda la década. Posteriormente, otros artistas como Jef Aerosol, Nemo o Miss Tic se dedicaron a las plantillas.

    Blek_le_rat,_Leake_Street,_Waterloo,_London
    Blek_le_rat,_Leake_Street,_Waterloo,_London

    Ya en los 90s, comienzos del 2000, llegaría su expansión global y popularidad de la mano de Banksy y sus plantillas con mensaje social y político.

    Banksy es el artista más atrevido, temerario y pionero en la realización de intervenciones realmente impensables. Ha llegado a pintar en los lugares donde nadie antes lo había logrado o incluso imaginado.

    Una técnica al alcance de todos, donde la maestría en la idea, diseño y ejecución marcan la diferencia.

    Sticker-pegatina

    Una de las técnicas más populares y reconocibles por todos son las pegatinas o stickers. Punto de intercambio y visibles en todas las ciudades del mundo.

    Es una manera fácil, sencilla y divertida de decir aquello de “yo estoy allí” del graffiti, pero en versión arte urbano.

    Su origen lo encontramos en EEUU con los grandes precursores REVS y COST. Éstos inspiraron a OBEY, que llevo el concepto pegatina de André el Gigante al siguiente nivel.

    Suelen acumularse en determinados puntos: señales, esquinas, tiendas de graffiti, puertas de contadores, etc. y así obtienes visibilidad al estar con otros.

    El mundo de las pegatinas está auge porque es puro arte urbano de hazlo tú mismo (DIY). Incluso hay canales de Youtube dedicados a los intercambios de stickers. Por ejemplo, el canal de SIVE con sus famosas Sticker Submissions.

    Sticker--Tipos-de-Street-Art
    Sticker

    Paste-up-Papel empastado (engrudo)

    Es una de las técnicas más complejas del street art, ya que requiere un intenso trabajo previo de diseño, de conseguir los materiales y del acabado final.

    Habitualmente se utiliza papel y una mezcla de engrudo o pegamento para conseguir fijarlo a la pared o soporte.

    En esta técnica destaca un nombre sobre todos, la artista SWOON, que lleva a otro nivel el paste-up, con figuras de tamaño real, todas cortadas a mano.

    swoon-Street-Art
    Swoon

    En España, es muy popular el artista italiano TV Boy que mezcla personajes reales con situaciones actuales del día a día.

    Póster

    Otra de las técnicas más significativas del “Do It Yourself” (hazlo tú mismo), con una impresora, papel y cola es suficiente. Hablar del poster es hacerlo de nuevo de REVS y COST.

    Su influencia en Obey fue clave, porque llevó el poster al gran formato, aplicando técnicas publicitarias.

    El Póster y el paste-up están muy ligados y en ocasiones se confunden el uno con el otro por su similitud en el modus operandi.

    Revs-Cost-Street-Art-Sticker
    Revs-Cost

    Sin embargo, que sea fácil de hacer no lo hace tan sencillo:

    Pegar un póster, una única vez en la calle no te convierte en artista urbano.

    Goot

    Pixel Art

    Lo diferente de esta técnica es que el mosaico no teme los daños causados por la intemperie ni el paso del tiempo. Las obras se pegan con cemento en los muros de la ciudad en los sitios más insospechados y difíciles de alcanzar.

    Además, habitualmente, conservan el brillo de sus colores y su deterioro es mucho menor que el de un graffiti, un poster o una pegatina.

    El máximo exponente del pixel art es el artista francés Invader.

    Invader, como buen artista urbano, documenta minuciosamente cada etapa del proceso de creación. Además todas las piezas son indexadas y fotografiadas por su autor. Incluso llega a elaborar mapas de cada ciudad y que atribuye puntos a cada usuario por encontrarlo.

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    JR

    Gigantografía

    Esta técnica se basa en colocar fotografías de gran tamaño en muros y edificios. En la mayoría de los casos son fotos tomadas por el propio artista, que luego reproduce en el formato deseado.

    El artista más famoso es el francés JR que ha colocado sus fotos de gran tamaño en los lugares más insospechados. Por ejemplo, en Face 2 Face donde colocó sus fotografías gigantes sobre el muro que separa Israel y Palestina.

    Su trabajo es una mezcla entre el arte y la ley, y sus mensajes hablan de la identidad y la libertad.

    En España destacó el trabajo hecho por Alberto de Pedro, que utiliza rostros de niños, ancianos, o incluso parejas. Esto llama la atención de los viandantes al sentirse observados por estos gigantes. No respeta las proporciones naturales de la gente para conseguir un mayor impacto en el receptor de su obra.

    Gigantografias-AlbertoPedro-Madrid
    Gigantografía de Alberto de Pedro

    Figuras en miniatura

    Uno de las tipos más curiosos es el uso de figuras de miniatura colocados en espacios públicos para llamar la atención del espectador.

    Destacan artistas como Slinkachu, que crea miniaturas aprovechando elementos que la gente tira en la calle como basura. Por otro lado el mejicano Pablo Delgado, realiza impresiones fotográficas que luego coloca en la calle. Aunque sólo unos pocos perciben su obra, debido a que está escondida en el espacio urbano.

    Slinkachu
    Slinkachu

    También destacamos al artista belga Jaune, que tiene un mundo en miniatura, con la supuesta vida secreta de los servicios técnicos y empleados municipales. Sus creaciones son hechas con spray y plantilla en muchas ocasiones, aunque también explora otras técnicas para crear sus miniaturas.

    Jaune_09_HOOKEDBLOG_PHOTO_©2017_MARK_RIGNEY
    Jaune_09_HOOKEDBLOG_PHOTO_©2017_MARK_RIGNEY

    Figuras humanas

    Pasando de la miniatura al tamaño real encontramos a Mark Jenkins, que coloca figuras humanas en diferentes situaciones.

    Recrea a personas a tamaño natural con cuerpos de maniquís o con papel film. Así genera «muñecos» de personas con un gran realismo.

    Street-Art-Figures-MarkJenkins
    Mark Jenkins

    Muros tallados

    Es una técnica que combina varias y con un máximo y casi único exponente: el artista portugués, Vhils.

    Suele utilizar fotografías reales tomadas por él mismo, que posteriormente digitaliza por capas. Utiliza las fotos a modo de plantilla y jugando con la profundidad genera imágenes «esculpidas» sobre los muros.

    Vhils_in_2017_in_Beja
    Vhils_in_2017_in_Beja

    Vhils busca explorar y exponer la naturaleza efímera de las cosas. Sin embargo, lo que lo hace importante en la historia del street art es el desarrollo de una técnica propia.

    Vhils consigue que la destrucción se convierta en una forma de creación.

    Muralismo – Arte Mural

    Es sin duda la técnica más conocida y en la que mucha gente piensa cuando se habla de street art o arte urbano. De hecho, en muchas ocasiones parece que no hay más allá del mural.

    Sin embargo, hay muchas y diversas técnicas que hacen que el espectador se sienta parte del juego.

    El mural en gran formato, extendido por todas las ciudades del mundo y con muchos festivales consolidados. Tiene su origen en el muralismo mejicano de Diego Rivera y Siqueiros, pero cambiando ubicaciones, temática y, sobre todo, los materiales.

    Diego-Rivera-Mural-Mexico
    Diego-Rivera-Mural
    muralismo-mexicano-Street-Art
    Muralismo mexicano

    Esos primeros murales eran sociales, reivindicativos y políticos y se exponían sobre todo en el interior de edificios.

    El muralismo actual explora todos los límites posibles. Hablamos de edificios infinitos pintados, grandes fachadas pintadas a varias manos. Y las temáticas exploran todos los campos, incluso el abstracto. Y no sólo se usa el spray, sino que combina rodillo, pincel o plantillas.

    Además, pese a que en el muralismo tiene una gran fuerza el realismo, hay muchos artistas que han encontrado su propio estilo, siendo capaces de ser reconocidos en todo el mundo.

    Inti-Street-Art-Mural
    Inti

    Conclusión sobre los tipos de street art y arte urbano.

    Hasta aquí este viaje por tipos de street art y arte urbano. Seguro que no están todos, pero si son todos los que están. Nos puedes dejar en comentarios lo que te ha parecido y si quieres hacer alguna aportación, será más que bienvenida.

    Murales-Lian-Mejor-Mural-España-2022
    Murales-Lian

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  • Historia del Graffiti de Madrid. Del estilo flechero al Hip-Hop graffiti.

    Historia del Graffiti de Madrid. Del estilo flechero al Hip-Hop graffiti.

    Madrid, la capital de España, vio nacer a principios de los 80 el movimiento del graffiti, con la gran peculiaridad de tener 3 estilos diferentes de graffiti (de firma, hip hop y subway art) que convivieron durante varios años, emulando en gran parte los pasos y fases del mítico graffiti de Nueva York. Esta es la historia del graffiti de Madrid.

    Graffiti autóctono (flechero) de Madrid

    El denominado graffiti autóctono, graffiti flechero o writing graffiti al estilo Madrid apareció a principios de los 80s, sin una clara referencia directa al graffiti de firma que invadió Nueva York en esa época.

    La primera inspiración de este tipo de graffiti en Madrid la encontramos en Ámsterdam, Holanda, donde ya en 1979 la cultura punk del país, que recibía información directa por su influencia musical de EEUU, encontró en el graffiti una forma de escribir sus nombres de banda y eslóganes, en definitiva, una forma perfecta de hacerse ver en muchos lugares de forma rápida.

    Es importante recordar que en el Madrid de los 80 surgió la llamada Movida Madrileña, donde jóvenes del ámbito cultural, con mucha influencia de la música punk, pop y rock, se convirtieron en sus máximos exponentes… y los grupos de punk (y del metal y el rock) comenzaron a escribir sus nombres en las calles (incluso en el interior del metro). Y algunos chavales vieron la oportunidad de emular ese comportamiento y comenzaron a escribir sus nombres por la ciudad, primero por su barrio y luego por toda la ciudad.

    TAGS-MADRID-Historia-Graffiti
    Algunas firmas famosas de Madrid

    Primera ola del graffiti autóctono

    La primera ola del graffiti autóctono la situamos a mediados de los años 80 y nos lleva a los distritos de la Latina, Carabanchel y Fuencarral y Tetuán en el norte de la ciudad. Pronto comenzaría a expandirse por la red de metro, así en el distrito centro de la capital comenzaron a aparecer firmas. Se veían desde Arganzuela a Retiro, pasando por Argüelles, el barrio de Salamanca o Chamberí.

    La expansión pasa de los barrios a las calles, con la carretera M-30 y la línea 6 de Metro, que recorrían Madrid de forma circular, como ejes perfectos para los primeros escritores de graffiti. Incluso los que tenían su propio medio de transporte podían llegar más lejos y poner la firma en más sitios.

    Inicialmente estos primeros escritores firmaban sólo con rotuladores y era un puro acto de bombardeo, de poner su firma en cuántos más sitios mejor, ahí no había ni piezas, ni deseo de hacer murales, ni nada parecido a una guerra de estilos.

    Es más, no había ninguna relación alguna con el graffiti Hip-Hop que llegaría unos años después y podemos decir que casi ni se consideraban grafiteros o escritores de graffiti, sino un grupo de jóvenes a los que les gustaba pintar. No buscaban reconocimiento ni pretendían eliminar su anonimato, lo que les otorgaba más libertad.

    Figuras destacadas en el graffiti flechero de Madrid.

    De esta primera expansión del graffiti de firma en Madrid destacan 5 nombres sobre el resto: Muelle, Bleck (la rata), Josesa Punk, Glub y Jojass Punk, aunque fueron muchos los que se adentraron en este mundo y de los que hablaremos más adelante.

    Firma-Muelle-Madrid-Otros-Tags

    La figura principal fue Muelle, un joven madrileño, nacido en 1965 en el barrio de Campamento, a las afueras de la capital y que a principios de los años 80 creó con su firma el llamado graffiti autóctono madrileño o flechero, por la utilización de la flecha como forma estilística destacada de las firmas. Una revolución social al mismo nivel que consiguió Taki 183 en Nueva York.

    El otro gran nombre fue Bleck (la rata), que tomó su nombre del famoso artista urbano Bleck le Rat, del que había oído hablar de su actividad en Francia. Su presencia por toda la ciudad y su carisma le permitió a Bleck ser el único en poder competir con Muelle en cuanto a popularidad. Sin embargo, eso no quitó que en cuanto se conocieron se hicieran muy amigos y compartieran muchos momentos juntos.

    Luego comenzaron a aparecer más nombres, incluso hubo quien puedo escribir su nombre en lugares más alejados, como Juan Manuel, que lo conseguía gracias a tener coche y ser mayor que el resto.

    JuanManuel-Graffiti-Madrid

    Esta firma flechera era como un logotipo, la idea era que fuera casi siempre igual, pese a que con los años, cada escritor fue evolucionando un poco su firma, incluyendo diferentes tipos de flecha, incluso la R que popularizó Muelle.

    Convivencia del graffiti flechero y el hip-hop graffiti.

    A mediados de los 80s comienza a llegar el graffiti Hip-Hop a Madrid y los flecheros se ven obligados a evolucionar, primero por una nueva competencia y luego por el auge del movimiento hip-hop en los barrios, así que comienzan a aparecer los brillos, colores, las sombras o el aspecto tridimensional para asemejarse al nuevo estilo de graffiti.

    El graffiti comienza a aparecer en la prensa nacional, tanto en formato prensa en papel como radios y TV. Y en 1990 se emite “Mi firma en las paredes”, documental sobre el movimiento del graffiti flechero y la figura de Muelle en Madrid.

    Como era de prever el primero que inició está revolución fue Muelle, que comenzó a usar rellenos, nuevos grosores y brillos, creando una versión más madura y consolidada de su firma. Además, pese a que la pieza ponía su nombre, le añadió el “by Muelle” para que se pudiera asociar este nuevo estilo con los anteriores.

    Se cambia del rotulador al spray, aunque no todos los hicieron, por ejemplo Bleck se mantuvo firme con el rotulador y no empleaba casi el spray.

    Firma-Muelle-calle-Montera-Madrid
    Firma de Muelle en calle Montera (Madrid)

    Sobre 1985-1986 tenemos la llamada época híbrida, donde conviven ambos estilos, que no compiten, inicialmente, en el mismo terreno, pero que pronto comienzan a no entenderse con toda la facilidad que se presuponía, puesto que unos les quitaban sitios a otros. Era una competencia de estilos, donde los escritores del movimiento hip-hop menospreciaban en muchas ocasiones a los escritores flecheros.

    Evolución de los escritores autóctonos.

    Lo que sucedió es que algunos de los escritores autóctonos comienzan a pasarse al otro lado, algunos de manera directa, otros de forma híbrida, manteniendo ambas líneas y algunos lo dejan visto el nivel de competitividad que no les interesa.

    Algunos escritores destacados que evolucionaron fueron Matakuras MK que pasó como escritor destacado al Subway Art y firmar como KOAS y luego como Hen, de los PTV. Otros casos fueron Jojass que pasó a ser Alien y Kus que firma como Remebe.

    Matakuras-Historia-Graffiti-MAdrid
    Matakuras MK

    Hen-KOAS
    Hen de los PTV en el Metro

    El problema para el movimiento autóctono es que mayoría de los que probaban el estilo hip-hop se quedaban en ese estilo y olvidaban el flechero. Así, para principios de los 90s el graffiti flechero decae, hasta casi su completa desaparición, aunque tuvo una pequeña reaparición  a principios del año 2000.

    Sin embargo, es importante destacar que los escritores autóctonos también fueron pioneros en el denominado Subway Art, o graffiti en el metro y trenes. Aquí destacaron nombres como Rafita, que fue uno de los más activos y que alardeaba de pasar más tiempo bajo tierra que pintando en superficie, aunque su firma, más elaborada y compleja que el resto, le hacía ser más lento, por lo que debía pasar más tiempo pintando.

    Plano-Metro-Madrid-1982
    Plano-Metro-Madrid-1982

    Los flecheros no pintaban exterior de trenes, sino que firmaban en el interior de los vagones, en la publicidad y cartelería del interior; los que sí lo hacían eran los escritores híbridos, que manejaban el estilo flechero y el hip-hop y, por supuesto, los escritores de hip-hop graffiti, que fueron los máximos exponentes del pintado de trenes.

    Además el modus operandi de cada grupo es diferente, mientras que los autóctonos suele pintar en solitario, los asociados al hip-hop lo hacen en parejas, grupos y con una gran preparación y coordinación.

    Graffiti Hip-Hop de Madrid.

    El inicio del graffiti Hip Hop en Madrid se data entorno a 1984-1985, influenciado directamente por la cultura de Estados Unidos y las corrientes europeas del movimiento, principalmente de Francia, donde había llegado el graffiti antes que a España.

    El retraso en la llegada del graffiti Hip-Hop a Madrid lo encontramos por diversos factores: tecnológicos, técnicos, conocimiento del inglés para consumir recursos visuales y escritos, etc. La primera película proyectada en Madrid relacionada con la cultura hip-hop fue Break Dance en 1985, pero el verdadero auge llegó con la emisión de la mítica Style Wars en 1986.

    Wild-Style-graffiti-pelicula
    Tras Style Wars llegó Wild-Style

    Incluso el break dance o la música hip-hop llegó antes que el graffiti a la capital de España, ya que a través de la base militar de Torrejón de Ardoz se introdujo la música hip-hop.

    Por otro lado, Barcelona juega un papel clave en la aparición del Hip-Hop graffiti en Madrid, ya que su carácter multicultural y como destino de vacaciones de muchos jóvenes europeos, hace que traigan sus influencias del graffiti.

    Incluso, años después, se crea un vínculo directo entre Barcelona y Madrid, con la creación del colectivo ACME, compuesto por escritores de ambas ciudades.

    Expansión del graffiti hip-hop de Madrid.

    Su expansión por Madrid se produjo por toda la comunidad, desde Carabanchel a Vallecas y el sur y este de la zona metropolitana. En la zona de Campamento se ven piezas en 1985 y en la zona de Móstoles para 1986, incluso en ese año ya se comienzan a ver vagones de metro y de de la red de cercanías pintados, coincidiendo con la emisión de Style Wars en TV.

    El primer writing corner o punto de encuentro de Madrid capital se sitúa en el mítico Instituto Ramiro de Maeztu, sede del Estudiantes de baloncesto, puesto que allí estudiaron varios de los escritores más importantes del momento. Otros lugares interesantes en la escena hip-hop fueron “el Retiro”, la plaza de Colón o Azca/Nuevos ministerios, que era lugar de quedada para los amantes del break dance.

    RamiroMaeztu-Madrid
    Graffiti Hip Hop en el Ramiro de Maeztu

    QSC-1988
    QSC en 1988

    Los QSC.

    Se puede considerar al grupo QSC (Quicksilver Crew) del barrio de Campamento como los principales promotores del Hip Hop Graffiti en Madrid. Pese a que muchos de sus miembros empezaron a pintar mucho antes, fue fundado en 1989 por Seone, que le da el nombre y Enry 538, que luego paso a ser KOOL, considerado una referencia para todos y un líder para el grupo.

    Posteriormente entran en los QSC otros nombres destacados como: AGS, ARDI, CAME, CHEMA C, IVAN Q, MATA, SAC o SNOW. A los QSC se les atribuyen muchas de las acciones más importantes de la época, incluida la introducción de la guerra de estilos o del robo de botes para pintar como parte del proceso. Incluso fueron los primeros en colaborar con la escenografía de un programa de TV en España. Era 1991 y el programa Hablando se Entiende la Basca, de T5 con Jesús Vázquez de presentador.

    En 1986 se ve la verdadera transición del graffiti de firma a piezas murales de gran formato. Se pasa del componente estático, la pared al movimiento dinámico que ofrece la red de metro y trenes.

    Podríamos decir que, a diferencia del graffiti flechero, en el movimiento hip-hop había una línea común, ya que la mayoría escuchaban la misma música, vestían parecidos, les gustaba el rap o el hip-hop y su estilo de pintar era parecido, con una influencia visual directa del movimiento hip-hop de Nueva York.

    Graffiti-Hablando-Se-Entiende-la-basca-t5-1991
    Graffiti-Hablando-Se-Entiende-la-basca-T5-1991

    Nuevas crews y llegan los fancines.

    El Hip Hop graffiti se extiende por Móstoles, Alcorcón, Parla, Valdemoro, Torrejón de Ardoz o Coslada y aparecen nuevos grupos como los TCK, DMC o los TZA. Y los estilos comienzan a ser algo diferentes en cada lugar, porque sus integrantes están en aprendizaje continuo en base a libros, vídeos, documentales y fotos. Además el flujo de información sigue su curso, a lo que unimos el intercambio de información entre aquellos que viajan a Barcelona, Alemania, Francia o Bélgica.

    En 1989 aparecen los primeros fanzines de graffiti españoles, compuestos por fotocopias en blanco y negro de piezas realizadas por escritores de todo el territorio, incluso del extranjero. Algunos de estos fancines fueron D-Color Mag creado por JAST en Alcorcón y Caution de FLOOD y WON.

    Historia-Graffiti-Madrid-Fanzines
    Fanzines

    Comienzan a llegar los fanzines en alta calidad y en color, que permite obtener imágenes de diferentes lugares y de otras referencias culturales. Además los escritores asisten a encuentros, festivales y se intercambian bocetos y fotografías, por lo que el avance en cuanto a técnico y estilos es muy notorio en esos años.

    Los años dorados del hip-hop graffiti de Madrid.

    Podemos definir los años 1992-1993 como los dorados del hip-hop graffiti en Madrid, con una exposición mayor en medios de comunicación y sus primeras inclusiones en el circuito comercial de galerías de arte, algo que no gusta a todos por igual, creándose dos ramas bien diferenciadas.

    Por un lado, la que seguía manteniendo el carácter ilegal, clandestino y tradicional del graffiti y otro que se adapta a lo que demanda al mercado, haciendo un graffiti más comercial y “vendible”. Este hecho replica a lo que sucedió en Nueva York, cuando los escritores de graffiti más importantes colaboran con galerías, viajan por todo el mundo, renunciando a su esencia por buscar un medio de ganarse la vida. Las referencias de Keith Haring, Basquiat, Futura 2000, Lee o Lady Pink, estaban presentes para muchos de estos chavales, pero el resultado en Madrid no fue el mismo y sólo unos pocos, muy pocos, consiguieron adaptarse a este tipo de graffiti a demanda.

    Subway art en Madrid.

    En esa época dorada le unimos el auge del graffiti en los trenes, donde incluso se observa una lucha de grupos por controlar y pintar las distintas líneas de metro de Madrid. Las más afectadas fueron la línea 1, 5, 6 y 10, destacando las líneas 5 y 10 porque tenían partes que circulaban en exterior, lo que aumentaba la visibilidad y recordaba a lo que se veía en los trenes de Nueva York.

    Para conseguir pintar en el metro y luego en los trenes, era necesaria una extensa labor de investigación (tal y como se explicaba en el libro Getting up de Craig Castleman). Había que entrar a las cocheras, analizar cuáles eran las paradas menos vigiladas, etc. para ello se saltaban vallas, se entraba por túneles o se hacía metidos en el mismo tren que llevara hasta el final de línea.

    De nuevo, al igual que se veía en las películas, libros y documentales que venían de Estados Unidos, una parte fundamental era la documentación del proceso y el hecho de poder fotografiar tu pieza circulando se convertía en un hito destacado que resaltaba sobre los demás.

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    Whole Car en Madrid

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    Tren completo de Metro Madrid

    A mediados de los 90 tras este auge se produce un descenso en el movimiento del graffiti hip-hop madrileño, provocado principalmente por unas políticas restrictivas cada vez mayores en el metro y porque algunos de los escritores iniciales deciden apartarse del graffiti.

    Del Metro a la red de Cercanías.

    El movimiento del subway art se traslada hacia la red de trenes de cercanías, la RENFE, quedando el metro como uno de los lugares más difíciles para pintar, lo que aumentaba el reto y la dificultad para algunos escritores.

    Así que toca recomponer la escena, algo que se consigue a mitad de la década, entorno al 94, cuando aparece una nueva escuela madrileña, a lo que sumamos la aparición del spray específico para graffiti con la llegada de Montana Colors, pero eso es otra historia…

    Al igual que sucede en Estados Unidos o en Europa el graffiti en Madrid sigue vigente y muy activo, pero esos años dorados de su primera expansión y desarrollo ya han pasado. Se sigue pintando ilegal, pero los lugares están más vigilados y son muchos los que traspasan la frontera y se pasan sólo al terreno legal, pintando murales o haciendo arte urbano.

    Hasta aquí este viaje por la historia del graffiti en Madrid, conociendo fechas, figuras claves, estilos y algunas de las técnicas empleadas. Seguro que no están todos, pero si son todos los que están, nos puedes dejar en comentarios lo que te ha parecido y si quieres hacer alguna aportación, será más que bienvenida.

    Libros y webs de consulta:

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  • 5 PELÍCULAS de GRAFFITI y Documentales que debes VER

    5 PELÍCULAS de GRAFFITI y Documentales que debes VER

    Os recomendamos 5 películas de graffiti que os harán conocer y entender mejor la cultura del hip-hop y, en concreto, la del graffiti. 

    Hablaremos de películas míticas y pioneras como Wild Style o Style Wars, hasta la primera (y humilde) producción española que sirvió para acercar el graffiti a la población.

    Las clásicas películas de graffiti.

    • Wild Style.

    Película estadounidense estrenado en 1983. Tiene una duración aproximada de 90 minutos y está dirigida por Charlie Ahearn.

    Es una acercamiento muy intenso y profundo a la cultura del Hip Hop a través de la historia de ZORO (interpretado por el legendario grafitero Lee Quiñones), uno de los escritores más activos de Nueva York. Es muy positivo ver cómo se están produciendo dos posturas diferentes en torno al graffiti, los que siguen pintando trenes, de noche y de manera ilegal, y los que empiezan a recibir encargos, pagados y legales.

    ¿Lo más interesante? Es el planteamiento de un nuevo paradigma en el que las galerías, museos, prensa y sociedad empieza a interesarse por esta cultura y lo que conlleva.

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    Wild-Style-graffiti-pelicula

    • Style Wars.

    Es un documental realizado en Estados Unidos en 1983. Tiene una duración de aproximadamente 70 min. El director es Henry Chalfant.

    Nos habla de los cuatro elementos del Hip Hop (breakdance, dj, graffiti, rap), en la ciudad que lo vio nacer, Nueva York. Aunque se centra especialmente en el graffiti y nos muestra las amistades/enemistades que surgen entre los graffiteros, su visión, la opinión de sus familias, y de los afectados por sus pintadas en el metro(era el soporte favorito), desde los responsables del transporte metro de la ciudad hasta de los propios usuarios.

    Utiliza la voz en off pero principalmente son los propios protagonistas (especialmente graffiteros) los que se expresen por sí mismos.

    Se nos plantean dos cuestiones MUY interesantes:

    • ¿Es justo/está permitido/es lícito que se estropee el mobiliario urbano, que en realidad forma parte de todos los ciudadanos?
    • En un momento en que Basquiat empieza a salir del anonimato y empiezan a realizarse las primeras exposiciones, ¿Cómo se puede exponer en privado lo que se había pensado como obra pública?

    Aquí os dejo con estas preguntas para que penséis y debatan sobre ellas… Espero vuestras repuestas.

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    Style_Wars

    Películas sobre la cultura del graffiti.

    • Infamy.

    Película realizada en Estados Unidos en 2005 y que dura 90 min. El Director es Doug Pray.

    Nos habla y profundiza sobre la cultura del graffiti narrado a través de las experiencias de escritores como: Sever, Miss 17, Enem, Jase, Saber, Toomer, etc…

    La característica que tienen en común todos ellos es que su pasión por el graffiti es mayor que la repercusión negativa que pueda tener este en su vida y la de su familia. En el lado opuesto tenemos a Joe  Connolly (“The Graffiti Guerrilla”), obsesionado con la limpieza y eliminación de graffitis.que persigue las pintadas y firmas de su barrio, y su ocupación es borrarlas en cuanto las localiza.

    ¿Por qué creo que debéis verla? Porque me parece muy objetiva no pretende ensuciar o dignificar la imagen del grafiti simplemente te lleva al punto de origen y te permite entender mejor todo su funcionamiento.

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    Infamy

    • Bomb it.

    Documental estadounidense estrenado en 2007 que dura aproximadamente una 90 minutos y su director es Jon Reiss.

    ¿Queréis un documental para entender el graffiti desde sus orígenes (cavernas) a la actualidad y, lo más interesante, a nivel global? Este es perfecto.

    Nos muestra como el graffiti se ha ido adaptando a la cultura y la sociedad en la que iba surgiendo, por ejemplo: en América Latina se fue adaptando a la tradición muralista, en Japón se fusiona con el anime y en Brasil crean un tipo de letra característica llamada pixaçao.

    ¿Lo mejor? Cuenta con los testimonios de gente tan importante en la historia del graff como Taki 183, Cornbread, Stay High 149, Os Gemeos, Shepard Fairey, o Faith 47.

    Nada pesado, bien documentado y contextualizado es en nuestra opinión unos de los primeros documentales que hay que ver sobre grafiti.

    Bomb-It-Película-Graffiti
    Bomb-It

    La primera película de graffiti en España.

    Y si queréis conocer cuál es nuestra última recomendación, tendréis que ver el vídeo en nuestro canal de Youtube para descubrirlo…

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  • ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    Suso33 es uno de los pioneros del arte urbano en España, por pasar de las clásicas letras del graffiti a la iconografía con la creación de su famosa plasta. Un artista revolucionario, inconformista y que ahora explora el videoarte, la performance y el light painting. Un verdadero genio.

    Os presentamos a Suso33, nacido en Madrid en 1973 y que lleva más de 30 años de carrera artística por todo el mundo.

    Los primeros pasos de Suso33.

    Suso33 se inicia muy temprano en el mundo del graffiti, con sólo 11 años comienza a dibujar líneas continuas sin levantar el trazo. El artista es zurdo, pero en su infancia le obligaron, por temas educativos-religiosos, a escribir con la derecha, lo que le ha permitido evolucionar a ser ambidiestro y puede pintar con las dos manos de forma sincronizada (y con el mismo nivel de detalle), hecho casi único en el mundo del street art.

    (más…)