MODE2 es uno de los grandes escritores de graffiti de Europa y uno de sus pioneros en su expansión.
Su transición desde las letras hasta sus famosos personajes, sobre todo figuras femeninas, le permite abordar temas complejos como la globalización y reflexionar sobre el mundo con una mirada crítica.
Su técnica implica observar los gestos y movimientos de las personas para reflejar su energía en sus obras de una forma muy personal.
Los inicios de MODE2.
MODE2 nació en Mauricio, una isla del océano Índico, en 1967 y se mudó a Reino Unido en julio de 1976 junto a su familia.
Su infancia la pasa en las calles de Lewisham, al sureste de Londres, donde estuvo influenciando por el despegue de diversas culturas musicales como el punk o el reggae.
Desde pequeño fue un apasionado de dibujar y le encantaban los comics, la ciencia ficción y la literatura fantástica.
A los 13 años, movido por su pasión por el juego Dungeons and Dragons, comenzó junto a su hermano a pintar figuritas de plomo, algo por lo que llegó a cobrar dinero de una tienda en Peckham.
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Talento en estado puro.
Tenía un talento natural para la pintura. En 1982, con 15 años, obtuvo el tercer premio en un concurso nacional de pintura de figurillas de plomo y un año después ganó el 1er premio.
Su llegada al graffiti fue de forma casual y, como tantos otros, a través de la TV, en concreto a finales del 83 al ver un vídeo de Malcolm McLaren, donde aparecía Dondi pintando y el vídeo de la inolvidable ‘Hey You’, de Rocksteady Crew.
Eso le hizo interesarse más por esa nueva cultura e ir abandonando sus juegos de infancia.
Todas esas influencias musicales, de radio, televisión y de la propia calle comenzaron a influir en lo que pintaba un joven MODE2.
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En el verano de 1984, tras sus exámenes escolares, comenzó a frecuentar Covent Garden, el centro de la escena hip hop de Londres. Un sitio que había descubierto un año antes paseando con su madre y su hermano menor.
Su talento con el dibujo, surgido de forma autodidacta, comenzó pronto a despuntar y comenzó a usar rotulador y el spray. Pintaba todo lo que podía, desde pancartas para el centro de arte a personalizar pantalones, chandals o chaquetas de componentes de la escena del hip-hop, ya fueran breakers o MCs.
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Su primer tag y la evolución a MODE2.
Ahí le surgió su primer apodo, porque todos sabían de su talento para dibujar y lo comenzaron a llamar “artista”, “artista en inglés”, por lo que su primer tag fue “R-Tizz” (RTizz)
Muy pronto, con la ayuda de un escritor llamado Scribla comenzó a pintar graffiti y a crear personajes. Se unió la experiencia de Scribla en retratos y caricaturas y la capacidad imaginativa de MODE2 para proyectar con su mano personajes de su cabeza.
Esos primeros escritores británicos, ante la ausencia de documentación de imágenes para inspirarse, fantaseaban sobre cómo sería el estilo de Nueva York. Todo eso cambió a mediados de 1984 cuando llegó el libro Subway Art a sus manos.
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Luego, junto a su socio Scribla y Zaki Dee, Eskimo y Xerox formaron los Trailblazers. Antesala de su mítica crew The Chrome Angels, que surgió en la primavera de 1985.
Inicialmente, el grupo estaba formado por cinco miembros, cada uno con su apodo y estilo únicos: Zaki Dee, Mode 2, Scribla, Eskimo y Bando, de París. A medida que The Chrome Angelz comenzó a ganar reconocimiento, miembros adicionales se unieron al equipo, incluidos Pride, Robbo y Shok-1.
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Ese verano de 1984 iniciándose en el graffiti cambiaría su vida. Comenzó a practicar más y más con el spray para mejorar su estilo, mientras que al mismo tiempo llenaba libretas de letras y caracteres. Había nacido MODE2.
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Los pioneros de Europa.
En esos momentos la pintura en aerosol era la mejor herramienta que tenían porque no estaba en contacto con la superficie, por lo que podía moverse muy rápido y cubrir superficies grandes dependiendo del tamaño de las boquillas que tenían.
Poco después, busco unos días libres y, gastando el dinero ahorrado en sus primeros trabajos por encargo, se fue a París y allí, junto a BANDO, formó parte de ese pequeño grupo de grafiteros europeos de primera generación que sentaron las bases que otros seguirían.
Allí trabajaron juntos para mejorar su estilo, pero reconoce haber tenido la suerte de haber estado en el lugar correcto en el momento correcto, rodeado de muchas personas inspiradoras.
En esos momentos ser un creador o innovador mejoraba tu estatus en el graffiti, inspirando a otros para seguir creciendo y evolucionando a través del estilo.
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MODE 2 comenzó a viajar y pintar en otros países hasta mudarse a París en la primavera de 1987.
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Spraycan Art.
Allí, en el famoso terreno de Stalingrado, las piezas de MODE2 comenzaron a tener relevancia internacional, tanto es así que a finales de 1987, uno de sus personajes apareció en la portada del libro Spraycan Art de James Prigoff y Henry Chalfant.
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Curiosamente, ese personaje lo había hecho dos años antes, en septiembre de 1985 y fue elegido porque era el que mejor representaba el contenido del libro para un público más amplio, al tiempo que subrayaba la influencia global que tenía la cultura del graffiti.
En los años siguientes, MODE 2 perfeccionaría su técnica pictórica, utilizando trazos traslúcidos para definir rápidamente una forma y dar una sensación de movimiento a sus personajes, a menudo bailarines, mujeres y parejas eróticamente entrelazadas.
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Su pasión por la música le llevó a representarlos bailando, para expresar la alegría que compensa algunos de los otros problemas de injusticia social. Además, sus piezas y obras son fáciles de reconocer por el uso de colores típicamente cálidos como el naranja, rojo y marrón claro.
MODE2 y la figura femenina.
Le gusta destacar que está obsesionado con la figura femenina, que surgen de su imaginación, de sus fotografías o de las que ve por la calle, en el transporte público o en las galerías comerciales.
Sin embargo, no tiene ninguna fijación con ningún tipo o forma de cuerpo, tratando de dibujar curvas más naturales, al mismo tiempo que intentar impulsar un tipo racial indeterminado para que sea el espectador quién la identifique.
Esa ausencia de clichés clásicos femeninos le lleva a recordar su adolescencia cuando se enamoraba de las chicas menos atractivas para el resto del grupo. Sus personajes femeninos venían más de su experiencia en la literatura fantástica y ciencia ficción.
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En 1997, MODE2 comenzó a desarrollar intolerancia a los gases del spray, así que debía buscar otros medios para expresarse y no centrarse sólo en el spray.
Así, a través del escritor DELTA de Amsterdam comenzó a trabajar con pinturas pastel. El uso de estas barras de colores le abrió un nuevo abanico de posibilidades y un virtuoso de las mismas, teniendo una gran colección de cuadros y obras creadas únicamente con pastel o mezclada con acrílico.
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MODE2 en galerías.
En los siguientes años, MODE2 comenzó a recibir llamadas de todo el mundo para realizar trabajos, muchos en interior, otros en exterior. Su estilo era muy reconocible y, aunque no es amante de las exposiciones, ya sea en individuales o colectivas, aun así ha hecho algunas, pero siempre con sus reglas.
En las exposiciones en galerías hace todo el trabajo in situ, de forma parecida a lo que hace Futura. Ese método de pintar con poca antelación le obliga a ir a lo esencial y le impide caer en el letargo pictórico al que puede obligarte la atmósfera del estudio, algo que no tuvo hasta 2011.
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En sus trabajos de calle siempre le han gustado especialmente los muros bajos y largos, manteniendo el componente de accesibilidad para el público.
MODE2 es bastante crítico con el mundo del arte, incluso del arte urbano y del muralismo, sobre todo con aquellos que estando fuera del hip-hop o del graffiti intentar sacar rendimiento de ellos.
Por eso ha decidido seguir su camino decidiendo dónde y cuándo mostrar su obra.
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NEKST destacó por su estilo intrépido y su capacidad de planificación en cada pieza, convirtiéndose en uno de los reyes de cualquier ciudad que pisaba.
Desde Houston hasta Nueva York, pasando por Nueva Orleans, Detroit, Los Ángeles o Miami.
Los inicios de NEKST.
Sean Griffin, más conocido como Nekst, nació en Houston, Texas, donde se labró una fama como uno de los escritores de graffiti más importantes, primero de su ciudad y luego de todo Estados Unidos.
Comenzó a firmar en 1996 firmando inicialmente como NEXT con X, algo que cambió tiempo después para convertirse en NEKST.
Poco se sabe de la vida personal de un escritor que siempre trabajó en la ilegalidad, con la planificación como bandera en cada actuación y con la policía siguiendo muchos de sus pasos.
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Leyenda en su ciudad.
En Houston, su ciudad, se convirtió en leyenda, de esas que todo el mundo dentro del graffiti saben quién es, pero que para otros es un nombre que no paran de ver sin saber su significado.
Un escritor al que otros admiraban por ser incansable y tener siempre los mejores lugares con su firma.
Para cada una de sus piezas, la elección de la estructura, los colores, el tamaño y la ubicación siempre fue meticulosamente planificada, legible y en zonas de alto tránsito.
Intentaba que la pieza fuera lo más grande posible y siempre legible, para los del graffiti y para los ciudadanos, en un intento de hacerles sentir que debían comenzar a pintar, a ser tan visible como él.
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Nekst pintó su nombre con rodillo en vallas publicitarias, paredes y torres de agua. Pintaba con spray en señales, trenes y pasos elevados. Era muy destacada su capacidad para crear sus piezas en los terrenos más desafiantes y los trenes se convirtieron en su particular sitio de trabajo.
Sus piezas en los trenes, pintadas hace más de una década se siguen viendo por Houston y alrededores.
Era un escritor sin miedo, del que decían que no se limitaría a subirse a un cartel publicitario y dejar su firma, sino que lo cubriría por completo.
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Block letters y gran formato.
Y no siempre escribió en el formato que le hizo famoso: sus Block Letters, enormes letras cuadradas visibles desde lejos que no te hacen dudar del nombre del escritor que hizo esa pieza.
Fue un especialista en combinar el negro y el plata, pero NEKST era mucho más que eso. NEKST exploró el Wildstyle, el bombardeo de tags e incluso el throw-up, pero realmente lo que le gustaba era hacerse ver. Podemos decir que NEKST tenía obsesión por la escala y la visibilidad.
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Tal fue el impacto de NEKST en la ciudad que fue elegido el «mejor escritor de graffiti» en 2003 por Houston Press, incluso le sugirieron que se mudara para escapar de la implacable presión policial.
Además viajó a Europa en algunas ocasiones, dejando piezas en lugares míticos como un submarino en Amsterdam.
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NEKST fue un escritor nómada, viviendo y pintando en cada una de las regiones de los Estados Unidos durante más de 20 años, siendo importante para cada ciudad en la vivió.
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NEKST y los MSK.
De hecho, formó parte del famoso crew de los MSK, o Mad Society Kings, donde compartió espacio con algunos de los mejores y más notorios artistas de graffiti del mundo como Revok, Vayne, Haeler o SEVER, algunos de los cuales participaron en el hospital bombardeado de graffiti en Miami que ya te contamos en el canal.
Y no sólo estuvo con los MSK, sino que también formó parte de los DTS, los cuales siguen recordando su figura. Te dejo el Instagram de ambos grupos en la descripción.
Pero NEKST no solo dejó su marca en los muros de la ciudad.
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Durante una detención en una prisión de Dallas, dedicó seis meses a crear retratos de sus compañeros de celda utilizando solo lápiz y papel, demostrando que su talento trascendía las barreras.
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Fallecimiento y legado.
Desafortunadamente, NEKST falleció en diciembre de 2012 en circunstancias desconocidas o al menos que no han dejado trascender, dejando atrás un legado como legendario escritor de graffiti, que incluso tuvo referencias en la prensa local.
Y los homenajes no han parado de sucederse, siendo el más destacado el que le hicieron sus compañeros de MSK, donde pintaron piezas tributos por todo Detroit, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad.
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A tal punto llegó su importancia que en Nueva York, en el número 190 de la calle Bowery permanece una pieza mítica de NEKST, que ha sido rehabilitada en numerosas ocasiones por otros escritores. Un ejemplo perfecto de la visibilidad que conseguía NEKST con sus piezas.
Su nombre no ha quedado en el olvido, hasta tal punto que en Houston se siguen viendo piezas con la firma de NEKST, recordándonos que su espíritu sigue vivo en las calles que alguna vez dominó.
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Dondi también conocido como «The Style Master General» fue una auténtica leyenda del graffiti de Nueva York.
Dondi es el escritor que sale en la portada del famoso libro «Subway Art»
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Tuvo una increíble habilidad para combinar letras y colores de manera única y armoniosa, convirtiendo sus piezas en una combinación perfecta de fluidez, equilibrio y creatividad, lo que le valió un lugar privilegiado en la historia del graffiti.
Los inicios de DONDI.
Donald Joseph White, más conocido como alias DONDI WHITE, nació en 1961 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, en una familia de italianos y afroamericanos, siendo el más pequeño de 5 hermanos.
Empezó a hacer graffitis en 1975 con tan sólo 14 años, en medio de una intensa batalla racial y bandas callejeras, algo que no le fue ajeno, uniéndose a algunas de ellas para protegerse.
Surgido de la misma generación que otros míticos escritores de graffiti como SEEN o LEE , ya desde muy pronto destaca por su excelente trabajo previo. Planificaba sus piezas con gran detalle y precisión en cuadernos de dibujo, los conocidos como black books, antes de llegar a los trenes.
Al inicio de su etapa en el graffiti firmaba como NACO o DONDI, formando parte del crew de grafiti TOP (The Odd Partners, «Los Extraños Socios»).
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En ese momento, la intensa represión hacia el graffiti hacia que no fuera buena idea firmar con tu propio nombre. Sin embargo, en 1979 eso cambió. En un impulso artístico de afirmación de sí mismo, Dondi rompe por primera vez la ley del anonimato reinante en el mundo del grafiti y pinta una enorme pieza con su nombre sobre el tejado de su casa.
Para 1978 montó su propio crew, CIA (Crazy Inside Artists, «Artistas Locos por Dentro»), junto con los escritores Mare 139, Kid 56, Kel 139, Doc, Duro, Rasta y Crash.
Pionero en nuevos estilos.
Dondi fue un pionero en la exploración de nuevos estilos y técnicas en el graffiti. Su habilidad para crear letras enérgicas y tridimensionales, combinadas con una paleta de colores vibrantes, le permitió destacarse entre la multitud y dejar una marca indeleble en las calles de Nueva York.
Usando gamas de colores innovadoras, hace sus letras, así como el relleno, cada vez más complejos, concibiendo una obra dentro de la obra
DONDI podía pasar meses preparando una sola obra. Sus personajes simbólicos, generalmente reducidos a siluetas monocromas, semejantes a sombras planas o iconos, hacen referencia a los primeros pasos de STAY HIGH con su figura esquematizada de El Santo.
Su estilo es también destacable por la escasez de contornos, contrariamente al grafiti clásico. Él descarta el contorno negro clásico tan común para dejar que las letras floten.
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Aunque Dondi dominaba el wildstyle prefería el estilo de llamativas letras de imprenta que él mismo había desarrollado. Esto permitía que sus piezas en los trenes fueran legibles desde lejos y dio aún más impulso a su reputación.
En abril de 1980, una huelga de transporte tuvo cerrado el metro de Nueva York durante dos semanas, lo cual fue un extraordinario regalo para los escritores de grafiti, que pudieron pintar sin que los molestasen a cualquier hora del día.
Fue en ese momento cuando Dondi pintó su famosa pieza Children of the Grave, part II, donde integra a la vez sus letras, degradados de colores y personajes expresivos. La parte III de esta obra la pintó en su estudio.
Sin embargo, DONDI no sólo pintaba en los trenes de la ciudad de Nueva York, sino que su trabajo le comenzó a abrir puertas en el circuito artístico y comercial.
Dondi entra en el circuito comercial.
En 1981, cuando abrió la FUN Gallery en el East Side de Nueva York contaron con artistas emergentes de la época como Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, o Futura.
Poco después, Dondi pinta el título de la película Wild Style en un metro, logo que inspirará el cartel de la mítica película. En 1984 aparece en el documental Style Wars junto a SEEN y en el libro Subway Art, donde es portada en muchas de sus ediciones.
Además de su destreza artística, Dondi era conocido por su incansable dedicación al graffiti. Su compromiso y su búsqueda constante de perfeccionar su estilo lo llevaron a explorar nuevas técnicas y a trabajar en una amplia gama de superficies, desde vagones de tren hasta paredes de edificios.
Su deseo de superar los límites del graffiti tradicional lo convirtió en un referente para futuras generaciones de escritores.
Su influencia se extendió más allá de las calles y llegó a exposiciones de arte, galerías y museos, donde sus obras fueron exhibidas y celebradas como expresiones legítimas de la cultura urbana.
A lo largo de su carrera, Dondi dejó su huella en innumerables ciudades de todo el mundo. Y viajó extensamente llevando su obra a lugares tan diversos como Europa, Japón y Australia.
Los últimos años de Dondi.
Dondi supo reinventarse en los años intensos de la lucha contra el graffiti. Por ejemplo, en 1980 apoyado, por el coleccionista Sam Esses con el Esses Studio project, se decantó por el trabajo en estudio cuando la MTA de Nueva York (Metropolitan Transportation Authority) borró sus trenes.
Con un fuerte dominio del aerosol, le gustaba incluir en sus realizaciones efectos diversos como los degradados. Trabaja todos sus elementos y colores y los superpone hasta obtener una cierta forma de abstracción.
Sin embargo, su impacto continúa resonando en la comunidad del graffiti y su estilo sigue siendo una fuente de inspiración para muchos escritores de graffiti y artistas urbanos contemporáneos.
Su capacidad para combinar letras y colores de manera magistral y su incansable búsqueda de la perfección lo convirtieron en una figura icónica en la historia del graffiti.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Dondi, un escritor de graffiti visionario y audaz cuyo estilo único y vanguardista lo catapultó a la fama en todo el mundo.
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En el mundo del graffiti, hay nombres que resuenan más fuerte que otros. Lee Quiñones, también conocido como «LEE», es uno de los grafiteros más influyentes de la historia del graffiti en Nueva York y en todo el mundo.
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Actualmente, Lee es una figura importante tanto en el mundo del arte contemporáneo como en los círculos de la cultura popular, produciendo un trabajo que está lleno de contenido sociopolítico provocativo. Esta es su historia.
Los inicios de LEE.
George Lee Quiñones, nació en Ponce, Puerto Rico en 1960. Lee se mudó con su familia al Lower East Side de Nueva York a los 3 años de edad y comenzó a pintar graffiti en las calles de la ciudad a los 12 años junto con su primo, PHASE 2.
Lee se convirtió en una de las fuerzas más influyentes en la escena del graffiti de la Gran Manzana durante la década de 1970, donde en los siguientes años pintaría más de 100 vagones de metro completos, en todo el sistema metropolitano de transporte de Nueva York. Fue conocido por ser el primero en ir más allá de la simple escritura en mayúsculas de sus predecesores gracias a la vinculación de las letras de su tag entre sí.
Sin embargo, su impacto trasciende las fronteras de Nueva York y se ha convertido en una leyenda en todo el mundo.
Cuando Lee eligió su nombre para los trenes, decidió no asignarle números ni elementos ornamentales como halos o coronas, tal y como se hacía en la época.
La importancia de un tag simple: LEE.
Escribió su tag para que fuera legible, de modo que tanto otros escritores como el público en general pudieran reconocer su trabajo dentro de un número interminable de firmas en movimiento que había en esa época.
Eligió su segundo nombre, LEE, no solo porque era corto e interconectado, lo que resultaba en firmas súper rápidas, sino para crear una apariencia propia que actuara más como una firma al final de algo más grande.
Evolución de la firma de Lee
Además, como nos enseña en su propia web, Lee ha seguido evolucionando su firma, teniendo hasta 6 versiones diferentes, donde el trazo y la técnica han ido dejando una firma muy estética.
Sin embargo, para esas piezas en los trenes y las paredes, sus letras tuvieron que cambiar de forma. De firmas rápidas y temblorosas pasaron a elementos imponentes.
Al final, firmar con su nombre no sólo le permitió decir “yo estuve aquí” ante gente que no valoraba ni consideraba su existencia, sino que Lee existía fuera de sus propias obras maestras.
El estilo de LEE.
Poco a poco, con su habilidad y estilo únicos, Lee comenzó a ganar reconocimiento y respeto en la escena del graffiti en Nueva York, primero porque seguía las huellas de sus predecesores y también porque respetaba el código fijado por la old school, los pioneros del graffiti.
Quiñones solía agregar mensajes poéticos en sus piezas, como «El graffiti es arte y si el arte es un delito, por favor, Dios, perdóname».
Lee destacó por el uso de letras con una técnica única de sombreado y dimensiones que llamó la atención de muchos. Su trabajo apareció en numerosas exposiciones de arte y galerías y fue uno de los primeros artistas de graffiti en ser contratado por una marca importante para crear una campaña publicitaria.
Los Fabulous 5.
Durante la década de 1970, Lee se convirtió en un miembro importante de la crew de graffiti «Fabulous 5«, donde conoció a Fab 5 Freddy, quien lo llevó al centro de Nueva York y le presentó a galeristas, músicos y artistas plásticos.
The Fabulous 5 destacó por su estilo de graffiti innovador, que combinaba técnicas de letras y personajes para crear piezas únicas y llamativas. Además, la crew a menudo trabajaba en conjunto para crear grandes murales, lo que se convirtió en una característica distintiva de su trabajo.
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A finales de 1975 Lee pintó su primer tren largo, alrededor de 13 metros y meses después, en noviembre de 1976, pintó una de sus obras maestras: diez vagones completos, donde Lee fue el principal escritor en uno de los primeros trenes que circuló en Nueva York, junto con DOC, MONO y SLAVE, los miembros principales del equipo de The Fabulous Five, que también incluía a DIRTY SLUG.
La crew también fue conocida por su papel en la popularización del graffiti en la cultura popular. Varios de sus miembros, incluido Lee, aparecieron en el documental de 1983 «Style Wars», que ayudó a exponer el graffiti a una audiencia más amplia y popular.
Lee en los medios de comunicación.
Lee también aparece en el video «Rapture» de Blondie y en la película «Downtown 81» sobre Jean Michel Basquiat.
Además Lee pintó el famoso anfiteatro que sale en la película “Wild Style”, donde el propio Lee y Lady Pink tuvieron el papel de protagonistas de la mítica película de graffiti, momento en el que eran pareja tanto en la vida real como en la película. Wild Style sirvió como modelo para los movimientos emergentes de hip hop, graffiti y street art y para dar visibilidad a la exposición en galerías y el futuro del movimiento.
En 1978, Lee pasa la mayor parte de las noches al pie del puente de Brooklyn, transformándolo en una galería de arte a cielo abierto, llegando a comentar “Mi idea era crear arte sin referencias a la historia del arte tradicional, porque mi obra también era una página de esta historia y la estaba escribiendo”.
El trabajo de Lee se caracteriza por la representación de personajes como extraterrestres, robots y animales fantásticos, así como por la creación de paisajes urbanos imaginativos y coloridos. Se inspira en la vida cotidiana y en la cultura popular. Y Su paleta de colores evoca a menudo a la naturaleza colores como el ocre tierra, azul, celeste- y el conjunto es en general más neutro que el usado por otros escritores.
Su pintura es el cruce de la cultura hip hop y el rock punk, donde suele incluir sus famosos mensajes o alegorías. De hecho, la aparición de numerosos figuras humanas en su obra hace recordar a la tradición de los muralistas de México y América del Sur.
Lee llega a las galerías.
Además del graffiti, Lee también trabajó en proyectos de arte público, creando murales en edificios y espacios públicos en todo el mundo.
A finales de 1979 el marchante de arte italiano Claudio Bruni adquirió varias piezas de lienzo de Lee, lo que generó su primera exposición en la Galería Medusa de Roma con tan solo 19 años. Para la gente de fuera de Nueva York, era su primera incursión con el graffiti.
Un año después Lee tuvo su primera exhibición en Nueva York en White Columns, marcando el comienzo de una era importante cuando la pintura en aerosol hizo la transición de objetos en movimiento a lienzos estacionarios.
Su obra fue incluida en la crítica “Times Square Show” (1980); “Éxito del Arte del Graffiti para América en Fashion Moda” (1980); el show “New York/New Wave” (1981) en PS1; y, en “Documenta #7” en Kassel, Alemania (1983).
Sin embargo, Lee continuó trabajando en su arte y eventualmente regresó al mundo del graffiti y del arte público.
Exhibiciones de Lee por todo el mundo.
Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.
Además, Lee ha tenido exposiciones individuales en MoMA PS1, Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Fun Gallery, Barbara Gladstone, Galerie Rudolf Zwirner, Lisson Gallery, Barbara Farber y Nicole Klagsbrun, entre otros.
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Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.
Hoy en día, Lee, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, es considerado una leyenda del graffiti y ha influido en la próxima generación de artistas de graffiti en todo el mundo.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Lee que por su creatividad, técnica y estilo y su intenso trabajo en el metro de Nueva York ha dejado una huella duradera en la historia del graffiti y el arte urbano.
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Seen es una de las leyendas del graffiti de Nueva York de los 70s y 80s.
Su intensa actividad en los trenes, con numerosos top to bottom, su aparición en el documental Style Wars o en el libro “Subway Art” hizo que fuera uno de los más escritores más famosos de la época junto a LEE, Lady Pink, Zephyr o Dondi.
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Sin embargo, Seen no fue uno de los pioneros del género como Julio 204, Cornbread o Taki183, sino más bien uno de los impulsores de la enorme popularización del graffiti a nivel mundial con numerosas exposiciones y piezas que llegan hasta el día de hoy. Esta es su historia.
Los inicios de SEEN.
Nacido en 1961 en el barrio del Bronx de Nueva York, Richard Mirando, alias SEEN, es conocido como el padrino del graffiti (Godfather of Graffiti).
Fue uno de los escritores más precoces y utiliza su primer bote de spray con 9 años en el garaje de su tío, justo detrás del depósito de trenes de Lexington Avenue de la línea 6.
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Tan sólo 2 años después pinta su primer tren, tenía sólo 11 años, lo que corrobora el componente adolescente del graffiti de firma de Nueva York en esa época.
Su aparición constante en el metro de Nueva York llega en 1973 con 12 años, momento en el que elige su tag de Seen, llegando a pintarlo en todas las líneas de metro, sobre todo en la 2, la 5 y la 6.
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El líder de una generación.
En esos años pinta sin descanso y se aficiona a los top to bottom, trenes pintados de arriba a abajo, por lo que logra rápidamente una gran popularidad gracias a su destreza, pero también al tamaño de sus impresionantes obras.
Además comienza a ganar reconocimiento por haber inventado e impulsado un gran número de estilos, sentando las bases fundamentales e inspirando a generaciones enteras.
Su nombre y sus piezas son transportados por toda la ciudad en los trenes que cada día toman cientos de miles de personas. Su estilo único, su creatividad y su tenacidad lo establecen como uno de los líderes del movimiento del grafiti neoyorquino de la década de 1980.
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En 1982, el documental Style Wars de Tony Silver y Henry Chalfant lo convierte en un icono del movimiento en el resto del mundo. Aparece en múltiples documentales y películas sobre grafiti y en libros clásicos como Subway Art.
La crew United Artists (UA).
Hay que resaltar que Seen pertenece a la crew «United Artists» (UA), fundada en el Bronx en 1979.
Este grupo se ganó la reputación de ser uno de los más osados y sorprendentes, al crear piezas de graffiti en vagones completos de los trenes del metro y otros espacios públicos de la ciudad. En esta crew de Seen figuraban otros grandes artistas callejeros como Duster, Pjay, Mad, Sin, QUIK y SHARP.
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A lo largo de los años, la UA se expandió y atrajo a otros artistas talentosos, convirtiéndose en una de las crews de graffiti más grandes y respetadas de Nueva York.
Además de su impresionante trabajo en trenes y edificios públicos, la UA también organizó exposiciones de arte y eventos de graffiti, y fue fundamental en la creación de la reconocida exhibición de graffiti «Beyond Words» en 1984.
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Primeras exposiciones de graffiti.
Esta exposición fue una muestra histórica que tuvo lugar en la Tony Shafrazi Gallery de Nueva York con gran variedad de obras de arte urbano, desde simples grafitis hasta grandes murales.
Fue una de las primeras veces que el graffiti se presentó en una galería de arte de renombre. Este evento atrajo mucha atención de los medios de comunicación y del público en general, lo que ayudó a aumentar la conciencia y la aceptación del graffiti como forma de arte.
La muestra presentó obras de algunos de los grafiteros más importantes y conocidos de la época, incluyendo a Seen, Futura 2000, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat o Dondi.
Haring, Warhol y Basquiat
Además de presentar obras de algunos de los escritores y artistas más influyentes de la época, «Beyond Words» también contó con una serie de eventos en vivo, que incluyeron demostraciones de graffiti y talleres para jóvenes artistas urbanos.
Estos eventos ayudaron a aumentar la conciencia y el respeto por el graffiti como forma de arte legítima y a la creación de nuevas obras de arte urbano.
El estilo de Seen.
A menudo apodado el hombre que inventó el graffiti moderno, SEEN se enorgullece de tener un nombre fácilmente reconocible, mientras que su estilo está en constante evolución.
En esa época pintaba con colores brillantes y sus obras son el reflejo de los años 80, con fuertes contrastes y grandes zonas sólidas y con una realización perfecta. Además, SEEN se expresa con el espray con una facilidad sorprendente.
Su tag resulta de lo más adecuado puesto que representa uno de los grandes objetivos del graffiti: ser visto.
A medida que su fama crecía, SEEN comenzó a expandirse y pintar sus grafitis en edificios y otros lugares prominentes de la ciudad, lo que lo convirtió en uno de los primeros grafiteros en llevar su trabajo más allá del sistema de tránsito de Nueva York.
Seen y la historia del cartel de Hollywood.
En 1983, SEEN viajó a Los Ángeles para pintar en la pared lateral del famoso club de música Hollywood Palladium. SEEN pintó un mural espectacular que presentaba una serie de letras en negrita y un personaje llamado «Hand of Doom», que se convirtió en una de sus marcas registradas.
La obra era tan llamativa que llamó la atención de la ciudad y de la industria del entretenimiento, y pronto se convirtió en uno de los murales de graffiti más famosos y reconocidos en todo el mundo.
Desafortunadamente, en la década de 1990, el mural de SEEN fue cubierto con pintura blanca después de que el Hollywood Palladium fuera vendido a un nuevo propietario. Sin embargo, en 2019, el mural fue restaurado y se volvió a pintar en su ubicación original. La restauración fue posible gracias a un esfuerzo colaborativo entre el dueño actual del Hollywood Palladium, Live Nation, y el artista de graffiti y coleccionista Roger Gastman.
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Otro hecho importante en la carrera de SEEN fue cuando en verano de 1985, SEEN pintó su nombre con unas enormes letras de imprenta en el cartel de Hollywood, Los Ángeles. Algo que tuvo una gran repercusión en Estados Unidos por su atrevimiento.
Galerías y tatuajes.
Seen comenzó a trabajar sobre lienzo en la década de 1980 y ahora sus obras son exhibidas en galerías y comprados por museos y coleccionistas privados de todo el mundo. Por ejemplo galerías de Tokio, Londres o Madrid.
Si bien los trabajos de Seen eran muy cotizados y tenían muy buena reputación en Europa, siguió haciendo graffitis en el metro de Nueva York hasta 1989.
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Después de 16 años de pintar trenes, comenzó a sentir que el graffiti estaba perdiendo fuerza, por lo que abrió la popular sala de tatuajes: Tattoo Seen en Nueva York, que se convirtió en uno de los estudios de tatuajes más famosos en poco tiempo.
El estilo de Seen en la actualidad.
A lo largo de su carrera, SEEN ha creado obras de arte impresionantes en una variedad de superficies, desde paredes y trenes hasta camisetas y discos de vinilo.
Su estilo característico, que a menudo presenta letras y personajes altamente estilizados y detallados, ha sido una inspiración para muchos otros artistas de graffiti y ha influenciado en la cultura hip hop en general.
Entre sus trabajos más recientes de la actualidad hay que mencionar el uso de efectos 3D en esculturas, un área en el que Seen no hace más que aplicar todos sus conocimientos y habilidades de diseño para construir increíbles formas y figuras.
En la actualidad, SEEN no solo es conocido por su arte en sí mismo, sino también por su papel como mentor y defensor de los jóvenes artistas de graffiti. Ha enseñado y guiado a muchos grafiteros jóvenes a lo largo de los años, y ha luchado por la legitimidad y el reconocimiento del graffiti como forma de arte.
Seen es uno de los grandes personajes del arte del graffiti neoyorquino que ha pasado a la historia y ha sabido ganarse un lugar en el mercado del arte.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Seen que con su intenso trabajo en el metro de Nueva York fue una inspiración para todas las generaciones posteriores y que además supo transicionar de las firmas y piezas de graffiti al mundo del arte dejando su obra en exposiciones y galerías de todo el mundo.
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Lo primero es aclarar que el street art no es graffiti, porque ni responde a los mismos objetivos, ni está dirigido a las mismas personas, ni sigue las mismas reglas.
Hablaremos de los tipos más conocidos como la plantilla, el póster, la pegatina o el muralismo, pero también os contaré sobre otros menos conocidos como las miniaturas o las gigantografías.
Stencil-plantilla
Esta técnica consiste en reproducir mediante plantilla y spray (a veces con pintura y pincel) un diseño previamente realizado. Es una de las más populares y rápidas dentro del street art.
Sus máximos referentes son el francés Blek le Rat y Banksy, quizás el artista urbano más famoso del mundo.
El origen de las plantillas en el street art lo encontramos a principios de los 80s con la primera figura humana de Blek le Rat en París. Su popularidad creció durante toda la década. Posteriormente, otros artistas como Jef Aerosol, Nemo o Miss Tic se dedicaron a las plantillas.
Blek_le_rat,_Leake_Street,_Waterloo,_London
Ya en los 90s, comienzos del 2000, llegaría su expansión global y popularidad de la mano de Banksy y sus plantillas con mensaje social y político.
Banksy es el artista más atrevido, temerario y pionero en la realización de intervenciones realmente impensables. Ha llegado a pintar en los lugares donde nadie antes lo había logrado o incluso imaginado.
Una técnica al alcance de todos, donde la maestría en la idea, diseño y ejecución marcan la diferencia.
Sticker-pegatina
Una de las técnicas más populares y reconocibles por todos son las pegatinas o stickers. Punto de intercambio y visibles en todas las ciudades del mundo.
Es una manera fácil, sencilla y divertida de decir aquello de “yo estoy allí” del graffiti, pero en versión arte urbano.
Su origen lo encontramos en EEUU con los grandes precursores REVS y COST. Éstos inspiraron a OBEY, que llevo el concepto pegatina de André el Gigante al siguiente nivel.
Suelen acumularse en determinados puntos: señales, esquinas, tiendas de graffiti, puertas de contadores, etc. y así obtienes visibilidad al estar con otros.
El mundo de las pegatinas está auge porque es puro arte urbano de hazlo tú mismo (DIY). Incluso hay canales de Youtube dedicados a los intercambios de stickers. Por ejemplo, el canal de SIVE con sus famosas Sticker Submissions.
Sticker
Paste-up-Papel empastado (engrudo)
Es una de las técnicas más complejas del street art, ya que requiere un intenso trabajo previo de diseño, de conseguir los materiales y del acabado final.
Habitualmente se utiliza papel y una mezcla de engrudo o pegamento para conseguir fijarlo a la pared o soporte.
En esta técnica destaca un nombre sobre todos, la artista SWOON, que lleva a otro nivel el paste-up, con figuras de tamaño real, todas cortadas a mano.
Swoon
En España, es muy popular el artista italiano TV Boy que mezcla personajes reales con situaciones actuales del día a día.
Póster
Otra de las técnicas más significativas del “Do It Yourself” (hazlo tú mismo), con una impresora, papel y cola es suficiente. Hablar del poster es hacerlo de nuevo de REVS y COST.
Su influencia en Obey fue clave, porque llevó el poster al gran formato, aplicando técnicas publicitarias.
El Póster y el paste-up están muy ligados y en ocasiones se confunden el uno con el otro por su similitud en el modus operandi.
Revs-Cost
Sin embargo, que sea fácil de hacer no lo hace tan sencillo:
Pegar un póster, una única vez en la calle no te convierte en artista urbano.
Goot
Pixel Art
Lo diferente de esta técnica es que el mosaico no teme los daños causados por la intemperie ni el paso del tiempo. Las obras se pegan con cemento en los muros de la ciudad en los sitios más insospechados y difíciles de alcanzar.
Además, habitualmente, conservan el brillo de sus colores y su deterioro es mucho menor que el de un graffiti, un poster o una pegatina.
El máximo exponente del pixel art es el artista francés Invader.
Invader, como buen artista urbano, documenta minuciosamente cada etapa del proceso de creación. Además todas las piezas son indexadas y fotografiadas por su autor. Incluso llega a elaborar mapas de cada ciudad y que atribuye puntos a cada usuario por encontrarlo.
JR
Gigantografía
Esta técnica se basa en colocar fotografías de gran tamaño en muros y edificios. En la mayoría de los casos son fotos tomadas por el propio artista, que luego reproduce en el formato deseado.
El artista más famoso es el francés JR que ha colocado sus fotos de gran tamaño en los lugares más insospechados. Por ejemplo, en Face 2 Face donde colocó sus fotografías gigantes sobre el muro que separa Israel y Palestina.
Su trabajo es una mezcla entre el arte y la ley, y sus mensajes hablan de la identidad y la libertad.
En España destacó el trabajo hecho por Alberto de Pedro, que utiliza rostros de niños, ancianos, o incluso parejas. Esto llama la atención de los viandantes al sentirse observados por estos gigantes. No respeta las proporciones naturales de la gente para conseguir un mayor impacto en el receptor de su obra.
Gigantografía de Alberto de Pedro
Figuras en miniatura
Uno de las tipos más curiosos es el uso de figuras de miniatura colocados en espacios públicos para llamar la atención del espectador.
Destacan artistas como Slinkachu, que crea miniaturas aprovechando elementos que la gente tira en la calle como basura. Por otro lado el mejicano Pablo Delgado, realiza impresiones fotográficas que luego coloca en la calle. Aunque sólo unos pocos perciben su obra, debido a que está escondida en el espacio urbano.
Slinkachu
También destacamos al artista belga Jaune, que tiene un mundo en miniatura, con la supuesta vida secreta de los servicios técnicos y empleados municipales. Sus creaciones son hechas con spray y plantilla en muchas ocasiones, aunque también explora otras técnicas para crear sus miniaturas.
Pasando de la miniatura al tamaño real encontramos a Mark Jenkins, que coloca figuras humanas en diferentes situaciones.
Recrea a personas a tamaño natural con cuerpos de maniquís o con papel film. Así genera «muñecos» de personas con un gran realismo.
Mark Jenkins
Muros tallados
Es una técnica que combina varias y con un máximo y casi único exponente: el artista portugués, Vhils.
Suele utilizar fotografías reales tomadas por él mismo, que posteriormente digitaliza por capas. Utiliza las fotos a modo de plantilla y jugando con la profundidad genera imágenes «esculpidas» sobre los muros.
Vhils_in_2017_in_Beja
Vhils busca explorar y exponer la naturaleza efímera de las cosas. Sin embargo, lo que lo hace importante en la historia del street art es el desarrollo de una técnica propia.
Vhils consigue que la destrucción se convierta en una forma de creación.
Muralismo – Arte Mural
Es sin duda la técnica más conocida y en la que mucha gente piensa cuando se habla de street art o arte urbano. De hecho, en muchas ocasiones parece que no hay más allá del mural.
Sin embargo, hay muchas y diversas técnicas que hacen que el espectador se sienta parte del juego.
El mural en gran formato, extendido por todas las ciudades del mundo y con muchos festivales consolidados. Tiene su origen en el muralismo mejicano de Diego Rivera y Siqueiros, pero cambiando ubicaciones, temática y, sobre todo, los materiales.
Diego-Rivera-MuralMuralismo mexicano
Esos primeros murales eran sociales, reivindicativos y políticos y se exponían sobre todo en el interior de edificios.
El muralismo actual explora todos los límites posibles. Hablamos de edificios infinitos pintados, grandes fachadas pintadas a varias manos. Y las temáticas exploran todos los campos, incluso el abstracto. Y no sólo se usa el spray, sino que combina rodillo, pincel o plantillas.
Además, pese a que en el muralismo tiene una gran fuerza el realismo, hay muchos artistas que han encontrado su propio estilo, siendo capaces de ser reconocidos en todo el mundo.
Inti
Conclusión sobre los tipos de street art y arte urbano.
Hasta aquí este viaje por tipos de street art y arte urbano. Seguro que no están todos, pero si son todos los que están. Nos puedes dejar en comentarios lo que te ha parecido y si quieres hacer alguna aportación, será más que bienvenida.
Murales-Lian
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Podemos decir que el graffiti ha existido siempre. Desde hace miles de años, el ser humano siempre ha tenido la necesidad de escribir en las paredes, en lugares inaccesibles, ha querido hacerse ver, expresar esa idea de que yo estuve aquí.
Desde los antiguos romanos a personajes de la edad media, pasando por Napoleón o Lord Byron, incluyendo a los participantes en la II guerra mundial o los más famosos escritores de graffiti del metro de Nueva York.
El graffiti en la historia: de Pompeya al Reichstag aleman.
Inicialmente, el graffiti fue encontrado como simples inscripciones en las paredes, siendo el primer sitio datado en Pompeya, en el siglo I., donde tras quedar la ciudad enterrada bajo la lava del volcán Vesubio, se han encontrado nombres, declaraciones, frases, dibujos, en definitiva grafitos o grafitis en la pared pero eso sí, en casi todos los casos, con el nombre del autor escrito cerca.
Primeros grafitis en Pompeya
De aquí avanzamos al graffiti en la edad media, sin obviar que estuviera presente en los siglos previos, pero en el medievo encontramos numerosas inscripciones, en lo que según los expertos fue el graffiti medieval, fuente de estudio para muchos historiadores y arqueólogos.
Posteriormente, la importancia del graffiti la encontramos en los denominados viajeros románticos del siglo 18 y 19, con nombres como el poeta inglés Lord Byron a la cabeza, que cada vez que llegaban a un sitio dejaban su nombre para recordar que ellos estuvieron allí.
Firma de Lord Byron
Kyselak, el pionero del graffiti.
Pero si hay un nombre que destaca sobre todos en esta época es el del funcionario austríaco Josef Kyselak, aventurero, montañero y escritor que durante sus viajes por el imperio austro-húngaro en el siglo 19 tomó por norma dejar su apellido en tantos edificios, rocas y lugares como pudiera.
A tal nivel llegó su notoriedad que cuenta la leyenda que el propio emperador Francisco I de Austria lo llamó a palacio para que dejara de hacerlo, cosa que prometió, sin embargo al marchar el emperador se dio cuenta que Kyselak, considerado por muchos como el pionero del graffiti contemporáneo, había dejado su nombre sobre el mismo escritorio donde estaban hablando.
Kyselak
Los hobos.
También es importante destacar a los hobos o personas sin hogar que viajaban en Estados Unidos entorno a los años 30 y 40 buscando trabajo y un sitio donde quedarse.
Los hobos desarrollaron un lenguaje pictográfico propio basado en graffitis para indicar mediante signos y símbolos que ciudades o trabajos eran los más adecuados. Y como pasaría años después, ese código tan sólo sería entendido por ellos, los que estaban dentro de su cultura del graffiti.
Símbolos de los Hobos
Kilroy was here.
Luego llegarían los primeros años del siglo XX, con las diferentes guerras, lo que generó una gran actividad en el denominado graffiti militar, que durante la II Guerra Mundial tuvo varios hechos importantes. Por ejemplo, todos los nombres en forma de graffitis que los rusos dejaron en el Reichstag alemán o el súper famoso “Kilroy was here” de los estadounidenses en referencia a que su ejército pasó por allí y que se convirtió en una emblema del país.
Rusos firmando en el Reichstag alemán
Kilroy-was-Here
Hecha esta pequeña parte introductoria viajamos ahora a los Estados Unidos de 1960 donde en Philadelphia y Nueva York surgió el denominado graffiti moderno, que englobó una etapa inicial de firmas o graffiti writting que evolucionó luego al conocido como graffiti hip-hop, que fue exportado, junto al hip-hop, como la gran revolución cultural del siglo XX por todo el mundo. Esta es su historia.
Inicio del graffiti writing o graffiti de firma.
Graffiti en Philadelphia.
Nos situamos primero en Philadelphia, donde Darryl McCray, más conocido comoCornbread inicia, sin saberlo, el graffiti de firma. Era un adolescente de instituto, donde junto con sus amigos se dedican a firmar las paredes, primero del instituto, luego del barrio y finalmente de toda la ciudad como un juego.
Un juego de niños con rotuladores, y luego con spray, que les permitía adquirir notoriedad en una ciudad donde no eran nadie (hasta ese momento).
Otros nombres que destacan en esa primera escena de Philadelphia son Kool Earl o Top Cat.
Graffiti en Nueva York.
Y aparece el graffiti en Nueva York, no se sabe seguro si simultáneamente o bien motivo del intercambio de información y trenes que se producía entre las dos ciudades, pero apenas transcurrieron meses desde que escritores como Top Cat 126 fueran de Philaldelphia a Nueva York y trasladaran el movimiento.
Sin embargo, el primer nombre que surge en la época de NY es el famoso Julio 204, del que también te hemos hablado en nuestro canal de Youtube, y que unió su nombre al número de la calle donde vivía para marcar mejor su territorio, algo que, tras conocerlo, emuló a la perfección el primer gran nombre del graffiti de firma de Nueva York: Taki 183, un joven griego, que fue el primer escritor de graffiti famoso más allá de su barrio, en la zona de Washington Heights, cerca de Harlem.
Dos años después, Taki, por su extenso volumen de firmas realizadas fue portada del periódico New York Times.
Era el año 1971 y muchos niños y adolescentes vieron en Taki un referente para comenzar a pintar su nombre, más bien su firma, su tag, hacer eso por toda la ciudad. Comenzó lo que se llamó el “getting up”, principalmente el levantarse todos los días para hacerse ver.
Perfil del escritor o grafitero.
En esos primeros años de aparición del graffiti el perfil del grafitero o escritor de graffiti era el de un adolescente de unos 14-15 años, de barrios alejados, con familias de poco poder adquisitivo y en la mayoría de los casos de raza negra, inmigrantes o latinos. Buscaban llamar la atención y nunca imaginaron ni la fama ni la repercusión que muchos de ellos alcanzaron.
Los materiales con los que pintan eran en su mayoría robados, primero rotuladores y luego de igual forma con los sprays.
Otro nombre destacado de la época de inicio del graffiti fue Stay High 149, que fue el pionero en el uso de dos colores superpuestos (para el fondo y por encima), así como del uso del halo o la estrella en su firma. Stay High 149 supuso un cambio estilístico que arrastró a muchos escritores a modificar su firma, hasta el momento demasiado planas y simples.
Al inicio de los 70s encontramos a LEE 163 que cambia su firma, por un logo, en lo que se considera una pieza completa. A él le siguen nombres que luego serían importantes como Phase 2, SCOOTER, TRACY 168 o el antes mencionado STAY HIGH 149.
Interior-Graffiti-Metro-Nueva-York
Graffiti en el metro de Nueva York.
El objetivo comienza a cambiar, ya no es sólo poner tu firma o nombre, sino invadir toda la ciudad, los trenes se convierten en objetivo, puesto que otorgan mayor visibilidad que los muros o paredes, al estar movimiento y ser visibles desde muchos más sitios y por mucha más gente.
Se incrementan exponencialmente el número de participantes en la escena del graffiti de Nueva York, todavía sin demasiadas reglas y en plena búsqueda de elementos distintivos. Cientos de adolescentes de todos los barrios se dedican al graffiti y a pintar trenes.
Además comienzan a aparecer mujeres en la escena, como Bárbara 62 y Eva 62, pero sobre todo Lady Pink, de la que tenéis un vídeo en el canal.
Los primeros reyes de línea.
En esos primeros años ya encontramos los primeros reyes de línea, esos escritores que eran más activos en esas líneas de metro y se forman las primeras crews como los VANDALS, que fueron muy importante en la época, pero sobre todo se inicia algo que cambiaría la historia del graffiti: comienza la guerra de estilos.
Aquí destacamos a Phase 2, que hace que cada letra tome cuerpo, importancia y dimensión. El tag se modifica y se incluyen flechas, símbolos y otros colores, en definitiva nace el estilo de bubble letters, antesala del 3D, se instala en las piezas de los trenes. Posteriormente, llegarán las curvas, flechas y torsiones propias del Wild Style, donde el 3D ya toma un papel importante en el graffiti.
Las letras dejan de ser legibles y, en algunos casos, se convierte en un juego entre los escritores, para que descifren quién hizo qué.
Phase-2-Graffiti
En esta primera etapa del graffiti de principios de los 70 ya surge una terminología propia del graffiti, donde dentro de la cultura se habla de block letters, throw ups, blockbuster, etc. Muchos de estos términos surgen en los denominados Writers Corners, puntos de encuentro de escritores, donde intercambiar información, bocetos, hablar sobre trenes, planificación, nuevas técnicas, etc.
Comienza la persecución.
Como decíamos anteriormente, el graffiti consiguió que niños de diferentes razas y barrios se reunieran a compartir experiencias y a pintar trenes juntos, pero no tardaron en llegar las peleas, la lucha de grupos, las palizas a los toys o novatos, los robos de pintura y se comenzaría a pisar las piezas de otros. El graffiti tenía sus propios códigos y había que seguirlos.
En 1972 se comienzan a añadir dibujos a las piezas y Super Kool 223 es el primero en cambiar las boquillas de los botes de spray y usa algunas más anchas (fat caps) para obtener un chorro de pintura más grueso y diferenciarse de los demás.
Ese mismo año el alcalde de Nueva York, John Lindsay, le declara la guerra al graffiti por 1ª vez gastando más de 1,5 millones de dólares sin demasiado éxito en la limpieza de firmas y trenes. Un año después en 1973 casi todos los vagones del metro estaban firmados.
Entre 1970 y 1980 la compañía metropolitana de transportes de Nueva York, la MTA gastó cerca de 150 millones de dólares para limpiar graffitis, incluida una nueva máquina de limpieza de alta presión e instaló cámaras de seguridad, que acompañó de más personal y perros.
Voluntarios limpiando graffitis en NY
Hip-Hop Graffiti.
El hip-hop, nacido a principios de los 70s, y sustentado en 4 prácticas: rap, break dance, música de DJ y graffiti, permitió visibilizar aún más la práctica del graffiti y exportarlo como un movimiento completo por todo el mundo, lo que se denominó “Hip-Hop Graffiti”y que tuvieron su auge con la emisión de películas como Beat Street, Wild Style o Style Wars.
Uno de los grandes artífices de esta difusión fue Fab Five Freddy, que junto con LEE y otros formaron los Fabulous 5.
Sin embargo, los esfuerzos de la MTA por borrar graffitis comienzan a dar sus frutos y cada vez es más difícil pintar en el metro, por lo que vuelven a los muros. Esto unido al creciente interés de galerías y coleccionistas de contar con graffitis en sus espacios, les hace replantearse los sitios donde pintar, aunque se sigue haciéndolo, pero con más planificación.
Uno de los que más destacaba en la preparación de sus piezas era DONDI, famoso por sus grandes letras en los trenes, lo que lo hacía visible desde cualquier punto de la línea. En 1980 una huelga de trenes en Nueva York, provocó que durante dos semanas los escritores pudieran pintar libremente, lo que generó una gran cantidad de piezas importantes en ese año.
Trenes de Nueva York firmados
Primeros-graffitis-trenes-nueva-york
Graffiti en las galerías (y en los trenes).
En ese inicio de la década de los 70 el graffiti, al igual que era perseguido, comenzaba a despuntar en popularidad en medios y círculos artísticos. Así Hugo Martínez funda la UGA (United Graffiti Artist) para montar exposiciones de graffiti en galerías con el objetivo de comercializar y vender graffitis en lienzos.
El escritor COCO144 asumió la presidencia y se cuenta con varios de los mejores escritores de la época como PHASE 2, STAY HIGH, POINT 1, BAMA o CAT 87.
Hugo Martínez
El New York Magazine convoca un concurso de graffitis y el periodista Richard Goldstein se erige en un gran defensor del movimiento con artículos sobre varios escritores y defendiendo a esos niños de 14-15 años como auténticos artistas.
En 1975, se considera a PHASE 2 el rey del estilo y los reyes de la ciudad, por su intensa actividad pintando trenes, son TRACY168, CLIFF159 y KILL3. Se sigue innovando en el estilo y se terminan de definir los códigos internos propios del graffiti.
En estos años de intensa actividad pintando trenes destacan nombres como BLADE, DONDI, SEEN, LADY PINK, FUTURA o LEE.
La Fun Gallery.
Un sitio de referencia para el graffiti en exposiciones y galerías fue la Fun Gallery, fundada por la estrella de cine Patti Astor, un lugar que unía el arte tradicional con el graffiti del Bronx y Brooklin. Escritores como ZEPHYR, FUTURA, A-ONE, LEE o LADY PINK exponen aquí.
Y la importancia del graffiti no se limita sólo a galerías de NY, porque se viaja también a Roma, París o Dusseldorf para exposiciones de graffiti en interior y con ello comienza, lentamente, la expansión internacional.
Además a estas galerías se unen otros artistas urbanos referentes de la época como Keith Haring o Jean Michel Basquiat, que influenciados por el graffiti que invade las calles de Nueva York, evolucionan su obra y llegan a exponer con tan sólo 20 años.
Entre 1980 y 1989 los escritores LAME, DAZE, SEEN, CRASH o FUTURA son las estrellas de casi 200 exposiciones por todo el mundo.
Expo de graffiti
El papel clave de fotografía y fanzines.
La fotografía también es clave en la expansión del graffiti y aquí destacan dos nombres, Henry Chalfant y Martha Cooper, que consiguen obtener imágenes únicas e históricas, así como información directa de los escritores, que reflejaron posteriormente en la denominada biblia del graffiti: el libro “Subway Art”.
El inicio de los 80 marca una época dura para el graffiti, con fuertes campañas publicitarias antigraffiti, lo que provoca que los escritores busquen nuevas técnicas más difíciles de borrar. Aun así de 1984 a 1989 se considera de intensa represión, se limpia más, se incrementa la seguridad y las multas que se ponen obligan a varios a abandonar.
En 1989 la MTA anuncia su victoria contra el graffiti, pero esto está lejos de ser así.
Los fanzines, creados con numerosas fotos y testimonios, se convierten en una herramienta fundamental de difusión y más aún en momentos de tan intensa represión en Nueva York. Y no se limitan sólo a la ciudad, sino que estos documentos viajan por todo el mundo.
Libros de graffiti
Expansión del graffiti.
En esta situación de presión, el graffiti comienza a moverse y algunas de sus figuras más importantes, como SEEN y BLADE se trasladan a la costa oeste, San Francisco y, sobre todo, Los Ángeles, donde ya existía una corriente de graffiti, alejada de la neoyorquina y más cercana a las bandas y otra que se inspiraba en el muralismo chicano.
Para hacerse notar en la ciudad, en el verano de 1985, SEEN pintó su tag, con unas enormes letras de imprenta, sobre el famoso cartel de Hollywood situado en Los Ángeles.
Seen firmando en «Holywood»
En 1981, el graffiti comienza a aparecer en París de la mano de BANDO, que tiene familia en Estados Unidos y queda fascinado por el graffiti en Nueva York. Un año después, el escritor MODE 2, que ya pintaba en tierras inglesas con 14 años se marcha a París, conoce a Bando y juntos comienzan a crear un fuerte movimiento.
MODE 2 crea sus famosos personajes y BANDO, se dedica especialmente a las letras, donde es un virtuoso. A ellos se les suma el neerlandés SHOE, considerándose a los 3 como fundadores del movimiento europeo.
Intercambio entre EEUU y Europa
Los años 1983-1984 marcan un periodo de fuerte intercambio entre Europa y EEUU con numerosos jóvenes europeos que viajan a Nueva York y descubren el graffiti, asimismo escritores reconocidos como JONONE lleva a otros europeos a conocer la escena de Nueva York y luego estos devuelven la visita en París.
Además, las exposiciones de graffiti comienzan a sucederse en Roma, París, Berlín o Amsterdam, lo que provoca una amplificación del movimiento, a lo que unimos la proyección en estas ciudades de las películas de referencia como Style Wars, Wild Style o Beat Street.
Comenzaba la exportación global del hip-hop y por consiguiente del Graffiti.
Hall-of-Fame-Stalingrad-Graffiti-Paris
Graffiti en París.
El Hall of Fame de Stalingrad en el norte de París, comienza a ser cada vez más conocido y aparece en los medios de comunicación, convirtiéndose en referencia de la cultura hip-hop del país. Esto se hace aún más visible, porque el fotógrafo Henry Chalfant es invitado por BANDO para documentar toda la escena europea, algo que hizo en el libro “Spray Can art”.
El auge del graffiti en París llega en torno a 1985-1986, lo que provoca un aumento en la presión en contra y se aplican los mismos métodos que en NY con nuevos sistemas de limpieza, más seguridad, presión en los medios de comunicación o multas muy fuertes.
Al mismo tiempo, el graffiti comienza a extenderse por las principales ciudades europeas: Londres, Amsterdam, Berlín, Madrid, Barcelona o Estocolmo.
Pero no sólo el graffiti se extiende por Europa, sino que en Brasil o México tiene sus propias escenas de graffiti, con identidad local, pero que también se ven influenciadas, rápidamente, por la exportación del hip-hop graffiti proveniente de Estados Unidos.
Arte urbano y graffiti.
Y con el graffiti casi globalizado, el arte urbano comienza a adquirir importancia, primero con las plantillas y luego con todas sus técnicas, compitiendo con el graffiti por el espacio urbano, por hacerse ver, pero eso, es otra historia.
Hasta aquí este viaje por la historia del graffiti, conociendo fechas, figuras claves, estilos y como ha estado siempre presente sin importar la época. Seguro que no están todos, pero si son todos los que están, nos puedes dejar en comentarios lo que te ha parecido y si quieres hacer alguna aportación, será más que bienvenida.
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Madrid, la capital de España, vio nacer a principios de los 80 el movimiento del graffiti, con la gran peculiaridad de tener 3 estilos diferentes de graffiti (de firma, hip hop y subway art) que convivieron durante varios años, emulando en gran parte los pasos y fases del mítico graffiti de Nueva York. Esta es la historia del graffiti de Madrid.
Graffiti autóctono (flechero) de Madrid
El denominado graffiti autóctono, graffiti flechero o writing graffiti al estilo Madrid apareció a principios de los 80s, sin una clara referencia directa al graffiti de firma que invadió Nueva York en esa época.
La primera inspiración de este tipo de graffiti en Madrid la encontramos en Ámsterdam, Holanda, donde ya en 1979 la cultura punk del país, que recibía información directa por su influencia musical de EEUU, encontró en el graffiti una forma de escribir sus nombres de banda y eslóganes, en definitiva, una forma perfecta de hacerse ver en muchos lugares de forma rápida.
Es importante recordar que en el Madrid de los 80 surgió la llamada Movida Madrileña, donde jóvenes del ámbito cultural, con mucha influencia de la música punk, pop y rock, se convirtieron en sus máximos exponentes… y los grupos de punk (y del metal y el rock) comenzaron a escribir sus nombres en las calles (incluso en el interior del metro). Y algunos chavales vieron la oportunidad de emular ese comportamiento y comenzaron a escribir sus nombres por la ciudad, primero por su barrio y luego por toda la ciudad.
Algunas firmas famosas de Madrid
Primera ola del graffiti autóctono
La primera ola del graffiti autóctono la situamos a mediados de los años 80 y nos lleva a los distritos de la Latina, Carabanchel y Fuencarral y Tetuán en el norte de la ciudad. Pronto comenzaría a expandirse por la red de metro, así en el distrito centro de la capital comenzaron a aparecer firmas. Se veían desde Arganzuela a Retiro, pasando por Argüelles, el barrio de Salamanca o Chamberí.
La expansión pasa de los barrios a las calles, con la carretera M-30 y la línea 6 de Metro, que recorrían Madrid de forma circular, como ejes perfectos para los primeros escritores de graffiti. Incluso los que tenían su propio medio de transporte podían llegar más lejos y poner la firma en más sitios.
Inicialmente estos primeros escritores firmaban sólo con rotuladores y era un puro acto de bombardeo, de poner su firma en cuántos más sitios mejor, ahí no había ni piezas, ni deseo de hacer murales, ni nada parecido a una guerra de estilos.
Es más, no había ninguna relación alguna con el graffiti Hip-Hop que llegaría unos años después y podemos decir que casi ni se consideraban grafiteros o escritores de graffiti, sino un grupo de jóvenes a los que les gustaba pintar. No buscaban reconocimiento ni pretendían eliminar su anonimato, lo que les otorgaba más libertad.
Figuras destacadas en el graffiti flechero de Madrid.
De esta primera expansión del graffiti de firma en Madrid destacan 5 nombres sobre el resto: Muelle, Bleck (la rata), Josesa Punk, Glub y Jojass Punk, aunque fueron muchos los que se adentraron en este mundo y de los que hablaremos más adelante.
La figura principal fue Muelle, un joven madrileño, nacido en 1965 en el barrio de Campamento, a las afueras de la capital y que a principios de los años 80 creó con su firma el llamado graffiti autóctono madrileño o flechero, por la utilización de la flecha como forma estilística destacada de las firmas. Una revolución social al mismo nivel que consiguió Taki 183 en Nueva York.
El otro gran nombre fue Bleck (la rata), que tomó su nombre del famoso artista urbano Bleck le Rat, del que había oído hablar de su actividad en Francia. Su presencia por toda la ciudad y su carisma le permitió a Bleck ser el único en poder competir con Muelle en cuanto a popularidad. Sin embargo, eso no quitó que en cuanto se conocieron se hicieran muy amigos y compartieran muchos momentos juntos.
Luego comenzaron a aparecer más nombres, incluso hubo quien puedo escribir su nombre en lugares más alejados, como Juan Manuel, que lo conseguía gracias a tener coche y ser mayor que el resto.
Esta firma flechera era como un logotipo, la idea era que fuera casi siempre igual, pese a que con los años, cada escritor fue evolucionando un poco su firma, incluyendo diferentes tipos de flecha, incluso la R que popularizó Muelle.
Convivencia del graffiti flechero y el hip-hop graffiti.
A mediados de los 80s comienza a llegar el graffiti Hip-Hop a Madrid y los flecheros se ven obligados a evolucionar, primero por una nueva competencia y luego por el auge del movimiento hip-hop en los barrios, así que comienzan a aparecer los brillos, colores, las sombras o el aspecto tridimensional para asemejarse al nuevo estilo de graffiti.
El graffiti comienza a aparecer en la prensa nacional, tanto en formato prensa en papel como radios y TV. Y en 1990 se emite “Mi firma en las paredes”, documental sobre el movimiento del graffiti flechero y la figura de Muelle en Madrid.
Como era de prever el primero que inició está revolución fue Muelle, que comenzó a usar rellenos, nuevos grosores y brillos, creando una versión más madura y consolidada de su firma. Además, pese a que la pieza ponía su nombre, le añadió el “by Muelle” para que se pudiera asociar este nuevo estilo con los anteriores.
Se cambia del rotulador al spray, aunque no todos los hicieron, por ejemplo Bleck se mantuvo firme con el rotulador y no empleaba casi el spray.
Firma de Muelle en calle Montera (Madrid)
Sobre 1985-1986 tenemos la llamada época híbrida, donde conviven ambos estilos, que no compiten, inicialmente, en el mismo terreno, pero que pronto comienzan a no entenderse con toda la facilidad que se presuponía, puesto que unos les quitaban sitios a otros. Era una competencia de estilos, donde los escritores del movimiento hip-hop menospreciaban en muchas ocasiones a los escritores flecheros.
Evolución de los escritores autóctonos.
Lo que sucedió es que algunos de los escritores autóctonos comienzan a pasarse al otro lado, algunos de manera directa, otros de forma híbrida, manteniendo ambas líneas y algunos lo dejan visto el nivel de competitividad que no les interesa.
Algunos escritores destacados que evolucionaron fueron Matakuras MK que pasó como escritor destacado al Subway Art y firmar como KOAS y luego como Hen, de los PTV. Otros casos fueron Jojass que pasó a ser Alien y Kus que firma como Remebe.
Matakuras MK
Hen de los PTV en el Metro
El problema para el movimiento autóctono es que mayoría de los que probaban el estilo hip-hop se quedaban en ese estilo y olvidaban el flechero. Así, para principios de los 90s el graffiti flechero decae, hasta casi su completa desaparición, aunque tuvo una pequeña reaparición a principios del año 2000.
Sin embargo, es importante destacar que los escritores autóctonos también fueron pioneros en el denominado Subway Art, o graffiti en el metro y trenes. Aquí destacaron nombres como Rafita, que fue uno de los más activos y que alardeaba de pasar más tiempo bajo tierra que pintando en superficie, aunque su firma, más elaborada y compleja que el resto, le hacía ser más lento, por lo que debía pasar más tiempo pintando.
Plano-Metro-Madrid-1982
Los flecheros no pintaban exterior de trenes, sino que firmaban en el interior de los vagones, en la publicidad y cartelería del interior; los que sí lo hacían eran los escritores híbridos, que manejaban el estilo flechero y el hip-hop y, por supuesto, los escritores de hip-hop graffiti, que fueron los máximos exponentes del pintado de trenes.
Además el modus operandi de cada grupo es diferente, mientras que los autóctonos suele pintar en solitario, los asociados al hip-hop lo hacen en parejas, grupos y con una gran preparación y coordinación.
Graffiti Hip-Hop de Madrid.
El inicio del graffiti Hip Hop en Madrid se data entorno a 1984-1985, influenciado directamente por la cultura de Estados Unidos y las corrientes europeas del movimiento, principalmente de Francia, donde había llegado el graffiti antes que a España.
El retraso en la llegada del graffiti Hip-Hop a Madrid lo encontramos por diversos factores: tecnológicos, técnicos, conocimiento del inglés para consumir recursos visuales y escritos, etc. La primera película proyectada en Madrid relacionada con la cultura hip-hop fue Break Dance en 1985, pero el verdadero auge llegó con la emisión de la mítica Style Wars en 1986.
Tras Style Wars llegó Wild-Style
Incluso el break dance o la música hip-hop llegó antes que el graffiti a la capital de España, ya que a través de la base militar de Torrejón de Ardoz se introdujo la música hip-hop.
Por otro lado, Barcelona juega un papel clave en la aparición del Hip-Hop graffiti en Madrid, ya que su carácter multicultural y como destino de vacaciones de muchos jóvenes europeos, hace que traigan sus influencias del graffiti.
Incluso, años después, se crea un vínculo directo entre Barcelona y Madrid, con la creación del colectivo ACME, compuesto por escritores de ambas ciudades.
Expansión del graffiti hip-hop de Madrid.
Su expansión por Madrid se produjo por toda la comunidad, desde Carabanchel a Vallecas y el sur y este de la zona metropolitana. En la zona de Campamento se ven piezas en 1985 y en la zona de Móstoles para 1986, incluso en ese año ya se comienzan a ver vagones de metro y de de la red de cercanías pintados, coincidiendo con la emisión de Style Wars en TV.
El primer writing corner o punto de encuentro de Madrid capital se sitúa en el mítico Instituto Ramiro de Maeztu, sede del Estudiantes de baloncesto, puesto que allí estudiaron varios de los escritores más importantes del momento. Otros lugares interesantes en la escena hip-hop fueron “el Retiro”, la plaza de Colón o Azca/Nuevos ministerios, que era lugar de quedada para los amantes del break dance.
Graffiti Hip Hop en el Ramiro de Maeztu
QSC en 1988
Los QSC.
Se puede considerar al grupo QSC (Quicksilver Crew) del barrio de Campamento como los principales promotores del Hip Hop Graffiti en Madrid. Pese a que muchos de sus miembros empezaron a pintar mucho antes, fue fundado en 1989 por Seone, que le da el nombre y Enry 538, que luego paso a ser KOOL, considerado una referencia para todos y un líder para el grupo.
Posteriormente entran en los QSC otros nombres destacados como: AGS, ARDI, CAME, CHEMA C, IVAN Q, MATA, SAC o SNOW. A los QSC se les atribuyen muchas de las acciones más importantes de la época, incluida la introducción de la guerra de estilos o del robo de botes para pintar como parte del proceso. Incluso fueron los primeros en colaborar con la escenografía de un programa de TV en España. Era 1991 y el programa Hablando se Entiende la Basca, de T5 con Jesús Vázquez de presentador.
En 1986 se ve la verdadera transición del graffiti de firma a piezas murales de gran formato. Se pasa del componente estático, la pared al movimiento dinámico que ofrece la red de metro y trenes.
Podríamos decir que, a diferencia del graffiti flechero, en el movimiento hip-hop había una línea común, ya que la mayoría escuchaban la misma música, vestían parecidos, les gustaba el rap o el hip-hop y su estilo de pintar era parecido, con una influencia visual directa del movimiento hip-hop de Nueva York.
Graffiti-Hablando-Se-Entiende-la-basca-T5-1991
Nuevas crews y llegan los fancines.
El Hip Hop graffiti se extiende por Móstoles, Alcorcón, Parla, Valdemoro, Torrejón de Ardoz o Coslada y aparecen nuevos grupos como los TCK, DMC o los TZA. Y los estilos comienzan a ser algo diferentes en cada lugar, porque sus integrantes están en aprendizaje continuo en base a libros, vídeos, documentales y fotos. Además el flujo de información sigue su curso, a lo que unimos el intercambio de información entre aquellos que viajan a Barcelona, Alemania, Francia o Bélgica.
En 1989 aparecen los primeros fanzines de graffiti españoles, compuestos por fotocopias en blanco y negro de piezas realizadas por escritores de todo el territorio, incluso del extranjero. Algunos de estos fancines fueron D-Color Mag creado por JAST en Alcorcón y Caution de FLOOD y WON.
Fanzines
Comienzan a llegar los fanzines en alta calidad y en color, que permite obtener imágenes de diferentes lugares y de otras referencias culturales. Además los escritores asisten a encuentros, festivales y se intercambian bocetos y fotografías, por lo que el avance en cuanto a técnico y estilos es muy notorio en esos años.
Los años dorados del hip-hop graffiti de Madrid.
Podemos definir los años 1992-1993 como los dorados del hip-hop graffiti en Madrid, con una exposición mayor en medios de comunicación y sus primeras inclusiones en el circuito comercial de galerías de arte, algo que no gusta a todos por igual, creándose dos ramas bien diferenciadas.
Por un lado, la que seguía manteniendo el carácter ilegal, clandestino y tradicional del graffiti y otro que se adapta a lo que demanda al mercado, haciendo un graffiti más comercial y “vendible”. Este hecho replica a lo que sucedió en Nueva York, cuando los escritores de graffiti más importantes colaboran con galerías, viajan por todo el mundo, renunciando a su esencia por buscar un medio de ganarse la vida. Las referencias de Keith Haring, Basquiat, Futura 2000, Lee o Lady Pink, estaban presentes para muchos de estos chavales, pero el resultado en Madrid no fue el mismo y sólo unos pocos, muy pocos, consiguieron adaptarse a este tipo de graffiti a demanda.
Subway art en Madrid.
En esa época dorada le unimos el auge del graffiti en los trenes, donde incluso se observa una lucha de grupos por controlar y pintar las distintas líneas de metro de Madrid. Las más afectadas fueron la línea 1, 5, 6 y 10, destacando las líneas 5 y 10 porque tenían partes que circulaban en exterior, lo que aumentaba la visibilidad y recordaba a lo que se veía en los trenes de Nueva York.
Para conseguir pintar en el metro y luego en los trenes, era necesaria una extensa labor de investigación (tal y como se explicaba en el libro Getting up de Craig Castleman). Había que entrar a las cocheras, analizar cuáles eran las paradas menos vigiladas, etc. para ello se saltaban vallas, se entraba por túneles o se hacía metidos en el mismo tren que llevara hasta el final de línea.
De nuevo, al igual que se veía en las películas, libros y documentales que venían de Estados Unidos, una parte fundamental era la documentación del proceso y el hecho de poder fotografiar tu pieza circulando se convertía en un hito destacado que resaltaba sobre los demás.
Whole Car en Madrid
Tren completo de Metro Madrid
A mediados de los 90 tras este auge se produce un descenso en el movimiento del graffiti hip-hop madrileño, provocado principalmente por unas políticas restrictivas cada vez mayores en el metro y porque algunos de los escritores iniciales deciden apartarse del graffiti.
Del Metro a la red de Cercanías.
El movimiento del subway art se traslada hacia la red de trenes de cercanías, la RENFE, quedando el metro como uno de los lugares más difíciles para pintar, lo que aumentaba el reto y la dificultad para algunos escritores.
Al igual que sucede en Estados Unidos o en Europa el graffiti en Madrid sigue vigente y muy activo, pero esos años dorados de su primera expansión y desarrollo ya han pasado. Se sigue pintando ilegal, pero los lugares están más vigilados y son muchos los que traspasan la frontera y se pasan sólo al terreno legal, pintando murales o haciendo arte urbano.
Hasta aquí este viaje por la historia del graffiti en Madrid, conociendo fechas, figuras claves, estilos y algunas de las técnicas empleadas. Seguro que no están todos, pero si son todos los que están, nos puedes dejar en comentarios lo que te ha parecido y si quieres hacer alguna aportación, será más que bienvenida.
Os recomendamos 5 películas de graffiti que os harán conocer y entender mejor la cultura del hip-hop y, en concreto, la del graffiti.
Hablaremos de películas míticas y pioneras como Wild Style o Style Wars, hasta la primera (y humilde) producción española que sirvió para acercar el graffiti a la población.
Las clásicas películas de graffiti.
Wild Style.
Película estadounidense estrenado en 1983. Tiene una duración aproximada de 90 minutos y está dirigida por Charlie Ahearn.
Es una acercamiento muy intenso y profundo a la cultura del Hip Hop a través de la historia de ZORO (interpretado por el legendario grafitero Lee Quiñones), uno de los escritores más activos de Nueva York. Es muy positivo ver cómo se están produciendo dos posturas diferentes en torno al graffiti, los que siguen pintando trenes, de noche y de manera ilegal, y los que empiezan a recibir encargos, pagados y legales.
¿Lo más interesante? Es el planteamiento de un nuevo paradigma en el que las galerías, museos, prensa y sociedad empieza a interesarse por esta cultura y lo que conlleva.
Wild-Style-graffiti-pelicula
Style Wars.
Es un documental realizado en Estados Unidos en 1983. Tiene una duración de aproximadamente 70 min. El director es Henry Chalfant.
Nos habla de los cuatro elementos del Hip Hop (breakdance, dj, graffiti, rap), en la ciudad que lo vio nacer, Nueva York. Aunque se centra especialmente en el graffiti y nos muestra las amistades/enemistades que surgen entre los graffiteros, su visión, la opinión de sus familias, y de los afectados por sus pintadas en el metro(era el soporte favorito), desde los responsables del transporte metro de la ciudad hasta de los propios usuarios.
Utiliza la voz en off pero principalmente son los propios protagonistas (especialmente graffiteros) los que se expresen por sí mismos.
Se nos plantean dos cuestiones MUY interesantes:
¿Es justo/está permitido/es lícito que se estropee el mobiliario urbano, que en realidad forma parte de todos los ciudadanos?
En un momento en que Basquiatempieza a salir del anonimato y empiezan a realizarse las primeras exposiciones, ¿Cómo se puede exponer en privado lo que se había pensado como obra pública?
Aquí os dejo con estas preguntas para que penséis y debatan sobre ellas… Espero vuestras repuestas.
Style_Wars
Películas sobre la cultura del graffiti.
Infamy.
Película realizada en Estados Unidos en 2005 y que dura 90 min. El Director es Doug Pray.
Nos habla y profundiza sobre la cultura del graffiti narrado a través de las experiencias de escritores como: Sever, Miss 17, Enem, Jase, Saber, Toomer, etc…
La característica que tienen en común todos ellos es que su pasión por el graffiti es mayor que la repercusión negativa que pueda tener este en su vida y la de su familia. En el lado opuesto tenemos a Joe Connolly (“The Graffiti Guerrilla”), obsesionado con la limpieza y eliminación de graffitis.que persigue las pintadas y firmas de su barrio, y su ocupación es borrarlas en cuanto las localiza.
¿Por qué creo que debéis verla? Porque me parece muy objetiva no pretende ensuciar o dignificar la imagen del grafiti simplemente te lleva al punto de origen y te permite entender mejor todo su funcionamiento.
Infamy
Bomb it.
Documental estadounidense estrenado en 2007 que dura aproximadamente una 90 minutos y su director es Jon Reiss.
¿Queréis un documental para entender el graffiti desde sus orígenes (cavernas) a la actualidad y, lo más interesante, a nivel global? Este es perfecto.
Nos muestra como el graffiti se ha ido adaptando a la cultura y la sociedad en la que iba surgiendo, por ejemplo: en América Latina se fue adaptando a la tradición muralista, en Japón se fusiona con el anime y en Brasil crean un tipo de letra característica llamada pixaçao.
¿Lo mejor? Cuenta con los testimonios de gente tan importante en la historia del graff como Taki 183, Cornbread, Stay High 149, Os Gemeos, Shepard Fairey, o Faith 47.
Nada pesado, bien documentado y contextualizado es en nuestra opinión unos de los primeros documentales que hay que ver sobre grafiti.
Bomb-It
La primera película de graffiti en España.
Y si queréis conocer cuál es nuestra última recomendación, tendréis que ver el vídeo en nuestro canal de Youtubepara descubrirlo…
¿Ya has mirado enDeGraffitis.com nuestra tienda de artículos de graffiti?
Os presentamos a Jean Michel Basquiat, uno de los artistas contemporáneos más importantes del siglo XX y que, sin estudios de arte y viviendo en la calle, hizo graffiti y luego arte urbano con el pseudónimo de SAMO. Esto le hizo ganarse una fama sin igual en los años 80 en Nueva York y luego en todo el mundo. Esta es su historia
No pienso en arte cuando estoy trabajando. Trato de pensar en la vida.
Infancia de Basquiat.
Jean Michel Basquiat nace en el año 1960 en Brooklyn, NY, en una familia acomodada, siendo el mayor de 3 hermanos. Su padre era un contable de origen haitiano y su madre, estadounidense de ascendencia puertorriqueña, era diseñadora gráfica.
Desde los 3 años, Basquiat ya pintaba inspirado por todo lo que le rodeaba: televisión, cómics, coches, ruido, la vida de las calles.
Basquiat de niño
Jean Michel, recibe una educación en arte por parte de su familia, principalmente de su madre, que también lo inició en la lectura de literatura poética, incluso le hizo miembro junior del museo de Brooklyn.
Unos meses después, es atropellado por un coche y pasa un tiempo en el hospital donde encuentra una inspiración que marcaría su vida y su corta carrera artística, su madre le regala el libro de Anatomía de Grey.
Lo que encontró en su interior, decenas de ilustraciones de biología y anatomía, serían posteriormente una clara referencia en toda su obra de estudio.
Con 14 años vive un par de años en Puerto Rico, por el cambio de trabajo de su padre. A la vuelta a Brooklyn y tras el divorcio de sus padres, vive una etapa escolar convulsa, con hasta 5 cambios de colegio, pasando de una escuela católica privada a varias escuelas públicas, acabando con 16 años en la City-As-School, un centro escolar para superdotados.
La creación de SAMO.
En la City-As-School donde conoce a Al-Díaz, compañero de clase que le introdujo en el mundo del graffiti. Díaz había sido escritor de graffiti desde los 12 años, firmando como “Bomb-One”, pero tras años escribiendo decidió dejar la escena por falta de motivación hasta que conoció a Basquiat. Juntos se acercaron al mundo de las drogas, el graffiti y las bandas callejeras.
La estancia de Basquiat en la City-As-School no dura mucho, apenas un año.
En 1978, justo antes de su expulsión había creado, junto a Díaz y otros compañeros a SAMO, un alter-ego, que en principio estaba diseñado como parte del periódico del colegio, pero que pronto decidió llevar a las calles junto a Díaz.
SAMO, es el acrónimo de Same old Shit, traducido como “siempre la misma mierda” y que se convirtió en su pseudónimo, aunque más bien era un marca o un personaje.
En Mayo de 1978, casi coincidiendo con el inicio de SAMO, decide dejar casa de su padre y vivir en las calles por la zona del Low Manhattan.
Díaz y Basquiat comienzan a escribir SAMO y, posteriormente, sus famosas frases, no sólo por las calles de Manhattan, sino que se encontraba en ascensores, baños e incluso en algunos trenes de la línea de D del suburbano neoyorquino.
SAMO se hace cada vez más conocido.
Sin embargo, no era una graffiti de firma, sino que crean un graffiti, social, legible y para todos los públicos. Es más arte urbano que graffiti, por el público al que se dirigen.
A finales de 1978, Basquiat que seguía viviendo en la calle, comienza su verdadero bombardeo como SAMO en la zona del denominado Soho, el East Village y los alrededores del School of Visual Arts.
Frases de Samo-Basquiat
Las frases de SAMO comenzaron a ser más y más populares, tanto que algunos medios como Soho News publicaron información sobre su aparición, aunque nada se sabía sobre su autores y mucho menos que fueran 2 personas.
Algunas de las frases más populares de SAMO fueron: SAMO como fin de la religión, de las políticas que no llevan a ninguna parte y de filosofías falsas o SAMO como alternativa a DIOS.
Basquiat desvela la identidad de SAMO.
El impacto de SAMO siguió creciendo, incluso el medio especializado en arte, The Village Voice, escribe sobre él. Su nombre comienza a llamar más la atención, pero se seguía sin saber nada sobre quién estaba detrás.
1979 fue un año clave para Basquiat y para SAMO, por un lado el filósofo y artista, Henry Flint, comienza a hacer fotos de los graffitis de SAMO y conoce a Díaz y otros compañeros de clase de Basquiat, lo que le permite descubrir la identidad de SAMO.
Por otro lado, Basquiat comienza a escribir como SAMO en solitario y conoce a Keith Haring, que le introduce en la escena cultural de la ciudad y en su círculo de amigos y estudiantes de la School of Visual Arts.
En el vídeo de Youtube te contamos cómo fue el divertido encuentro entre Haring y Basquiat.
Basquiat, pese a que siempre lo negó, tenía una clara estrategia de llamar la atención con las frases de SAMO, por lo que siguió escribiendo en el SOHO y alrededores de todas las galerías cercanas… de forma que artistas, críticos, galeristas y aficionados al arte pudieron ver su mensaje y lo consiguió.
A finales de 1979, estando ya en el círculo de Haring y Kenny Scharf, aparece en el programa de TV de Glen O´Brien, TV Party, donde se presentó como la persona detrás de SAMO.
En 1980, con 20 años, y pese a que llevaba tiempo pintando SAMO en solitario, decide romper su colaboración con Al-Díaz y escribe en numerosos lugares, “SAMO is dead”, Samo está muerto, para desvincularse del graffiti y dejar su trabajo en la calle. Basquiat siempre renegó de esta parte de su trabajo en la calle, porque pensaba que sería una etiqueta que le quitaría importancia y credibilidad a su obra.
La historia de Basquiat en vídeo.
Si te apetece ver todo su historia en formato multimedia, con más imágenes y vídeos, échale un vistazo al que preparamos para Street Art Málaga.
Basquiat se convierte en una estrella.
Pronto, gracias a todos los contactos que hizo, fundó el Gray, un grupo musical en el que tocaba el clarinete y el sintetizador, y clara referencia al libro de Anatomía de Grey que marcó su infancia. La música, que supuso una enorme influencia en su obra, le permitió frecuentar pubs como CBGB y el Mudd Club, lugares de moda donde se reunían otros artistas y comenzar su carrera como artista de estudio, tan fulgurante y exitosa como siempre rodeada de polémica.
Entre 1980 y 1981 graba la película Downtown 81 que narra la vida de un joven artista, él mismo, Jean Michel Basquiat, que necesita dinero para recuperar la vivienda de la que ha sido desalojado y que le permite alcanzar fama y vender su primera obra de estudio por 200$.
Basquiat deja la calle y trabaja en casa.
Desde ahí se mudó con su Suzanne, su pareja de entonces y comenzó a pintar en su casa, pero en cualquier superficie, ventanas, puertas, materiales que encontraba por la calle, el frigorífico… estaba naciendo el Basquiat de estudio y el artista que pintaba de forma compulsiva.
Haring, Warhol y Basquiat
Como dice la crítica, Basquiat dejó de ser afromericano para ser americano y romper con la tendencia artística de los 80s, principalmente arte conceptual, abstracto y minimalista, con un estilo diferente, rompedor, con líneas de graffiti y con un claro componente neo-expresionista.
Sus relaciones con Andy Warholo Madonna, no hicieron más que encumbrar la carrera artística de Basquiat al que llamaron “El niño radiante”. Con Warhol, encontró a un consejero, un amigo y un confidente y Warhol encontró en él a un chico con una energía desbordante y una exuberante creatividad.
El fallecimiento de Basquiat
Desafortunadamente, en 1988, con tan sólo 27 años, murió de sobredosis, tras una vida llena de éxitos y excesos a partes iguales.
A lo largo de su breve, tan sólo 8 años, pero intensa carrera artística Basquiat realizó más de 40 exposiciones personales y participó en alrededor de 100 colectivas.
Y su leyenda sigue más viva que nunca con ventas de sus cuadros que han alcanzado los 100 millones de euros.
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