Categoría: Quién es

  • Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    Quién es MODE2: leyenda del graffiti en Europa

    MODE2 es uno de los grandes escritores de graffiti de Europa y uno de sus pioneros en su expansión.

    Su transición desde las letras hasta sus famosos personajes, sobre todo figuras femeninas, le permite abordar temas complejos como la globalización y reflexionar sobre el mundo con una mirada crítica.

    Su técnica implica observar los gestos y movimientos de las personas para reflejar su energía en sus obras de una forma muy personal.

    Los inicios de MODE2.

    MODE2 nació en Mauricio, una isla del océano Índico, en 1967 y se mudó a Reino Unido en julio de 1976 junto a su familia.

    Su infancia la pasa en las calles de Lewisham, al sureste de Londres, donde estuvo influenciando por el despegue de diversas culturas musicales como el punk o el reggae.

    Desde pequeño fue un apasionado de dibujar y le encantaban los comics, la ciencia ficción y la literatura fantástica.

    A los 13 años, movido por su pasión por el juego Dungeons and Dragons, comenzó junto a su hermano a pintar figuritas de plomo, algo por lo que llegó a cobrar dinero de una tienda en Peckham.

    Dungeons-Dragons
    Dungeons-Dragons
    mode2
    Mode2 de joven

    Talento en estado puro.

    Tenía un talento natural para la pintura. En 1982, con 15 años, obtuvo el tercer premio en un concurso nacional de pintura de figurillas de plomo y un año después ganó el 1er premio.

    Su llegada al graffiti fue de forma casual y, como tantos otros, a través de la TV, en concreto a finales del 83 al ver un vídeo de Malcolm McLaren, donde aparecía Dondi pintando y el vídeo de la inolvidable ‘Hey You’, de Rocksteady Crew.

    Eso le hizo interesarse más por esa nueva cultura e ir abandonando sus juegos de infancia.

    Todas esas influencias musicales, de radio, televisión y de la propia calle comenzaron a influir en lo que pintaba un joven MODE2.

    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984
    FESTIVAL-by-Mode-2-Covent-Garden-London-1984

    En el verano de 1984, tras sus exámenes escolares, comenzó a frecuentar Covent Garden, el centro de la escena hip hop de Londres. Un sitio que había descubierto un año antes paseando con su madre y su hermano menor.

    Su talento con el dibujo, surgido de forma autodidacta, comenzó pronto a despuntar y comenzó a usar rotulador y el spray. Pintaba todo lo que podía, desde pancartas para el centro de arte a personalizar pantalones, chandals o chaquetas de componentes de la escena del hip-hop, ya fueran breakers o MCs.

    mode-2-by-yoshi
    mode-2-by-yoshi

    Su primer tag y la evolución a MODE2.

    Ahí le surgió su primer apodo, porque todos sabían de su talento para dibujar y lo comenzaron a llamar “artista”, “artista en inglés”, por lo que su primer tag fue “R-Tizz” (RTizz)

    Muy pronto, con la ayuda de un escritor llamado Scribla comenzó a pintar graffiti y a crear personajes. Se unió la experiencia de Scribla en retratos y caricaturas y la capacidad imaginativa de MODE2 para proyectar con su mano personajes de su cabeza.

    Esos primeros escritores británicos, ante la ausencia de documentación de imágenes para inspirarse, fantaseaban sobre cómo sería el estilo de Nueva York. Todo eso cambió a mediados de 1984 cuando llegó el libro Subway Art a sus manos.

    Mode2-Chrome-angelz
    Mode2-Chrome-angelz

    Luego, junto a su socio Scribla y Zaki Dee, Eskimo y Xerox formaron los Trailblazers. Antesala de su mítica crew The Chrome Angels, que surgió en la primavera de 1985.

    Inicialmente, el grupo estaba formado por cinco miembros, cada uno con su apodo y estilo únicos: Zaki Dee, Mode 2, Scribla, Eskimo y Bando, de París. A medida que The Chrome Angelz comenzó a ganar reconocimiento, miembros adicionales se unieron al equipo, incluidos Pride, Robbo y Shok-1.

    chrome-angelz-graffiti-crew
    chrome-angelz-graffiti-crew

    Ese verano de 1984 iniciándose en el graffiti cambiaría su vida. Comenzó a practicar más y más con el spray para mejorar su estilo, mientras que al mismo tiempo llenaba libretas de letras y caracteres. Había nacido MODE2.

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    Creative-Match-Kreuzberg_Homes-Bar

    Los pioneros de Europa.

    En esos momentos la pintura en aerosol era la mejor herramienta que tenían porque no estaba en contacto con la superficie, por lo que podía moverse muy rápido y cubrir superficies grandes dependiendo del tamaño de las boquillas que tenían.

    Poco después, busco unos días libres y, gastando el dinero ahorrado en sus primeros trabajos por encargo, se fue a París y allí, junto a BANDO, formó parte de ese pequeño grupo de grafiteros europeos de primera generación que sentaron las bases que otros seguirían.

    Allí trabajaron juntos para mejorar su estilo, pero reconoce haber tenido la suerte de haber estado en el lugar correcto en el momento correcto, rodeado de muchas personas inspiradoras.

    En esos momentos ser un creador o innovador mejoraba tu estatus en el graffiti, inspirando a otros para seguir creciendo y evolucionando a través del estilo.

    MODE2-1999
    MODE2-1999

    MODE 2 comenzó a viajar y pintar en otros países hasta mudarse a París en la primavera de 1987.

    Mode2-Graffiti
    Mode2-Graffiti

    Spraycan Art.

    Allí, en el famoso terreno de Stalingrado, las piezas de MODE2 comenzaron a tener relevancia internacional, tanto es así que a finales de 1987, uno de sus personajes apareció en la portada del libro Spraycan Art de James Prigoff y Henry Chalfant.

    SprayCan Art
    SprayCan Art

    Curiosamente, ese personaje lo había hecho dos años antes, en septiembre de 1985 y fue elegido porque era el que mejor representaba el contenido del libro para un público más amplio, al tiempo que subrayaba la influencia global que tenía la cultura del graffiti.

    En los años siguientes, MODE 2 perfeccionaría su técnica pictórica, utilizando trazos traslúcidos para definir rápidamente una forma y dar una sensación de movimiento a sus personajes, a menudo bailarines, mujeres y parejas eróticamente entrelazadas.

    Mode2-Valencia
    Mode2-Valencia

    Su pasión por la música le llevó a representarlos bailando, para expresar la alegría que compensa algunos de los otros problemas de injusticia social. Además, sus piezas y obras son fáciles de reconocer por el uso de colores típicamente cálidos como el naranja, rojo y marrón claro.

    MODE2 y la figura femenina.

    Le gusta destacar que está obsesionado con la figura femenina, que surgen de su imaginación, de sus fotografías o de las que ve por la calle, en el transporte público o en las galerías comerciales.

    Sin embargo, no tiene ninguna fijación con ningún tipo o forma de cuerpo, tratando de dibujar curvas más naturales, al mismo tiempo que intentar impulsar un tipo racial indeterminado para que sea el espectador quién la identifique.

    Esa ausencia de clichés clásicos femeninos le lleva a recordar su adolescencia cuando se enamoraba de las chicas menos atractivas para el resto del grupo. Sus personajes femeninos venían más de su experiencia en la literatura fantástica y ciencia ficción.

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    Credit-Joel-Fox

    En 1997, MODE2 comenzó a desarrollar intolerancia a los gases del spray, así que debía buscar otros medios para expresarse y no centrarse sólo en el spray.

    Así, a través del escritor DELTA de Amsterdam comenzó a trabajar con pinturas pastel. El uso de estas barras de colores le abrió un nuevo abanico de posibilidades y un virtuoso de las mismas, teniendo una gran colección de cuadros y obras creadas únicamente con pastel o mezclada con acrílico.

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    MODE2
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    LEE-CPH-Vision_Copenhagen

    MODE2 en galerías.

    En los siguientes años, MODE2 comenzó a recibir llamadas de todo el mundo para realizar trabajos, muchos en interior, otros en exterior. Su estilo era muy reconocible y, aunque no es amante de las exposiciones, ya sea en individuales o colectivas, aun así ha hecho algunas, pero siempre con sus reglas.

    En las exposiciones en galerías hace todo el trabajo in situ, de forma parecida a lo que hace Futura. Ese método de pintar con poca antelación le obliga a ir a lo esencial y le impide caer en el letargo pictórico al que puede obligarte la atmósfera del estudio, algo que no tuvo hasta 2011.

    MODE2-gallery
    MODE2-gallery

    En sus trabajos de calle siempre le han gustado especialmente los muros bajos y largos, manteniendo el componente de accesibilidad para el público.

    MODE2 es bastante crítico con el mundo del arte, incluso del arte urbano y del muralismo, sobre todo con aquellos que estando fuera del hip-hop o del graffiti intentar sacar rendimiento de ellos.

    Por eso ha decidido seguir su camino decidiendo dónde y cuándo mostrar su obra.

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    MODE2

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  • QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    QUIÉN es NEKST: el rey de la visibilidad

    NEKST destacó por su estilo intrépido y su capacidad de planificación en cada pieza, convirtiéndose en uno de los reyes de cualquier ciudad que pisaba.

    Desde Houston hasta Nueva York, pasando por Nueva Orleans, Detroit, Los Ángeles o Miami.

    Los inicios de NEKST.

    Sean Griffin, más conocido como Nekst, nació en Houston, Texas, donde se labró una fama como uno de los escritores de graffiti más importantes, primero de su ciudad y luego de todo Estados Unidos.

    Comenzó a firmar en 1996 firmando inicialmente como NEXT con X, algo que cambió tiempo después para convertirse en NEKST.

    Poco se sabe de la vida personal de un escritor que siempre trabajó en la ilegalidad, con la planificación como bandera en cada actuación y con la policía siguiendo muchos de sus pasos.

    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKST-BLOCK-BUSTER
    NEKTS-PUENTE
    NEKTS-PUENTE

    Leyenda en su ciudad.

    En Houston, su ciudad, se convirtió en leyenda, de esas que todo el mundo dentro del graffiti saben quién es, pero que para otros es un nombre que no paran de ver sin saber su significado.

    Un  escritor al que otros admiraban por ser incansable y tener siempre los mejores lugares con su firma.

    Para cada una de sus piezas, la elección de la estructura, los colores, el tamaño y la ubicación siempre fue meticulosamente planificada, legible y en zonas de alto tránsito.

    Intentaba que la pieza fuera lo más grande posible y siempre legible, para los del graffiti y para los ciudadanos, en un intento de hacerles sentir que debían comenzar a pintar, a ser tan visible como él.

    NEKST-BLOCK-LETTERS
    NEKST-BLOCK-LETTERS

    Nekst pintó su nombre con rodillo en vallas publicitarias, paredes y torres de agua. Pintaba con spray en señales, trenes y pasos elevados. Era muy destacada su capacidad para crear sus piezas en los terrenos más desafiantes y los trenes se convirtieron en su particular sitio de trabajo.

    Sus piezas en los trenes, pintadas hace más de una década se siguen viendo por Houston y alrededores.

    Era un escritor sin miedo, del que decían que no se limitaría a subirse a un cartel publicitario y dejar su firma, sino que lo cubriría por completo.

    NEKST-GRAFFITI
    NEKST-GRAFFITI

    Block letters y gran formato.

    Y no siempre escribió en el formato que le hizo famoso: sus Block Letters, enormes letras cuadradas visibles desde lejos que no te hacen dudar del nombre del escritor que hizo esa pieza.

    Fue un especialista en combinar el negro y el plata, pero NEKST era mucho más que eso. NEKST exploró el Wildstyle, el bombardeo de tags e incluso el throw-up, pero realmente lo que le gustaba era hacerse ver. Podemos decir que NEKST tenía obsesión por la escala y la visibilidad.

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    Tal fue el impacto de NEKST en la ciudad que fue elegido el «mejor escritor de graffiti» en 2003 por Houston Press, incluso le sugirieron que se mudara para escapar de la implacable presión policial.

    Además viajó a Europa en algunas ocasiones, dejando piezas en lugares míticos como un submarino en Amsterdam.

    NEKTS-COCHE
    NEKTS-COCHE

    NEKST fue un escritor nómada, viviendo y pintando en cada una de las regiones de los Estados Unidos durante más de 20 años, siendo importante para cada ciudad en la vivió.

    NEKTS-GRAFF
    NEKTS-GRAFF

    NEKST y los MSK.

    De hecho, formó parte del famoso crew de los MSK, o Mad Society Kings, donde compartió espacio con algunos de los mejores y más notorios artistas de graffiti del mundo como Revok, Vayne, Haeler o SEVER, algunos de los cuales participaron en el hospital bombardeado de graffiti en Miami que ya te contamos en el canal.

    Y no sólo estuvo con los MSK, sino que también formó parte de los DTS, los cuales siguen recordando su figura. Te dejo el Instagram de ambos grupos en la descripción.

    Pero NEKST no solo dejó su marca en los muros de la ciudad.

    REVOK-NEKST
    REVOK-NEKST

    Durante una detención en una prisión de Dallas, dedicó seis meses a crear retratos de sus compañeros de celda utilizando solo lápiz y papel, demostrando que su talento trascendía las barreras.

    NEKST-OBEY
    NEKST-OBEY

    Fallecimiento y legado.

    Desafortunadamente, NEKST falleció en diciembre de 2012 en circunstancias desconocidas o al menos que no han dejado trascender, dejando atrás un legado como legendario escritor de graffiti, que incluso tuvo referencias en la prensa local.

    Y los homenajes no han parado de sucederse, siendo el más destacado el que le hicieron sus compañeros de MSK, donde pintaron piezas tributos por todo Detroit, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad.

    NEKST-BOWERY-NEW YORK
    NEKST-BOWERY-NEW YORK

    A tal punto llegó su importancia que en Nueva York, en el número 190 de la calle Bowery permanece una pieza mítica de NEKST, que ha sido rehabilitada en numerosas ocasiones por otros escritores. Un ejemplo perfecto de la visibilidad que conseguía NEKST con sus piezas.

    Su nombre no ha quedado en el olvido, hasta tal punto que en Houston se siguen viendo piezas con la firma de NEKST, recordándonos que su espíritu sigue vivo en las calles que alguna vez dominó.

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  • QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    QUIÉN es BATES: el maestro de los 1000 estilos

    Bates es un escritor que se ha mantenido fiel a las letras y con una trayectoria casi 40 años en el graffiti, sin dejar que modas o tendencias le hayan afectado, pero que siempre está en continua evolución.

    Bates está considerado como uno de los grandes maestros del estilo en el graffiti.

    A Bates le gusta que sus letras se muevan, bailen, se torsionen, en definitiva, que estén vivas, que reflejen bien todo lo aprendido y que lo ha llevado a la fama internacional.

    Los inicios de BATES.

    Nacido en 1971 en Copenhague, Dinamarca, Bates comenzó a hacer sus primeras firmas con 13 años y su primera pieza la hizo, meses después, en una fábrica abandonada a plena luz del día y con su madre acompañándolo.

    OTR-Bates-Graffiti
    OTR-Bates-Graffiti

    Era el año 1984 y el graffiti recién había comenzado en Copenhague, donde se forjaría una de las grandes escuelas europeas.

    Como en tantos otros lugares, el hip-hop y más concretamente el break dance había sido el vehículo por el que llegó el graffiti a la capital danesa.

    Todavía había pocos espacios para el desarrollo de la escena, pero destacamos la cancha de baloncesto de Nansensgade, siendo uno de los primeros lugares de la ciudad donde se podían ver graffitis.

    Electric Boogie Copenhague
    Naco-Dondi-White

    Sin embargo, pese a su precocidad, Bates se engloba en la segunda oleada de la old school danesa, apenas 1-2 años después del denominado inicio oficial del graffiti en el país.

    Su influencia principal en esos días de aprendizaje fue REZQ y los compañeros de escuela que también estaban algo más iniciados en el graffiti que él.

    Con tan sólo 15 años, comenzó a tomarse en serio la cultura del hip hop y del graffiti, por lo que comenzó a escribir de manera incansable, sobre todo en papel, para encontrar su estilo, algo que seguiría haciendo durante toda su vida.

    Bates-Graffiti
    Bates-Graffiti

    Autodidacta del graffiti.

    BATES siempre ha sido autodidacta, aprendiendo a través de la observación y la práctica, pero algo que le sirvió mucho y le sirvió de clara inspiración fue poder ver documentales como Eletric Boogie, pero sobre todo películas como Style Wars o Wild Style.

    En ese momento, en 1986, fue cuando encontró su tag, BATES, y lo tomó de un personaje de  la famosa serie de televisión de ciencia ficción llamada “ V”.

    Bates-Graffiti-1
    Bates-Graffiti-1

    Curiosamente, pese a que nunca estudió arte, dibujo ni tuvo estudios superiores, el talento artístico de BATES se veía claramente y comenzó a destacar rápidamente en la escena danesa.

    Lle gustaba combinar los estilos tradicionales de escritura de graffiti desarrollados en Nueva York, llevando el movimiento de las letras a otro nivel y perfeccionando los ritmos dinámicos y oscilantes de las formas. A eso le añadía una paleta de colores sorprendente

    Y una de las cosas que siempre ha destacado es su capacidad de seguir aprendiendo y recogiendo información de todos los escritores, aunque destaca que el estilo es lo que verdaderamente separa a los Toys de los escritores reconocidos de graffiti. Más que cantidad, pese a que BATES ha pintado mucho, los destaca por su calidad.

    Bates-Graffiti-Denmark
    Bates-Graffiti-Denmark

    Ya en 1989, con apenas 18 años, estaba considerado entre la élite de grafiteros europeos y sus piezas comenzaron a circular en fotos y fanzines de la época.

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    Bates aparece en la escena internacional.

    Luego vendría la internacionalización del graffiti europeo a principios de la década de 1990 y los rumores sobre la elegancia estilística de Bates se extendieron aún más y pronto se convirtió en uno de los escritores más buscados y seguidos de Europa.

    Bates estaba en la élite de Europa, junto con escritores como Loomit de Múnich, Mode 2 y Bando de París o Delta y Shoe de Ámsterdam.

    Eso le hizo comenzó a recibir invitaciones para importar por toda Europa y, posteriormente, por el mundo.

    BATES-Graffiti-Wild-Style
    BATES-Graffiti-Wild-Style

    En 1993 BATES dejó su nombre en el Bronx de Nueva York, luego llegaría Tokio y así todas las principales ciudades europeas, con especial predilección por Alemania o Suecia.

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    Anonimato.

    Algo que ha mantenido durante todos estos años ha sido su anonimato, respetando al máximo su privacidad y protegiendo su rostro de los medios, puesto que su actividad en trenes a principios de los 90s fue muy activa e intensa.

    De hecho, BATES en abril de 1998 fue, tras el mítico JEPSY, el protagonista de la segunda edición de OTR Blackbooks, creada por On The Run de Alemania. El libro es ahora objeto de culto para coleccionistas y mostraba numerosas piezas de BATES, muchas de ellas en trenes, por todo el mundo.

    OTR-Bates-Graffiti-Cover
    OTR-Bates-Graffiti-Cover

    El escritor danés pertenece a numerosas crews entre las que destacamos “ All in one”, pcp, ftp, wca, wr2, gbu, tnb por destacar algunas de las más importantes.

    Bates-Graffiti-Piece
    Bates-Graffiti-Piece

    Su aparición en galerías.

    Curiosamente, pintó su primer lienzo en 1985, un año antes incluso de haber elegido su tag de BATES, pero el talento para pintar estaba ahí y dos años después, en 1987 vendió su primer cuadro, antesala del enorme éxito internacional que le llegaría después.

    Tras casi 25 años pintando de forma ilegal, BATES, como tantos otros, decide ahora pintar, casi siempre, con permiso, de forma legal para relajarse trabajando en sus estilos para mejorar.

    Tras el fallecimiento de su madre en 2007 decidió dar un cambio y comenzar a probar en galerías y exposiciones en homenaje a ella que siempre le decía que tenía que hacer más lienzos y cuadros con sus letras.

    Bates-Gallery
    Bates-Gallery

    Su primera exposición individual le llegó en 2009 y la hizo en su ciudad natal, Copenhague, y se tituló “It´s about time”.

    Desde entonces, ha mostrado su trabajo en numerosas exposiciones individuales presentando sus obras sobre lienzo, pero manteniéndose fiel a sus letras, aunque adaptadas a otro tamaño, con formas abstractas vibrantes y con colores diferentes a sus piezas habituales de calle.

    Asimismo, su trabajo ha sido destacado en numerosos libros como “Graffiti Burners”, “World Piece Book”, “Dansk Wildstyle Graffiti” o el mencionado anteriormente de OTR Blackbook volumen 2.

    Actualmente, BATES sigue pintando y exponiendo su obra por todo el mundo, así como manteniendo una tienda online, que te dejo en la descripción, donde poder adquirir numerosos objetos suyos, desde stickers a cuadros o sudaderas.

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  • Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    Quién fue LOSE: el mito del graffiti en trenes

    LOSE fue una figura clave en el graffiti en trenes de Madrid, pero no se limitó a la capital de España, sino que lo hizo por todo el país y gran parte de Europa. Incluso, llegó a pintar en Moscú, El Cairo o Nueva York.

    LOSE-Pintando-metro-Madrid
    LOSE-Pintando-metro-Madrid

    Dicen que fue tan legendario como lo fue Muelle en los 80.

    Con más de 20 años pintando trenes por todo el mundo, LOSE se convirtió en una figura de referencia en el movimiento, por su destreza, por la calidad de sus piezas, por su audacia y, sobre todo, por su incansable dedicación. Fue tal su actividad que se le consideró el escritor con mayor superficie de tren pintada en España, pero no sólo hizo eso.

    Los inicios de LOSE.

    LOSE comenzó en el graffiti de adolescente, en el año 1995, aunque como muchos chavales de la época, tan sólo pintaba con rotuladores. Poco a poco se fue iniciando, hasta que en el 97 pintó su primera pieza en un muro. En esos años pintaba con gente de su barrio, pero fue ampliando su círculo del graffiti, primero por otros barrios, luego por toda la ciudad.

    Sin embargo, pronto se dio cuenta que pintar muros no era lo suyo, se aburría, buscaba algo más, una inyección de adrenalina. Así que en 1999 pintó su primer tren, su primera chapa, y desde ahí nunca pudo parar. De hecho, hasta tenía tatuado un vagón de tren en un brazo para no olvidar nunca quién era.

    LOSE-Trenes-Graffiti-Madrid

    La primera vez que pintó un tren lo hizo junto a GOES en la antigua cochera de Chamartín, en Madrid. Como él mismo dijo: fue una mezcla de frío, nervios, olor a pintura y adrenalina. La combinación que estaba buscando. Fue la mejor experiencia de su vida hasta la fecha y la puerta a todas las que vendrían después.

    Inspiración de LOSE y sus crews.

    Podemos decir que el graffiti era parte de LOSE, al igual que LOSE ha sido clave en el graffiti.

    Estar dentro del graffiti le permitió superar dificultades, viajar, conocer a gente por todo el mundo, crear otro estilo de vida basado en el graffiti para buscar nuevos retos, nuevos desafíos.

    Sus primeros referentes fueron los primeros escritores de Nueva York, destacando Seen, del que ya te hemos hablado en el canal. En España, le gustaba mucho Sha, al que destacaba por su forma de ver el graffiti en trenes y del que había visto numerosas fotos de chapas, de trenes de Madrid pintados.

    Sha-Graffiti-Madrid - Fuente Spanish-Graffiare
    Sha-Graffiti-Madrid – Fuente Spanish-Graffiare

    LOSE comenzó con la crew de los TNT, porque fueron los primeros con los que empezó a pintar trenes, pero ese grupo se fue disolviendo poco a poco… hasta que conoció a los BGS, en su mayor parte proveniente de Suiza, que iban a Madrid a pintar el metro de Madrid.

    La conexión entre LOSE y los BGS surgió rápidamente y tras numerosas visitas del grupo a Madrid decidieron unirse, quedando los TNT y BGS en un mismo crew.

    tnte grecia
    tnte grecia
    BGS-Graffiti-Trenes

    El palancazo.

    LOSE fue célebre por el uso que hacía del llamado “palancazo”, surgido a mitad de los años 90 en Madrid. Básicamente, consistía en accionar la palanca de emergencia para parar el tren durante 15 minutos y poder pintarlo. Incluso se pintaba el techo gracias a las escaleras de emergencia que se encontraban debajo de los asientos de algunos vagones

    El método se fue perfeccionando con el tiempo y LOSE fue una estrella en eso.

    Primero había que estudiar bien el terreno, el metro, las paradas, las salidas, las vías de escape, tras eso palancazo y al abordaje del tren. En muchos casos, en mitad de un túnel escapando por los respiraderos, en otros incluso los paraban en la estación para luego salir corriendo por las vías, túneles o el propio andén.

    Al palancazo uníamos las misiones que planificaba con todo detalle, ya fuera entrando por un hueco o entrando descolgándose por unos cables de electricidad que daban a una cochera con vagones de metro.

    En algunas misiones llegaban a juntarse hasta 20 personas en Madrid para hacer un palancazo y pintar el metro completo.

    Pese a su actividad pintando trenes y lo que pudiera parecer, LOSE era un escritor elegante, de los que no buscaba la confrontación. Si podía entrar y salir sin llamar la atención, mucho mejor. Además, que era más bien bajito y tímido, pero con un físico atlético, preparado para cualquier reacción rápida. Correr, escalar o subir rápido unas escaleras eran sus armas.

    Tren-Graffiti-Lose
    Tren-Graffiti-Lose

    La detención de LOSE.

    Su relación con el graffiti iba en aumento, incluso varios de sus compañeros, le decían que estaba enfermo con el tema. Ya en 2013 llevaba pintados más de 500 vagones de metro y era considerado el escritor con mayor número de metros de tren pintados en España… pero eso no le libró de que a finales de 2013 lo pillaran en acción y lo detuvieran.

    Pese a que hubo imágenes de la actuación, tanto suya como de sus compañeros de misión, no se le pudo identificar correctamente y lo dejaron ir en libertad con cargos con daños causados que ascendían a 31.000 euros. El vídeo que difundió el Metro de Madrid y la aparición de la noticia en la prensa hizo crecer aún más el mito de LOSE.

    Sin embargo, eso no paró a LOSE, que siguió pintando trenes incansablemente.

    Pintando trenes por el mundo.

    Su actividad fuera de Madrid fue también muy destacada, llegándose a decir que nadie en Europa hizo tantos trenes como él.

    Tras el contacto con personas que venían a Madrid le hizo pensar que él podía hacer lo propio en otros países, así que comenzó a viajar, primero por Europa, luego por el mundo

    Lo que hacía LOSE diferente era que el sufrimiento para llegar a hacerse una pieza en un tren o metro de donde fuera no iba a ser un impedimento, aunque tuviera que dormir en la calle, apenas comer o no tener dinero para moverse y tener que recurrir al autostop donde fuera.

    Lo bueno de estas misiones es que su fama había trascendido fronteras y en muchos casos contaba con la ayuda de escritores locales que le servían de apoyo logístico para las misiones.

    LOSE pintó prácticamente por toda Europa, de Londres y Oslo a Copenhague pasando por Atenas, diversas ciudades de Italia, Rumanía, hasta llegar a Moscú. Luego llegarían misiones y aventuras en El Cairo e incluso en Nueva York.

    La amistad de LOSE con Pérez Reverte.

    A tal punto llegó su leyenda que el famoso escritor español Arturo Pérez Reverte hizo amistad con él por servirle de referencia en su novela “El Francotirador paciente”. Además, Pérez-Reverte llegó a decir de él:

    Pintar trenes y metros era la pasión de su vida, tenía el cuerpo tatuado con ellos. Una de mis novelas le debe mucho.

    LOSE viajaba a sitios desconocidos, dormía donde podía, recorría túneles oscuros, escalaba muros o tejados, se infiltraba en lugares peligrosos e incluso se jugaba la vida, todo con un único objetivo: pintar.

    El fallecimiento.

    Sin embargo, en 2021 la desgracia le llegó y LOSE falleció. No fue pintando, ni arrollado por un tren, como tristemente se podía esperar tras más de 20 años pintando.

    LOSE falleció a los 39 años en Madrid tras colisionar con su moto contra un autobús.

    Pérez Reverte le dedicó un emotivo hilo en Twitter informando sobre su amistad y con algunas anécdotas, lo que usaron los medios generalistas para publicar la noticia.

    El día de su funeral, compañeros y amigos fueron a despedirse de Lose en el Tanatorio Sur de Madrid, incluido el jefe de seguridad del metro de Madrid, que se presentó para expresar sus condolencias. Se había ido LOSE, había nacido la leyenda.

    Desde entonces no han parado de sucederse los homenaje a su figura, con escritores de todo el mundo pintando LOSE en los trenes y muros de todo el mundo.

    Descansa en Paz, LOSE. Muchos trenes, mucha diversión.

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  • ATALA: La madre que pinta graffiti por su hijo SIC

    ATALA: La madre que pinta graffiti por su hijo SIC

    El 1 de marzo de 2019 el grafitero mexicano Jesús Haxel Rodríguez, de 18 años, murió de un infarto. Tras su muerte, Atala, su madre, entró en su cuarto y se encontró un universo de botes, bocetos, pintura, rotuladores, pegatinas, incluso su última pieza, todo estaba relacionado con el graffiti.

    Desde entonces, Atala Rodríguez, su madre, tomó los sprays y los rodillos y salió a pintar bajo el nombre de SIC, el mismo tag elegido por su hijo, para no dejar que su nombre se olvide.

    Los inicios de SIC.

    Comenzamos hablando un poco de Jesús Haxel Rodríguez, más conocido como SIC en el mundo del graffiti. Su primera afición fue el skate, patinando por las calles de San Agustín y Chimalhuacán, pero tras lesionarse, dejó de patinar y comenzó con el graffiti.

    De forma autodidacta y con la ayuda de unos amigos, se inició en el graffiti, algo que no dejó hasta su fallecimiento.

    Primero se inició con el tag de JS, en clara alusión a su nombre, Jesús, pero rápidamente cambió a algo que le identificaba aún más, porque era parte del mundo que veía.

    Nacía el SIC, Sistema Igual a Corrupción.

    SIC-Graffiti-Mexico-Tren
    SIC-Graffiti-Mexico-Tren
    SIC-Graffiti-Mexico-Pieza
    La última pieza de SIC

    SIC como podemos ver en su Instagram, que les dejo en la descripción, entró en el graffiti con fuerza y no paraba de pintar. Lo hacía en las calles, muros, camiones, pero todo cambió cuando hizo su primera misión para pintar trenes.

    Los trenes le permitieron vivir el graffiti más intensamente y fueron numerosas las piezas que dejó pintadas.

    SIC-Graffiti-Mexico
    SIC en un tren
    SIC-Graffiti-Mexico-Trenes

    Con un estilo habitual de Bubble letters, las 3 letras de SIC comenzaban a aparecer en numerosos lugares e incluso los trenes a circular con su tag.  También dio sus pinitos con las pegatinas, por los que podíamos ver al SIC en más lugares.

    La trágica muerte de SIC.

    En diciembre de 2018, pocos meses antes de fallecer el SIC nos dejaba esta publicación en su Instagram:

    El amor que siento al hacer graffiti no se compara con ningún otro. He vivido situaciones en las que me pongo a pensar porque lo sigo haciendo y he encontrado la respuesta porque me gusta y lo amo, jamás dejare de hacerlo.

    SIC
    Instagram-SIC-Graffiti-Mexico
    Instagram-SIC

    Sin embargo, todo eso se truncó el 1 de marzo del 2019 cuando al salir de una fiesta recibió una fuerte paliza que lo dejó hospitalizado por dos semanas, hasta que falleció.

    En su entierro, numerosas personas de su crew, el XZW, firmaron su ataúd, lo que también permitió dar el contexto de la importancia del graffiti para Haxel.

    Para su madre, como podemos imaginar, fue una pérdida terrible, pero ahí mismo recibió el consuelo de alguno de sus amigos que la animaron a continuar con la labor de su hijo.

    Atala-Madre-Graffiti-Mexico-Crew
    Atala y la crew

    Atala toma el relevo de SIC.

    Ella sintió que él dejó un legado y decidió, a los 2-3 días, salir a pintar en homenaje al SIC, en homenaje a su hijo. Dijo: yo, voy a salir a pintar por ti.

    Sin saber nada de graffiti, ni de pintura, ni de manejar un spray, se la lanzó a la aventura.

    Atala entró rápidamente en el graffiti, gracias a los XZW la crew de su hijo y a los contactos que fue haciendo poco a poco. De esa forma se inició primero con el spray, pero ahora combina tanto spray, como rodillo, brocha e incluso pegatinas que pone por diferentes puntos de la ciudad de México para seguir visibilizando al SIC.

    Atala-Madre-Graffiti-Mexico
    Atala interviniendo en la calle

    Atala pinta en la calle como una escritora de graffiti más, teniendo una evolución importante tras varios años dedicada al graffiti.

    Madre-Graffiti-Mexico-SIC
    La madre del graffiti
    Atala-Madre-Graffiti-Mexico-SIC
    Pieza en homenaje a SIC

    Una de las cosas que más le gusta es pintar trenes, porque consigue tanto reflejar el nombre de su hijo con su tag del SIC, como hacerlo en el sitio donde más le gustaba hacerlo a él.

    SIC cuando pintaba ponía ATA en sus piezas, en clara alusión a su madre, algo que ella nunca olvida y se lo devuelve poniendo Haxel o SIC, te amo y usando su tag de SIC.

    Atala pinta el tag de su hijo, SIC, ese sistema igual a corrupción, pero dejando en sus piezas Haxel, el nombre de su hijo, y también otras referencias en su honor, con frases como “Cómo la ves, perro”.

    Homenaje-Atala-Madre-Graffiti-Mexico
    Homenaje-Atala-Madre-Graffiti-Mexico

    Atala mantiene el legado de SIC.

    Además, ella tiene tatuado el tag de SIC en su cuello para tenerlo siempre presente.

    Eso también le permite “hacer justicia” como ella mismo lo define en el sentido de poder seguir visibilizando la muerte de su hijo, con la exposición en medios, redes sociales, etc. e intentar un día encontrar al que mandó a su hijo al hospital.

    Atala pintando
    Atala pintando

    Pese a que tiene 50 años, ella dice que no va a descansar en su labor de pintar, de seguir poniendo el SIC en tantos lugares como pueda. De seguir con su legado.

    Os recomiendo seguir el Instagram de Atala, donde sube mucho contenido y usa el hashtag #SICFOREVER.

    Atala-Instagram
    Atala-Instagram

    Hasta aquí este pequeño y humilde homenaje a SIC, con el reconocimiento a Atala y su incansable labor por el legado de su hijo y por buscar al culpable.

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  • QUIÉN fue DONDI: legendario escritor de Graffiti

    QUIÉN fue DONDI: legendario escritor de Graffiti

    Dondi también conocido como «The Style Master General» fue una auténtica leyenda del graffiti de Nueva York.

    Dondi es el escritor que sale en la portada del famoso libro «Subway Art»

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    Tuvo una increíble habilidad para combinar letras y colores de manera única y armoniosa, convirtiendo sus piezas en una combinación perfecta de fluidez, equilibrio y creatividad, lo que le valió un lugar privilegiado en la historia del graffiti.

    Los inicios de DONDI.

    Donald Joseph White, más conocido como alias DONDI WHITE, nació en 1961 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, en una familia de italianos y afroamericanos, siendo el más pequeño de 5 hermanos.

    Empezó a hacer graffitis en 1975 con tan sólo 14 años, en medio de una intensa batalla racial y bandas callejeras, algo que no le fue ajeno, uniéndose a algunas de ellas para protegerse.

    Dondi-by-Sophie-Bramly
    brooklyn-street-art-dondi-david-corio-london-11-23-1982-web-1

    Surgido de la misma generación que otros míticos escritores de graffiti como SEEN o LEE , ya desde muy pronto destaca por su excelente trabajo previo. Planificaba sus piezas con gran detalle y precisión en cuadernos de dibujo, los conocidos como black books, antes de llegar a los trenes.

    Al inicio de su etapa en el graffiti firmaba como NACO o DONDI, formando parte del crew de grafiti TOP (The Odd Partners, «Los Extraños Socios»).

    Naco-Dondi-White
    Naco-Dondi-White

    En ese momento, la intensa represión hacia el graffiti hacia que no fuera buena idea firmar con tu propio nombre. Sin embargo, en 1979 eso cambió. En un impulso artístico de afirmación de sí mismo, Dondi rompe por primera vez la ley del anonimato reinante en el mundo del grafiti y pinta una enorme pieza con su nombre sobre el tejado de su casa.

    Para 1978 montó su propio crew, CIA (Crazy Inside Artists, «Artistas Locos por Dentro»), junto con los escritores Mare 139, Kid 56, Kel 139, Doc, Duro, Rasta y Crash.

    Crew-Dondi-CIA

    Pionero en nuevos estilos.

    Dondi fue un pionero en la exploración de nuevos estilos y técnicas en el graffiti. Su habilidad para crear letras enérgicas y tridimensionales, combinadas con una paleta de colores vibrantes, le permitió destacarse entre la multitud y dejar una marca indeleble en las calles de Nueva York.

    Usando gamas de colores innovadoras, hace sus letras, así como el relleno, cada vez más complejos, concibiendo una obra dentro de la obra

    Boceto-graffiti-Dondi-White

    DONDI podía pasar meses preparando una sola obra. Sus personajes simbólicos, generalmente reducidos a siluetas monocromas, semejantes a sombras planas o iconos, hacen referencia a los primeros pasos de STAY HIGH con su figura esquematizada de El Santo.

    Su estilo es también destacable por la escasez de contornos, contrariamente al grafiti clásico. Él descarta el contorno negro clásico tan común para dejar que las letras floten.

    Muro-Dondi-White-Graffiti
    Muro-Dondi-White-Graffiti

    Aunque Dondi dominaba el wildstyle prefería el estilo de llamativas letras de imprenta que él mismo había desarrollado. Esto permitía que sus piezas en los trenes fueran legibles desde lejos y dio aún más impulso a su reputación.

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    Dondi-White-Children-of-the-Grave-part-Three-Photo-Martha-Cooper

    Children of the Grave.

    En abril de 1980, una huelga de transporte tuvo cerrado el metro de Nueva York durante dos semanas, lo cual fue un extraordinario regalo para los escritores de grafiti, que pudieron pintar sin que los molestasen a cualquier hora del día.

    Fue en ese momento cuando Dondi pintó su famosa pieza Children of the Grave, part II, donde integra a la vez sus letras, degradados de colores y personajes expresivos. La parte III de esta obra la pintó en su estudio.

    Dondi-Graffiti-Subway-Art

    Sin embargo, DONDI no sólo pintaba en los trenes de la ciudad de Nueva York, sino que su trabajo le comenzó a abrir puertas en el circuito artístico y comercial.

    Dondi-Lady-Pink

    Dondi entra en el circuito comercial.

    En 1981, cuando abrió la FUN Gallery en el East Side de Nueva York contaron con artistas emergentes de la época como  Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, o Futura.

    Poco después, Dondi pinta el título de la película Wild Style en un metro, logo que inspirará el cartel de la mítica película. En 1984 aparece en el documental Style Wars junto a SEEN y en el libro Subway Art, donde es portada en muchas de sus ediciones.

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    Además de su destreza artística, Dondi era conocido por su incansable dedicación al graffiti. Su compromiso y su búsqueda constante de perfeccionar su estilo lo llevaron a explorar nuevas técnicas y a trabajar en una amplia gama de superficies, desde vagones de tren hasta paredes de edificios.

    Su deseo de superar los límites del graffiti tradicional lo convirtió en un referente para futuras generaciones de escritores.

    Su influencia se extendió más allá de las calles y llegó a exposiciones de arte, galerías y museos, donde sus obras fueron exhibidas y celebradas como expresiones legítimas de la cultura urbana.

    A lo largo de su carrera, Dondi dejó su huella en innumerables ciudades de todo el mundo. Y viajó extensamente llevando su obra a lugares tan diversos como Europa, Japón y Australia.

    Dondi-Graffiti-Studio

    Los últimos años de Dondi.

    Dondi supo reinventarse en los años intensos de la lucha contra el graffiti. Por ejemplo, en 1980 apoyado, por el coleccionista Sam Esses con el Esses Studio project, se decantó por el trabajo en estudio cuando la MTA de Nueva York (Metropolitan Transportation Authority) borró sus trenes.

    Con un fuerte dominio del aerosol, le gustaba incluir en sus realizaciones efectos diversos como los degradados. Trabaja todos sus elementos y colores y los superpone hasta obtener una cierta forma de abstracción.

    Por desgracia, Dondi falleció en 1998 a la edad de treinta y siete años por complicaciones de salud relacionadas con el SIDA dejando un legado perdurable en el mundo del graffiti.

    Dondi-White-Graffiti-Train
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    Sin embargo, su impacto continúa resonando en la comunidad del graffiti y su estilo sigue siendo una fuente de inspiración para muchos escritores de graffiti y artistas urbanos contemporáneos.

    Su capacidad para combinar letras y colores de manera magistral y su incansable búsqueda de la perfección lo convirtieron en una figura icónica en la historia del graffiti.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Dondi, un escritor de graffiti visionario y audaz cuyo estilo único y vanguardista lo catapultó a la fama en todo el mundo.

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  • QUIÉNES SON los CMS: la CREW de GRAFFITI de MÁS FAMOSA de VENEZUELA

    QUIÉNES SON los CMS: la CREW de GRAFFITI de MÁS FAMOSA de VENEZUELA

    Los CMS, Cómanse mis Sobras, son uno de los grupos de graffiti más conocidos del mundo y la referencia principal cuando hablamos de graffiti vandal en Venezuela.

    Es la unión de varios escritores que comenzaron en diferentes ciudades del país, se unieron, viajaron por el mundo y ahora, algunos de ellos, han regresado a Caracas, la capital de Venezuela, para retomar lo que dejaron hace unos años…

    Los inicios de los CMS.

    Nos situamos a finales de los 80s en el origen del graffiti en Venezuela, cuando las primeras firmas y piezas comenzaron a aparecer por Caracas. Sin embargo, la influencia americana no tardó en llegar y escritores como Ore, Hase, Bek, Orlo, Scas, Jasp, CTC crew, Ros o BBS, comenzaron a ser la primera referencia del graffiti en Venezuela.

    Algunos de estos escritores pioneros en Venezuela tuvieran el privilegio de viajar y volvían con fotos, caps, revistas, vídeos y todas estas pasaban de mano en mano. Se copiaban los cd’s y así aprendíamos sobre lo que estaba ocurriendo y sobre la historia del graffiti.

    CMS-Crew-Venezuela
    CMS-Crew-Venezuela

    El origen del CMS.

    El crew fue fundado en 2004 por RayOne, pionero del movimiento del Hip Hop caraqueño y miembro del grupo B.A.S.Y.C.O. (Base y Contenido), un colectivo formado al año siguiente y donde destacaron miembros como Lil Supa, La Zaga, Canserbero, Gbec y Afromak.

    En ese punto, surge el vínculo entre el rap y el graffiti en el CMS.

    El siguiente en ingresar fue Tuker y de ahí ya llegaron el resto de componentes, quedando el CMS conformado por: Rayone, Tuker, Bain, Saner, Senk, Jefo, Keso, Ira, Bus, Rose, Ins y Coes.

    BASYCO

    En ese momento era principalmente una afición, pintaban de cuando en cuando y no fue hasta 1-2 años después cuando vieron el potencial del crew, del graffiti, así que comenzaron a pintar de forma más intensa.

    CMS-Crew-Graffiti-Venezuela

    El grupo aumentó su actividad y comenzaron a crecer para ser los más reconocidos de Caracas. Podemos decir que la ciudad fue suya. Su constancia, su intensa actividad, sus misiones, los lugares elegidos, les hicieron destacar sobre manera.

    Los CMS se fueron ampliando y entraron otros escritores de graffiti como Apl, Deps, Eam, Biger, Oit o Duke, donde cada uno tiene un estilo y una característica qué los hace único en el graffiti, pero todos trabajan con el mismo objetivo: llevar a los CMS al máximo reconocimiento.

    Rose-CMS-Graffiti-Venezuela
    Rose-CMS-Graffiti-Venezuela

    CMS en todas partes.

    El bombardeo de los CMS implica todo tipo de acciones ilegales, lugares inaccesibles como postes de carretera, paredes, muros, carteles publicitarios, trenes, esquinas… Hablamos de graffiti ilegal, de graffiti vandal, de no respetar reglas.

    Los CMS no tienen límites. 3 letras sencillas que quedan marcadas por toda la ciudad.

    Y no sólo pintaban en la capital, sino que dejaban su huella por gran parte de las ciudades Venezolanas. Y cuando terminaron de pintar en Venezuela, llego el momento de expandirse, primero hacia las fronteras colindantes de Latinoamérica.

    CMS-Graffiti-Venezuela

    La gente comenzaba a hablar mucho del CMS porque lo veían, estaban en todas partes y claro, uno habla de lo que se ve. Y en eso ellos eran las estrellas, siempre estaban bien visibles.

    Era un periodo en que muchos de sus miembros pintaban juntos, así que hacían las piezas entre varios. Las primeras líneas las marcaba uno y los demás coloreaban o hacían el fondo.

    CMS-Graffiti-Bubble-Letters
    CMS-Graffiti-Bubble-Letters

    Pinto con lata

    Ya casi en 2010, tenemos uno de los mejores documentos de graffiti de Venezuela, se trata de Pinto con Lata, el cual podéis encontrar un resumen en nuestro canal, donde podéis ver a los CMS o a Daos en acción y entender un poco mejor el contexto del graffiti en Caracas en ese inicio de la década de los 2000. Sus calles, su crudeza, sus noches, su gente, su contraste y su graffiti.

    Tras muchos años de intensa actividad vino la desgracia a los CMS, debido a que SANER, uno de sus miembros, desafortunadamente fallece.

    Saner siempre está en el recuerdo de los CMS y son numerosas las dedicatorias y piezas en tributo a una de las leyendas del graffiti venezolano.

    Saner-CMS-Crew-Graffiti
    Homenaje a Saner

    La migración a Europa.

    En 2014, debido al contexto socio económico y político de Venezuela los CMS deciden emigrar y comenzar su aventura a Europa.  Como ellos mismos definen: un viaje sin fin, viviendo siempre en lugares distintos, enfocados en pintar y llevar la vida como creen que deben vivirla.

    Sin casi apenas vínculos familiares con Europa, el éxito de su migración es que lo hicieron todos juntos y como una familia, lo que les permitió estar unidos en todos los casos.

    Además, se convirtieron en el primer grupo de escritores de Latinoamérica que fueron a hacer misiones en Europa, invirtiendo el clásico recorrido de europeos y americanos que iban a Sudamérica a pintar o europeos que querían explorar los Estados Unidos.

    CMS-Graffiti-Tren

    CMS han dejado sus piezas en las calles y trenes de las principales ciudades europeas como Barcelona, Atenas, Milán o París, pero también aparecen por Marruecos, Brasil, Argentina, Puerto Rico, Bolivia, Chile o Rusia.

    CMS está en todas partes.

    CMS-Graffiti-Tren-Europa

    La incorporación de Daos y la vuelta a casa.

    En 2016 y en plena migración y viaje por Europa, se incorpora DAOS al CMS, hablamos de uno de los mitos del graffiti en Venezuela y súper famoso por sus vídeos recopilatorios de “Graffiti Fail”, que os dejo en la descripción y os recomiendo ver.

    Mientras tanto Caracas fue evolucionando en su relación con el graffiti ya que es muy poco lo que se hace, porque además de no encontrar los materiales y de costar mucho si se encuentran, con la crisis económica pensar en graffiti era un lujo. También el hecho de que la gran mayoría de los escritores que eran referentes ya no se encuentren en el país creó una ruptura generacional.

    DAOS-CMS-Graffiti-Venezuela
    DAOS-CMS-Graffiti-Venezuela

    Y tras todo eso… los CMS decidieron regresar a la ciudad, publicando el vídeo “CMS HECHO EN CASA” en el canal Caribes TV en Enero de 2023, donde expresan que tras varios años fuera por distintas razones y haciendo realidad otros proyectos, decidieron volver a Caracas, su ciudad natal.

    Un regreso que no es completo, como si fue su marcha, pero donde varios miembros residen ahora en la capital y los otros tratan de regresar al menos una vez al año

    CMS-Crew-Graffiti-Venezuela (2)

    El CMS ha sido el embajador perfecto para todos los venezolanos exiliados que crecieron viendo sus graffitis por el país y que han visto su evolución y trabajo por el mundo.

    CMS-Top-to-Bottom-Graffiti-Train

    Hasta aquí este recorrido por la historia del CMS, un crew histórico que marcó un antes y después en el graffiti de Venezuela, primero por su actividad y perseverancia, y luego, por su emigración a Europa realizando piezas y misiones que han servido de inspiración a toda la comunidad latinoamericana.

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    CMS Wild Style

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  • QUIÉNES son 1UP: la CREW de GRAFFITI MÁS FAMOSA del MUNDO

    QUIÉNES son 1UP: la CREW de GRAFFITI MÁS FAMOSA del MUNDO

    La crew de graffiti 1UP, también conocida como One United Power, es una de las más reconocidas y respetadas en la escena del graffiti a nivel mundial.

    1UP ha dejado una huella duradera en el graffiti gracias a su estilo único y su atrevido enfoque. Son una familia, donde la «fuerza en la unidad» es la regla: One Crew, One Love, One Power.

    Los inicios de 1UP.

    Fundada en Berlín, Alemania, en el año 2003 por sólo 3 miembros. Su primer graffiti conjunto lo hacen con una pieza cromada cerca de Kottbusser Tor, en el distrito de Kreuzberg (Berlín).

    La historia de 1UP se remonta a un grupo de amigos apasionados por el graffiti y la cultura urbana. Como ellos mismos reconocen, son una familia que comparte la pasión por hacer graffiti. Con un ADN profundamente arraigado en las calles de Kreuzberg, el equipo se convirtió en una familia global.

    No se conoce exactamente cuántos son sus miembros, aunque ellos mismos comentan que están entorno a los 40. Hay artistas internacionales en el equipo, hombres y mujeres de ciudades de toda Europa.

    Crew-1UP
    Crew-1UP

    Sin embargo, ser parte de los 1UP no es sencillo, porque deben tener varias cualidades y no vale sólo con ser un buen escritor de graffiti.

    La parte física es fundamental, ya que muchas de sus intervenciones son realizadas en lugares arriesgados y con poco tiempo.

    1UP-en-acción
    1UP-en-acción

    Las piezas de 1UP.

    En muchos casos, sus piezas tienen menos que ver con la estética y más con la ubicación. Incluso han llegado a pintar trenes o coches en movimiento o hacer bombardeos callejeros a plena luz del día e incluso pintar techos a alturas vertiginosas.

    Lo que sí sabemos es que sus piezas están cuidadosamente planificadas en equipo, coordinadas y perfectamente ejecutadas.

    1UP_in_Madrid
    1UP_in_Madrid

    El trabajo colaborativo y colectivo con acrobacias espectaculares y acciones logísticamente muy exigentes son parte de la identidad del grupo de artistas anónimos.

    Siempre bajo un mismo objetivo: más allá de los méritos individuales, dar a conocer el nombre de la crew: 1UP, One United Power.

    Una frase que les acompaña siempre es “El espacio urbano es de todos y se puede pintar. El grafiti no es destrucción”.

    Pieza-1UP-Graffiti
    Pieza-1UP-Graffiti

    Su objetivo era llevar sus piezas a nuevas alturas y hacerse un nombre en la escena internacional. Y lo han conseguido… A lo largo de los años, han demostrado su valía y se han ganado un lugar destacado en el mundo del graffiti.

    1UP en el mundo

    Han dejado su huella en trenes, edificios abandonados, puentes y otros espacios urbanos, desafiando las restricciones y convenciones. A lo que sumamos piezas en los lugares más inaccesibles e imposibles de las ciudades: techos, paredes, azoteas, salientes, chimeneas, fábricas abandonadas, túneles… y no sólo en Berlín, su ciudad origen, donde su firma sientes que te persigue al estar presente en todos los lugares.

    Además se han dado a conocer en todo el mundo, pintando en lugares como Tailandia, Portugal, Finlandia, Guatemala, México, Cuba, Brasil, España y Polonia entre otros.

    Lo que hace que 1UP sea especial es su enfoque innovador y su actitud desafiante hacia el graffiti. Son conocidos por su estilo rápido, arriesgado y audaz, que a menudo implica la realización de piezas en lugares de difícil acceso y en superficies desafiantes.

    1UP-Muro-Graffiti
    1UP-Muro-Graffiti

    Una de las características distintivas de 1UP es su habilidad para realizar grandes piezas en poco tiempo. Han ganado fama por su capacidad para cubrir rápidamente áreas extensas con su estilo único y letras impactantes, donde mezclan diferentes técnicas, no importa si es rodillo, spray o ambos.

    Esto ha contribuido a su reputación de ser una de las crews más activas y prolíficas en la escena del graffiti.

    1UP_trainwriting_in_Berlin
    1UP_trainwriting_in_Berlin

    La documentación de sus hazañas.

    Además de su destreza en el graffiti, 1UP también se ha destacado por su capacidad para capturar y compartir su trabajo a través de fotografías y videos.

    Han documentado sus hazañas y han compartido sus actuaciones en las redes sociales, lo que les ha permitido ganar aún más reconocimiento y seguidores en todo el mundo, rozando el millón de seguidores en Instagram.

    Pieza-Graffiti-1UP
    Pieza-Graffiti-1UP

    En 2011, 1UP lanzó la película One United Power, que documenta el trabajo del grupo. Para esta película, el grupo viajó internacionalmente y pintó en París, Estambul y Tailandia, entre otros lugares. El estreno tuvo lugar el 10 de diciembre de 2011.

    En septiembre de 2014, la galería Urban Spree de Berlín exhibió una serie de obras de One United Power bajo el título «I am 1UP».

    Ya en mayo de 2015, Publikat-Verlag publicó la segunda edición del libro ilustrado «I am 1UP».

    Desde mayo de 2018, tienen una exposición itinerante llamada «Una semana con 1UP», que ha estado recorriendo todo el mundo a través de ciudades como Berlín, París, Tokio, Nueva York, Milán, etc., mostrando imágenes creadas como parte de una colaboración con la famosa fotógrafa de graffiti Martha Cooper.

    1UP-Tren-Graffiti
    1UP-Tren-Graffiti

    En 2018, el equipo de 1UP viajó a Atenas/Grecia para pintar un barco abandonado en un naufragio llamado «Mediterranean Sky«. Usando colchones de aire, subieron todo el equipo a bordo para pintar una icónica pieza de 1UP con rodillos en el costado del barco.

    1UP-Wreck
    1UP-Wreck

    La parte política y social.

    En los últimos años, el grupo también se ha vuelto cada vez más activo políticamente y aborda temas de actualidad en todo el mundo. Algunas de las acciones conocidas son un «graffiti submarino» hecho de coral en Bali, el apoyo a la campaña «No dejar a nadie atrás» de la ONG Sea-Watch o un coche entero con motivo del asesinato de George Floyd .

    George_Floyd-1UP-Graffiti
    George_Floyd-1UP-Graffiti

    A inicios de 2023 algunos miembros viajaron a Brasil a Sao Paulo, la cuna del Pixaçao e hicieron algunas piezas conjuntas con pixadores. Aquí puedes ver el vídeo sobre la Pixacao.

    Leave-1UP
    Leave-1UP

    Sin embargo, no todo ha sido fácil para 1UP. A lo largo de los años, han enfrentado desafíos legales y han tenido que superar obstáculos para seguir dejando su huella en la escena del graffiti. Pero su determinación y pasión los ha llevado a seguir adelante y a continuar dejando un impacto duradero en la cultura del graffiti.

    Esto también les ha llevado a tener más de 300 denuncias por la policía berlinesa, convirtiéndose en la crew más perseguida de la ciudad. Pero hasta ahora, su sincronizado trabajo en equipo, la planificación de la video vigilancia y trabajar siempre con guantes y tapándose la cara, hacen que sea muy difícil pillar a ninguno de sus miembros.

    La crew 1UP ha demostrado que el graffiti no se trata solo de marcar territorio, sino que ellos lo consideran expresión artística para dejar una marca en la sociedad.

    1UP_Extintor
    1UP_Extintor

    Hasta aquí este recorrido por la historia de 1UP que con su estilo innovador y su audacia han influido en una nueva generación de graffiteros y han dejado una huella imborrable en la historia del graffiti. A pesar de los desafíos, han demostrado su pasión y determinación por el graffiti.

    Y recuerda: One Crew, One Love, One Power.

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  • QUIÉN es LEE. Leyenda del graffiti de NY.

    QUIÉN es LEE. Leyenda del graffiti de NY.

    En el mundo del graffiti, hay nombres que resuenan más fuerte que otros. Lee Quiñones, también conocido como «LEE», es uno de los grafiteros más influyentes de la historia del graffiti en Nueva York y en todo el mundo.

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    Actualmente, Lee es una figura importante tanto en el mundo del arte contemporáneo como en los círculos de la cultura popular, produciendo un trabajo que está lleno de contenido sociopolítico provocativo. Esta es su historia.

    Los inicios de LEE.

    George Lee Quiñones, nació en Ponce, Puerto Rico en 1960. Lee se mudó con su familia al Lower East Side de Nueva York a los 3 años de edad y comenzó a pintar graffiti en las calles de la ciudad a los 12 años junto con su primo, PHASE 2.

    Lee se convirtió en una de las fuerzas más influyentes en la escena del graffiti de la Gran Manzana durante la década de 1970, donde en los siguientes años pintaría más de 100 vagones de metro completos, en todo el sistema metropolitano de transporte de Nueva York. Fue conocido por ser el primero en ir más allá de la simple escritura en mayúsculas de sus predecesores gracias a la vinculación de las letras de su tag entre sí.

    Mural-Lee-New-york

    Sin embargo, su impacto trasciende las fronteras de Nueva York y se ha convertido en una leyenda en todo el mundo.

    Cuando Lee eligió su nombre para los trenes, decidió no asignarle números ni elementos ornamentales como halos o coronas,  tal y como se hacía en la época.

    Wild_style_still

    La importancia de un tag simple: LEE.

    Escribió su tag para que fuera legible, de modo que tanto otros escritores como el público en general pudieran reconocer su  trabajo dentro de un número interminable de firmas en movimiento que había en esa época.

    Eligió su segundo nombre, LEE, no solo porque era corto e interconectado, lo que resultaba en firmas súper rápidas, sino para crear una apariencia propia que actuara más como una firma al final de algo más grande.

    Firma-Lee
    Evolución de la firma de Lee

    Además, como nos enseña en su propia web, Lee ha seguido evolucionando su firma, teniendo hasta 6 versiones diferentes, donde el trazo y la técnica han ido dejando una firma muy estética.

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    Sin embargo, para esas piezas en los trenes y las paredes, sus letras tuvieron que cambiar de forma. De firmas rápidas y temblorosas pasaron a elementos imponentes.

    Al final, firmar con su nombre no sólo le permitió decir “yo estuve aquí” ante gente que no valoraba ni consideraba su existencia, sino que Lee existía fuera de sus propias obras maestras.

    El estilo de LEE.

    Poco a poco, con su habilidad y estilo únicos, Lee comenzó a ganar reconocimiento y respeto en la escena del graffiti en Nueva York, primero porque seguía las huellas de sus predecesores y también porque respetaba el código fijado por la old school, los pioneros del graffiti.

    Quiñones solía agregar mensajes poéticos en sus piezas, como «El graffiti es arte y si el arte es un delito, por favor, Dios, perdóname».

    rgCooperLee42

    Lee destacó por el uso de letras con una técnica única de sombreado y dimensiones que llamó la atención de muchos. Su trabajo apareció en numerosas exposiciones de arte y galerías y fue uno de los primeros artistas de graffiti en ser contratado por una marca importante para crear una campaña publicitaria.

    Lee-Graffiti

    Los Fabulous 5.

    Durante la década de 1970, Lee se convirtió en un miembro importante de la crew de graffiti «Fabulous 5«, donde conoció a Fab 5 Freddy, quien lo llevó al centro de Nueva York y le presentó a galeristas, músicos y artistas plásticos.

    The Fabulous 5 destacó por su estilo de graffiti innovador, que combinaba técnicas de letras y personajes para crear piezas únicas y llamativas. Además, la crew a menudo trabajaba en conjunto para crear grandes murales, lo que se convirtió en una característica distintiva de su trabajo.

    EARTH_IS_HELL_ROUND-Lee-tren-graffiti
    EARTH_IS_HELL_ROUND-Lee-tren-graffiti

    A finales de 1975 Lee pintó su primer tren largo, alrededor de 13 metros y meses después, en noviembre de 1976, pintó una de sus obras maestras: diez vagones completos, donde Lee fue el principal escritor en uno de los primeros trenes que circuló en Nueva York, junto con DOC, MONO y SLAVE, los miembros principales del equipo de The Fabulous Five, que también incluía a DIRTY SLUG.

    La crew también fue conocida por su papel en la popularización del graffiti en la cultura popular. Varios de sus miembros, incluido Lee, aparecieron en el documental de 1983 «Style Wars», que ayudó a exponer el graffiti a una audiencia más amplia y popular.

    Lee en los medios de comunicación.

    Lee también aparece en el video «Rapture» de Blondie y en la película «Downtown 81» sobre Jean Michel Basquiat.

    Además Lee pintó el famoso anfiteatro que sale en la película “Wild Style”, donde el propio Lee y Lady Pink tuvieron el papel de protagonistas de la mítica película de graffiti, momento en el que eran pareja tanto en la vida real como en la película. Wild Style sirvió como modelo para los movimientos emergentes de hip hop, graffiti y street art y para dar visibilidad a la exposición en galerías y el futuro del movimiento.

    Lee-Graffiti-Nueva- York

    En 1978, Lee pasa la mayor parte de las noches al pie del puente de Brooklyn, transformándolo en una galería de arte a cielo abierto, llegando a comentar “Mi idea era crear arte sin referencias a la historia del arte tradicional, porque mi obra también era una página de esta historia y la estaba escribiendo”.

    El trabajo de Lee se caracteriza por la representación de personajes como extraterrestres, robots y animales fantásticos, así como por la creación de paisajes urbanos imaginativos y coloridos. Se inspira en la vida cotidiana y en la cultura popular. Y Su paleta de colores evoca a menudo a la naturaleza  colores como el ocre tierra, azul, celeste- y el conjunto es en general más neutro que el usado por otros escritores.

    Su pintura es el cruce de la cultura hip hop y el rock punk, donde suele incluir sus famosos mensajes o alegorías. De hecho, la aparición de numerosos figuras humanas en su obra hace recordar a la tradición de los muralistas de México y América del Sur.

    Lee llega a las galerías.

    Además del graffiti, Lee también trabajó en proyectos de arte público, creando murales en edificios y espacios públicos en todo el mundo.

    A finales de 1979 el marchante de arte italiano Claudio Bruni adquirió varias piezas de lienzo de Lee, lo que generó su primera exposición en la Galería Medusa de Roma con tan solo 19 años. Para la gente de fuera de Nueva York, era su primera incursión con el graffiti.

    Un año después Lee tuvo su primera exhibición en Nueva York en White Columns, marcando el comienzo de una era importante cuando la pintura en aerosol hizo la transición de objetos en movimiento a lienzos estacionarios.

    Su obra fue incluida en la crítica “Times Square Show” (1980); “Éxito del Arte del Graffiti para América en Fashion Moda” (1980); el show “New York/New Wave” (1981) en PS1; y, en “Documenta #7” en Kassel, Alemania (1983).

    Lee-Pintando-mural

    Sin embargo, Lee continuó trabajando en su arte y eventualmente regresó al mundo del graffiti y del arte público.

    Exhibiciones de Lee por todo el mundo.

    Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.

    Además, Lee ha tenido exposiciones individuales en MoMA PS1, Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Fun Gallery, Barbara Gladstone, Galerie Rudolf Zwirner, Lisson Gallery, Barbara Farber y Nicole Klagsbrun, entre otros.

    Cuadro-Lee-Quiñones
    Cuadro-Lee-Quiñones

    Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.

    Hoy en día, Lee, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York,  es considerado una leyenda del graffiti y ha influido en la próxima generación de artistas de graffiti en todo el mundo.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Lee que por su creatividad, técnica y estilo y su intenso trabajo en el metro de Nueva York ha dejado una huella duradera en la historia del graffiti y el arte urbano.

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  • QUIÉN es SEEN. El padrino del graffiti de NY.

    QUIÉN es SEEN. El padrino del graffiti de NY.

    Seen es una de las leyendas del graffiti de Nueva York de los 70s y 80s.

    Su intensa actividad en los trenes, con numerosos top to bottom, su aparición en el documental Style Wars o en el libro “Subway Art” hizo que fuera uno de los más escritores más famosos de la época junto a LEE, Lady Pink, Zephyr o Dondi.

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    Sin embargo, Seen no fue uno de los pioneros del género como Julio 204, Cornbread o Taki183, sino más bien uno de los impulsores de la enorme popularización del graffiti a nivel mundial con numerosas exposiciones y piezas que llegan hasta el día de hoy. Esta es su historia.

    Los inicios de SEEN.

    Nacido en 1961 en el barrio del Bronx de Nueva York, Richard Mirando, alias SEEN, es conocido como el padrino del graffiti (Godfather of Graffiti).

    Fue uno de los escritores más precoces y utiliza su primer bote de spray con 9 años en el garaje de su tío, justo detrás del depósito de trenes de Lexington Avenue de la línea 6.

    Seen-Graffiti-Train
    Seen-Graffiti-Train

    Tan sólo 2 años después pinta su primer tren, tenía sólo 11 años, lo que corrobora el componente adolescente del graffiti de firma de Nueva York en esa época.

    Su aparición constante en el metro de Nueva York llega en 1973 con 12 años, momento en el que elige su tag de Seen, llegando a pintarlo en todas las líneas de metro, sobre todo en la 2, la 5 y la 6.

    Seen-Subway-Art
    Seen-Subway-Art

    El líder de una generación.

    En esos años pinta sin descanso y se aficiona a los top to bottom, trenes pintados de arriba a abajo, por lo que logra rápidamente una gran popularidad gracias a su destreza, pero también al tamaño de sus impresionantes obras.

    Además comienza a ganar reconocimiento por haber inventado e impulsado un gran número de estilos, sentando las bases fundamentales e inspirando a generaciones enteras.

    Su nombre y sus piezas son transportados por toda la ciudad en los trenes que cada día toman cientos de miles de personas. Su estilo único, su creatividad y su tenacidad lo establecen como uno de los líderes del movimiento del grafiti neoyorquino de la década de 1980.

    Seen-Graffiti-Tren-Mickey-Mouse
    Seen-Graffiti-Tren-Mickey-Mouse

    En 1982, el documental Style Wars de Tony Silver y Henry Chalfant lo convierte en un icono del movimiento en el resto del mundo. Aparece en múltiples documentales y películas sobre grafiti y en libros clásicos como Subway Art.

    La crew United Artists (UA).

    Hay que resaltar que Seen pertenece a la crew «United Artists» (UA), fundada en el Bronx en 1979.

    Este grupo se ganó la reputación de ser uno de los más osados y sorprendentes, al crear piezas  de graffiti en vagones completos de los trenes del metro y otros espacios públicos de la ciudad. En esta crew de Seen figuraban otros grandes artistas callejeros como Duster, Pjay, Mad, Sin, QUIK y SHARP.

    Seen-Graffiti-piece
    Seen-Graffiti-piece

    A lo largo de los años, la UA se expandió y atrajo a otros artistas talentosos, convirtiéndose en una de las crews de graffiti más grandes y respetadas de Nueva York.

    Además de su impresionante trabajo en trenes y edificios públicos, la UA también organizó exposiciones de arte y eventos de graffiti, y fue fundamental en la creación de la reconocida exhibición de graffiti «Beyond Words» en 1984.

    BeyondWordsPoster
    BeyondWordsPoster

    Primeras exposiciones de graffiti.

    Esta exposición fue una muestra histórica que tuvo lugar en la Tony Shafrazi Gallery de Nueva York con gran variedad de obras de arte urbano, desde simples grafitis hasta grandes murales.

    Fue una de las primeras veces que el graffiti se presentó en una galería de arte de renombre. Este evento atrajo mucha atención de los medios de comunicación y del público en general, lo que ayudó a aumentar la conciencia y la aceptación del graffiti como forma de arte.

    La muestra presentó obras de algunos de los grafiteros más importantes y conocidos de la época, incluyendo a Seen, Futura 2000, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat o Dondi.

    Basquiat-Haring-Warhol
    Haring, Warhol y Basquiat

    Además de presentar obras de algunos de los escritores y artistas más influyentes de la época, «Beyond Words» también contó con una serie de eventos en vivo, que incluyeron demostraciones de graffiti y talleres para jóvenes artistas urbanos.

    Estos eventos ayudaron a aumentar la conciencia y el respeto por el graffiti como forma de arte legítima y a la creación de nuevas obras de arte urbano.

    El estilo de Seen.

    A menudo apodado el hombre que inventó el graffiti moderno, SEEN se enorgullece de tener un nombre fácilmente reconocible, mientras que su estilo está en constante evolución.

    En esa época pintaba con colores brillantes y sus obras son el reflejo de los años 80, con fuertes contrastes y grandes zonas sólidas y con una realización perfecta. Además, SEEN se expresa con el espray con una facilidad sorprendente.

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    Seen-graffiti-in-LA-CA-photo-credits-Ordinary-Madness-86

    Su tag resulta de lo más adecuado puesto que representa uno de los grandes objetivos del graffiti: ser visto.

    A medida que su fama crecía, SEEN comenzó a expandirse y pintar sus grafitis en edificios y otros lugares prominentes de la ciudad, lo que lo convirtió en uno de los primeros grafiteros en llevar su trabajo más allá del sistema de tránsito de Nueva York.

    Seen y la historia del cartel de Hollywood.

    En 1983, SEEN viajó a Los Ángeles para pintar en la pared lateral del famoso club de música Hollywood Palladium. SEEN pintó un mural espectacular que presentaba una serie de letras en negrita y un personaje llamado «Hand of Doom», que se convirtió en una de sus marcas registradas.

    La obra era tan llamativa que llamó la atención de la ciudad y de la industria del entretenimiento, y pronto se convirtió en uno de los murales de graffiti más famosos y reconocidos en todo el mundo.

    Desafortunadamente, en la década de 1990, el mural de SEEN fue cubierto con pintura blanca después de que el Hollywood Palladium fuera vendido a un nuevo propietario. Sin embargo, en 2019, el mural fue restaurado y se volvió a pintar en su ubicación original. La restauración fue posible gracias a un esfuerzo colaborativo entre el dueño actual del Hollywood Palladium, Live Nation, y el artista de graffiti y coleccionista Roger Gastman.

    Hollywood-Seen-LA-graffiti
    Hollywood-Seen-LA-graffiti

    Otro hecho importante en la carrera de SEEN fue cuando en verano de 1985, SEEN pintó su nombre con unas enormes letras de imprenta en el cartel de Hollywood, Los Ángeles. Algo que tuvo una gran repercusión en Estados Unidos por su atrevimiento.

    Galerías y tatuajes.

    Seen comenzó a trabajar sobre lienzo en la década de 1980 y ahora sus obras son exhibidas en galerías y comprados por museos y coleccionistas privados de todo el mundo. Por ejemplo galerías de Tokio, Londres o Madrid.

    Si bien los trabajos de Seen eran muy cotizados y tenían muy buena reputación en Europa, siguió haciendo graffitis en el metro de Nueva York hasta 1989.

    SEEN-Expo-Graffiti
    SEEN-Expo-Graffiti

    Después de 16 años de pintar trenes, comenzó a sentir que el graffiti estaba perdiendo fuerza, por lo que abrió la popular sala de tatuajes: Tattoo Seen en Nueva York, que se convirtió en uno de los estudios de tatuajes más famosos en poco tiempo.

    El estilo de Seen en la actualidad.

    A lo largo de su carrera, SEEN ha creado obras de arte impresionantes en una variedad de superficies, desde paredes y trenes hasta camisetas y discos de vinilo.

    Su estilo característico, que a menudo presenta letras y personajes altamente estilizados y detallados, ha sido una inspiración para muchos otros artistas de graffiti y ha influenciado en la cultura hip hop en general.

    Entre sus trabajos más recientes de la actualidad hay que mencionar el uso de efectos 3D en esculturas, un área en el que Seen no hace más que aplicar todos sus conocimientos y habilidades de diseño para construir increíbles formas y figuras.

    En la actualidad, SEEN no solo es conocido por su arte en sí mismo, sino también por su papel como mentor y defensor de los jóvenes artistas de graffiti. Ha enseñado y guiado a muchos grafiteros jóvenes a lo largo de los años, y ha luchado por la legitimidad y el reconocimiento del graffiti como forma de arte.

    Seen es uno de los grandes personajes del arte del graffiti neoyorquino que ha pasado a la historia y ha sabido ganarse un lugar en el mercado del arte.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Seen que con su intenso trabajo en el metro de Nueva York fue una inspiración para todas las generaciones posteriores y que además supo transicionar de las firmas y piezas de graffiti al mundo del arte dejando su obra en exposiciones y galerías de todo el mundo.

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