Categoría: Quién es

  • QUIÉNES son UTAH y ETHER

    QUIÉNES son UTAH y ETHER

    Utah y Ether son una de las parejas de graffiti más famosas del mundo. Son conocidos principalmente por su graffiti ilegal, que les ha llevado a pintar trenes en más de 30 países en 5 continentes.

    Sus continuos pasos por prisión en varios países, sus problemas con la justicia en Estados Unidos, su documentación con vídeo, foto e imagen de cada acción y su peculiar estilo de Bonnie and Clyde los encumbró a la fama mundial.

    Utah-y-Ether
    Utah & Ether

    Utah y Ether rompieron las reglas y desafiaron todos los límites. Generando un gran impacto en las redes sociales y en las personas. Esta es su historia.

    ¿Quién es Utah?

    Lo primero es conocerlos a título individual para luego hacerlo como pareja.

    Comenzamos con Danielle «Utah» Bremner, nacida en 1982 en Bayside, Queens, Nueva York.

    Su madre trabajaba como maestra de secundaria en Bayside y su padre, casualmente, como policía de la ciudad de Nueva York. Danielle lo que más recuerda de su infancia es que creció rodeada de grafitis. Formaban parte del paisaje de la ciudad de Nueva York, sobre todo espacios por llenar y piezas en los tejados y trenes.

    Danielle-Utah-Bremmer-Graffiti
    Danielle-Utah-Bremmer

    Estudió en la Universidad de York en Toronto y luego en el Instituto de Tecnología de la Moda de Nueva York.

    En ambos lugares comenzó a pintar graffitis de forma activa, de hecho en Toronto fue arrestada y condenada en varias ocasiones. Una por pintar en el lateral de la Facultad de Arte y Diseño de Ontario y otra por pintar los trenes pertenecientes a la Comisión de Tránsito de Toronto.

    Años más tarde, en Nueva York numerosas personas consideraron a Utah como la escritora de graffiti más activa en la ciudad y quizás en el país.

    Sus firmas de grafiti variaban entre «Utah», «Dani» y «Erin».

    Utah-Graffiti
    Utah-Graffiti

    ¿Quién es Ether?

    En cuanto a su pareja. Jim Clay «Ether» Harper VI nació en 1985 en Illinois, cerca de Chicago.

    Su padre que trabajaba como corredor de bolsa en Morgan Stanley, murió en 2004 cuando él tenía sólo 20 años.

    Sus primeros recuerdos del graffiti provienen del depósito de trenes de Linden (La Autoridad de Tránsito de Chicago) y la observación de los graffitis en los trenes que habían pintado por la noche.

    Utah-y-ether-tag
    Utah-y-ether-tag

    Comenzó a hacer grafiti cuando estudiaba en la Universidad Estatal de Bowling Green en Ohio, donde comenzó a usar el tag de “Ether”. Y ya en 2005 consta que dejaba su firma «Ether» y «MUL», en los vagones del metro MBTA en Boston durante varios meses seguidos.

    Se convirtió en parte de la crew MUL («Made You Look»), con sede en Chicago, pero que incluía miembros en varios estados. Entre ellos Utah que viajó a Chicago en 2005 para pintar el sistema Metro Link de St. Louis. Se conocieron por un amigo común tras mudarse ella un año antes a Chicago.

    Graffiti-Utah-Ether
    Graffiti-Utah-Ether

    Primeros viajes de Utah y Ether

    Pronto, los dos, Utah y Ether, harían juntos numerosos viajes para pintar grafitis por los EE. UU., durmiendo en el coche de Bremner. En esos días, pintaban como MUL, pero también con su firma de Utah y Ether.

    En mayo de 2008, Bremner y Harper, ya siendo pareja artística y personal, se embarcaron en una denominada «juerga de graffiti» que los llevó durante tres meses a varios países de Europa.

    Pusieron sus firmas y piezas de grafiti, «Ether» y «Dani» o «Utah», en vagones de tren de Londres, Madrid, París, Frankfurt o Hamburgo. Sin embargo, no sospechaban lo que les vendría posteriormente…

    Utah-Ether-Graffiti-pieza
    Utah-Ether-Graffiti-pieza

    Primer arresto de Utah y Ether.

    En su ausencia, en julio de 2008, la policía registró el apartamento de Bremner en Queens. Encontraron más de 450 latas de pintura en spray y fotografías Polaroid y digitales de sus piezas en los trenes del metro de la ciudad de Nueva York.

    Cuando la pareja regresó a los Estados Unidos en agosto, ambos fueron arrestados.

    Se enfrentaron a cargos de $100,000 dólares en daños por grafiti en cuatro de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York y 20 cargos de vandalismo en el Bronx.

    Después de este arresto, el periódico Newsday los llamó «los Bonnie y Clyde del mundo del graffiti». Un apodo que luego sería repetido por muchas otras fuentes y que llega hasta hoy.

    Entrada en la cárcel de Utah

    Finalmente, Utah se entregó a las autoridades de la ciudad de Nueva York en abril de 2009. En julio fue sentenciada a seis meses de cárcel y una multa de $10,000 dólares por vandalismo en la ciudad de Nueva York.

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    Free_Utah_by_Claw_Money

    Cumplió su sentencia en Rikers Island. Sobre lo cual informó, a través de su compañero artista de graffiti convertido en diseñador de moda Claw Money, el cual también pinto varias piezas en su apoyo con el lema: FREE UTAH.

    Después de ser liberada de Riker’s Island, Bremner fue juzgada nuevamente en septiembre de 2009 en Boston. Allí se declaró culpable de 13 cargos de vandalismo y fue sentenciada a otros seis meses de prisión. Más otras cinco cifras de restitución, una evaluación de salud mental y cinco años de libertad condicional, supervisada por las autoridades de Nueva York, durante los cuales se le prohibiría regresar a Boston.

    La comparativa con Obey.

    Los abogados defensores y los grafiteros consideraron que la sentencia a ambos era demasiado dura. Especialmente en comparación con una sentencia de libertad condicional de dos años impuesta meses atrás al reconocido artista Obey (Shepard Fairey); sin embargo, los fiscales dijeron que eso reflejaba la dificultad de eliminar los grafitis pintados en lugar de las pegatinas y posters de Obey.

    Por otra parte, Ether cumplió una sentencia de seis meses en Riker’s Island en la primavera de 2010. Luego fue liberado y en julio se declaró culpable de siete cargos de vandalizar trenes MBTA de Boston en 2005. También fue sentenciado a seis meses de prisión, un pago de $ 10,000 y un año de libertad condicional.

    Cuando fue puesto en libertad, ambos hablaron sobre las condiciones de su libertad condicional, que les prohibían incluso poseer pintura o rotuladores. Era algo insostenible, así que decidieron dar un cambio y buscar otra vida en el extranjero.

    Lanzamiento de la web oficial de Utah y Ether.

    En enero de 2011 decidieron fusionar sus sitios web en uno sólo y lanzaron utahether.com, donde contarían sus aventuras y podrían vender sus libros y proyectos.

    En Mayo de 2011, Utah y Ether decidieron romper su período de libertad condicional y se lanzaron a lo que llamaron “Probation vacation” (Vacaciones de libertad condicional) un viaje de más de 5 años que los llevó a más de 30 países entre Europa, Asia, África o Sudamérica para pintar tanto en trenes como en paredes.

    Utah_Ether_Visah_Tahoe,_in_Bangkok
    Utah_Ether_Visah_Tahoe,_in_Bangkok

    Durante ese período, de 2011 a 2016, se les pudo ver en acción en numerosos lugares, donde destaco algunos momentos.

    Probation Vacation en Asia.

    Estuvieron pintando los trenes MTR de Hong Kong entrando a los depósitos después de cortar alambre de púas. Su acción provocó mejoras en las cercas, patrullas y vigilancia.

    Pintaron un tren de Taiwán en el depósito de Beitou, cerca de la estación de metro de Fuxinggang.

    Durante su estancia en Singapur, la pareja cortó alambradas y pintó los trenes SMRT de Singapur en Bishan Depot. La curiosidad viene porque el método exacto no se conoció hasta que publicaron el vídeo en 2016.

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    UTAH_ETHER_sticker_

    En 2012, el artista finlandés Sauli Sirviö realizó un video documental llamado, Never Going Home, sobre el viaje sin fin de Utah y Ether, centrándose en sus hazañas en Japón en 2011. El documental narra la vida cotidiana de dos amantes en un mundo propio como forasteros, en una cultura extranjera y que sólo tienen el arte como única propiedad.

    Probation Vacation en Australia.

    En abril de 2016, Utah y Ether volaron a Melbourne desde los Emiratos Árabes Unidos y, en cuestión de días, comenzaron a crear grafiti por toda la ciudad australiana. Sin embargo, un nuevo incidente en tierras australianas rompió todo el plan.

    Ether, que estaba con otro grafitero australiano, tuvo un encontronazo al colocar algunas pegatinas frente a las tiendas en Brunswick Street, Melbourne. Finalmente llegó la policía y Ether fue encontrado con un cuchillo y acusado de múltiples cargos relacionados con el asalto, el vandalismo de las tiendas de Brunswick Street y de los trenes en cuatro suburbios de Melbourne.

    En Mayo de 2016 fue encarcelado por seis meses y cumplió su condena en la prisión de Port Phillip.

    Finalmente fue deportado a los Estados Unidos cuando fue liberado en 2017, con la expectativa de que sería encarcelado por violar la libertad condicional, pero no fue arrestado y, en cambio, pudo salir nuevamente del país.

    El libro Probation Vacation: Lost in Asia

    Finalmente Probation Vacation: Lost in Asia se lanzó como un libro de edición limitada y una serie de 12 videos disponibles gratuitamente en mayo de 2016, luego del arresto de Ether. Esta serie abarcó 11 países y 37 ciudades.

    En 2019 lanzaron otro Probation Vacation en esta ocasión con destino El Caucaso, documentando los viajes de Utah & Ether por las ciudades principales de Georgia, Armenia y Azerbaiyán.

    Tras todos estos acontecimientos, la actividad de Utah y Ether fue disminuyendo, al menos públicamente o a través de sus redes sociales, pero lo que hicieron forma parte de la historia del graffiti, en su forma más ilegal.

    Podéis seguirlos en su web utahether.com y en sus redes sociales.

    Hasta aquí este recorrido por la historia de Utah y Ether que con sus firmas y piezas de graffiti por todo el mundo revolucionaron las redes sociales y marcaron un antes y después en cuanto a las consecuencias de pintar graffiti ilegal.

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  • 12 COSAS que NO SABÍAS de BANKSY

    12 COSAS que NO SABÍAS de BANKSY

    ¿Quién es Banksy? Esa es la gran pregunta que todo el mundo se hace… hay teorías de todo tipo, que si es Robin Gunningham, un ciudadano de Bristol o Robert Del Naja, el cantante de Massive Attack, incluso se ha hablado que Banksy es en realidad un colectivo de 7 artistas o el mismísimo Damian Hirst. Sin embargo, todo esto son hipótesis, no certezas.

    Lo que sí tenemos claro, porque se han demostrado con hechos y las ha confirmado el propio artista son:

    12 cosas que debes saber y quizás no sabías sobre Banksy.

    1.- Las ratas de Banksy

    Las famosas ratas y su estilo de plantilla (o estarcido) no es algo original de Banksy, sino que el creador fue el artista francés, Blek le Rat, alias de Xavier Prou, que en los años 80 invadió París con estas creaciones. La relación entre ambos artistas, pese a que Banksy ha reconocido la influencia de Blek, nunca ha sido buena, porque el artista francés considera que se ha apropiado de su estética y estilo sin el debido reconocimiento. Aquí destacamos una frase que siempre dice Banksy:

    Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, encuentro que Blek le Rat lo había hecho también. Sólo que 20 años antes.

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    Blek Le Rat

    2.- Los cuadros de Banksy

    Banksy es famoso por sus plantillas realizadas en la calle, pero realmente sus grandes éxitos y por las que ha ganado millones de dólares son cuadros, muchos de ellos subastados recientemente, pero pintados hace varios años. Así el cuadro más caro vendido hasta la fecha pintado por el artista es “Devolved Parliament”, un lienzo de grandes dimensiones, 4,2m por 2,5 m, donde se ven a unos chimpancés en la cámara de los comunes del parlamento británico y que fue vendido, en Octubre de 2019, por casi 11 millones de euros en la casa de subastas “Sothebys”.

    3.- Banksy y los Simpsons

    En 2010, Banksy dirigió la famosa escena de apertura e inicio de Los Simpsons. En la cual se puede ver su nombre escrito en varios carteles de Springfield, a Bart escribiendo en la pizarra sobre que no debe pintar en los muros o la parte más espectacular tras sentarse la familia amarilla en el sofá. Aquí, podemos ver una fábrica asiática donde trabajadores hacen plantillas de los Simpsons en cadena o una rata, símbolo del artista, moviendo un hueso y orientándonos para ver cómo se realiza el merchandising de la serie con animales.

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    ▶️ Ver en Youtube

    ¿Cómo reconocer una obra original de Banksy?

    Actualmente, sólo existen dos métodos de verificación fiables para saber con certeza si una obra es de Banksy o no: su web y su Instagram. Si el artista no la publica allí, podemos considerar que no es auténtica, porque como podéis imaginar son cientos los imitadores del famoso artista callejero. Antiguamente la forma que empleaba el artista para hablar sobre sus obras y su localización era la publicación de libros, siendo el más famoso Wall and piece, editado en 2005.

    5.- Banksy en Instagram.

    Siguiendo con las redes sociales, Banksy, un maestro en la difusión de su obra en los medios, sólo usa Instagram, donde tiene más de 10 millones de seguidores, sin embargo no tiene Facebook ni Twitter como él mismo indica en la descripción de su cuenta. Y, lo más curioso aún, no sigue a nadie.

    Tiene un canal de Youtube, Banksyfilm con 76.000 suscriptores donde suele subir un vídeo al año, aunque en estos meses por las circunstancias excepcionales ha subido varios.

    6.- Un viaje fugaz a Barcelona.

    A día de hoy Banksy no tiene ninguna obra en España, pero gracias a la publicación de sus libros, sabemos que sí que las tuvo en Barcelona en 2002 como él mismo reconoce en su libro “Existencilism”, la unión de existencialismo y stencil (plantilla en inglés). En ese viaje a la capital catalana pintó varias obras con plantillas en el centro de la ciudad y luego intentó hacer una intervención en el Zoo de Barcelona, donde sólo pudo dejar su nombre y apenas un par de rayas negras en algunas jaulas de los monos.

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    Banksy-en-Barcelona

    7.- Banksy en México.

    En 2001, Banksy realizó un mural y varias obras en Chiapas, México, cuando viajó como miembro del equipo de fútbol de Bristol: The Easton Cowboys & Cowgirls, un colectivo que nació en 1992 en Bristol y que a través del fútbol, intenta cambiar la realidad social a nivel global. Esta historia fue relatada en el libro “Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls” por Will Simpson, integrante del equipo y que relata (y documenta con fotografías) como un joven Banksy ejerció de portero en el partido y que pintó varios murales alusivos a la situación en México, la identidad de los zapatistas y el fútbol.

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    Banksy en Chiapas (Mexico)

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    Los muros fueron pintados con la leyenda «A la libertad por el fútbol», «Zapata vive» y «Resistencia», donde predominan el negro y rojo, colores que identifican a la causa del EZLN.

    8.- Banksy en los museos más famosos del mundo.

    Banksy ha colocado su obra, de forma ilegal, en varios de los museos más importantes del mundo. Así la Tate Modern de Londres, el MOMA de Nueva York, donde incluyó el retrato de una mujer de época que llevaba una máscara anti-gas, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York o el Museo Británico de Londres han tenido un cuadro de Banksy de forma temporal entre su colección. Donde, por supuesto, no ha faltado, una crítica hacia el mundo del arte.

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    Intervención en el Moma

    9.- La niña con el globo.

    Una de sus obras más famosas, la niña con el globo, fue subastada en 2018 y se autodestruyó tras ser subastada por 1,18 millones de euros. El propio Banksy difundió una fotografía en Instagram y publicó el vídeo del momento en que el lienzo se hace trizas al pasar por una trituradora de papel instalada en la parte inferior del marco.

    ¿Una genialidad del artista o algo preparado de ante mano? Esa duda siempre quedará ahí. Porque Sotheby´s decidió venderla igualmente bajo otro nombre “Love is in the bin” (Amor en la papelera), al considerar que se había creado otra nueva obra de arte durante el proceso de destrucción.

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    Love is in the bin

    ¿Y por cuánto se vendió finalmente? Por el triple de lo previsto, más de 3 millones de euros.

    10.- Dismaland.

    En 2015, en Inglaterra, creó Dismaland, su particular versión de los parques de Disney, un lugar inapropiado para niños y que fue creado en colaboración con otros 58 artistas. En definitiva, un parque temático convertido en exposición, donde se pudieron encontrar obras inéditas de artistas como Damien Hirst, Jenny Holzer y Jimmy Cauty, además de Banksy. Y como todos los parques Disney y éste no iba a ser menos, Banksy dedicó el de Dismaland a una princesa: la elegida fue la princesa Diana en la figura de Cenicienta.

    El recinto estuvo abierto durante 36 días y se dice que todo el dinero recaudado fue donado a fines de caridad, sin embargo, se conoce que muchas personas se lucraron del evento, revendiendo las entradas por internet a elevados precios aprovechando la limitación de días de apertura.

    11.- Hotel Walled off.

    11.- El hotel Amurallado. En marzo de 2017 se inaugura el hotel “Walled Off”  en la ciudad palestina de Belén. Con un eslogan que lo anuncia como el hotel con «las peores vistas del mundo», se encuentra ubicado frente al muro de separación israelí de Cisjordania. Todas sus habitaciones están decoradas por Banksy, y su objetivo declarado es tanto atraer turistas a la ciudad como exponer obras de artistas palestinos a un público internacional e israelí.

    12.- Damian Hirst y Banksy.

    Mucho se ha hablado del documental “Exit through the gift shop” (salida por la tienda de regalos) de Banksy, el cual ya os recomendamos en el canal, pero sobre lo que no se habla tanto es de su espectacular recaudación: más de 5 millones de dólares hasta la fecha, una cifra que de nuevo pone en duda el carácter anticapitalista del artista. Hecho que también se puso en duda al colaborar con unos de los artistas contemporáneos más polémicos y que más dinero mueven en el mundo: Damian Hirst.

    Juntos crearon una obra llamada Keeping it Spotless, algo así como “Manteniéndolo impecable” un cuadro de Damien Hirst sobre el que Banksy grabó la imagen de una empleada de hotel. Fue vendido en Sotheby’s New York en 2008 por casi 2 millones de dólares y que hasta la venta de “niña con el globo” era el record del artista.

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    Keep-it-spotless

    Hasta aquí este artículo sobre las 12 cosas que deberías saber sobre Banksy, os recordamos que además podéis ver nuestras recomendaciones sobre películas y documentales sobre Banksy, el artista de Bristol y que os acercará un poco a su enigmática figura.

    https://www.youtube.com/watch?v=vMrz8shr0bg

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  • ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    Os Gemeos ó Os Yemeos es la unión artística de los gemelos Otavio y Gustavo Pandolfo, nacidos en Sao Paulo en marzo de 1974, en el barrio de Cambuci, en el sur de la ciudad. Un barrio humilde, que con la industrialización de Brasil, vio cómo se instalaban diversas fábricas entre sus calles. En ese entorno, comenzaron a crear sus propias obras, que siempre se ha mantenido en la reivindicación social.

    Sus figuras son un retrato poético del universo brasileño que al mismo tiempo se podrían encontrar en cualquier ciudad grande del mundo.

    Los inicios de Os Gemeos.

    Los gemelos definen la calle como la mejor escuela para la gente y así cuando llegaban del colegio se iban a descubrir que pasaba en el barrio, entrando en contacto con apenas 9 años con el mundo del graffiti. Era el año 1983 y ya pintan sus primeros personajes juntos en la pinacoteca de Sao Paulo, donde también usaron por primera vez un spray. De ahí su siguiente contacto sería con la cultura del hip-hop que comenzaba a llegar a Brasil.

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    1983

    Era 1985 y en el país se produce un gran cambio con el fin de la dictadura militar y la consecuente apertura de fronteras, conocimientos y nuevas culturas. Esto les permite entrar de lleno en contacto con el rap y el breakdance, cuyo epicentro es la estación de Sao Bento, en el metro de Sao Paulo, donde decenas de jóvenes venidos de toda la ciudad acudían y nuestros protagonistas comenzar a bailar y a bailar, de hecho fueron break dancers antes que grafiteros.

    En esos momentos, el break dance entra con fuerza en el país, destacando figuras como Nelson Triunfo, una leyenda en el país.

    Del Break dance al graffiti

    Durante los años siguientes, Os Gemeos combinan el break con el graffiti, creando con sólo 12 años su primer proyecto público de graffiti usando todos los materiales disponibles: pintura de coche, látex y boquillas. El uso de materiales diferentes al spray, era por el alto precio de los botes, así que tocaba buscar otras opciones y reutilizarlas, por lo que el látex fue un gran aliado en sus inicios.

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    Los inicios

    En esos primeros años se influenciaron por el movimiento del graffiti procedente de EEUU, pero también del arte urbano existente en Sao Paulo, que seguía un estilo y escuela diferente, con representaciones más figurativas.

    A finales de los años 80 todos los movimientos urbanos comenzaron a unirse (skate, hip-hop, graffii) y la gente empezó a intervenir en lugares de la ciudad que nadie esperaba. Había llegado la revolución del arte urbano a la calle.

    Sus padres fueron un gran apoyo en esos momentos, lo que les permitió seguir evolucionando y explorar nuevos campos como la escultura, desde muy pequeños. Ellos que querían ser bomberos, pasaron a ser artistas. Y como estaban fascinados con los dibujos animados japoneses, empezaron a investigar cómo conseguir esos escenarios y el empleo de las miniaturas en los mismos. Estaban soñando despiertos para realizar performances en escenarios, algo que les llegaría años después.

    Barry McGee les cambió la vida.

    En 1993, con 19 años, conocen a Barry McGee, figura del graffiti y artista contemporáneo, que estuvo en Brasil 9 meses con un programa de intercambio del instituto de arte de San Francisco.

    Este encuentro permite a OsGemeos conocer nuevas técnicas y, sobre todo, tener fotografías y referencias de cómo evolucionaba el graffiti en EEUU.

    Ese mismo año participan en su primera exposición colectiva en Sao Paulo en la galería MIS. Se avecinaban grandes cosas para los gemelos, que seguían pintando tanto graffiti como ilustraciones.

    A través de McGee como conocen a Allen Benedikt, fundador de 12ozProphet, un fanzine dedicado a mostrar lo mejor del graffiti a nivel mundial, que se terminó convirtiendo en una de las fuentes más confiables para todo lo relacionado al arte urbano. Además, conocieron a Caleeb Nelson, grafitero de Boston, que viajó a Brasil y los entrevistó para la revista en 1998, lo que supuso la presentación oficial de OsGemeos fuera de Sudamérica.

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    12oz-prophet-book

    El salto internacional de los gemelos.

    Es al año siguiente, 1999, cuando dan el salto internacional, con una primera parada en Munich, donde exponen en ISART y Livin Large. Ahí entran en el circuito artístico que les lleva por Europa (París, Hamburgo, Berlín), por Australia, Cuba, hasta que les llega la oportunidad y la explosión definitiva en EEUU.

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    Aryz y Os Gemeos

    Su primera exposición en solitario es en 2003 en San Francisco, desde ahí comienzan a pintar a y exponer por todo el mundo. Desde Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Madrid o Lisboa.

    Todos querían tener y conocer la obra de Os Gemeos, los genios de Sao Paulo.

    En 2006, realizan su primera exposición en solitario en Sao Paulo, en la galería Fortes Vilaza. Combinan todos los soportes: tela, papel, muros, pero con un mismo mensaje.

    Sus personajes, mayormente o con colores vivos, hablan de problemas sociales y políticos, todo ello con una clara influencia de la cultura brasileña y el graffiti.

    Utilizan las galerías y exposiciones individuales para trasladar todo su universo y acércalo a cualquier público, no sólo expertos en arte. Así utilizan instalaciones, esculturas, graffitis, grandes murales o la combinación de todos ellos.

    La presencia internacional de los brasileños seguía creciendo, llegándoles incluso invitaciones para pintar de forma legal y remunerada trenes del metro en Río de Janeiro, Sao Paulo o Porto Alegre. A esto se les sumaban proyectos espectaculares como un castillo en Escocia, el exterior de la Tate Modern en Londres o inmensos murales en Holanda, Estados Unidos, Polonia o Portugal, donde en 2010 realizaron el proyecto “Gigante”, una colaboración con Blu para el festival CRONO.

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    OsGemeos-Blu-Sam3-Lisboa

    El componente social de Os Gemeos sigue vigente.

    Pese a que su fama sigue creciendo, Os Gemeos sigue manteniendo esa relación original con la calle, pintando graffitis y muros sociales siempre que ven la ocasión adecuada, ya sea para hablar de la situación del país o un hecho determinado.

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    Corruption by Os Gemeos

    En 2013, si había que todavía no conocía a los gemelos, les llega otro boom informativo, con una colaboración con Banksy en Nueva York, lo que les llevó a ser portadas de numerosos medios. El año siguiente, 2014, fue muy destacado en su trayectoria con 2 grandes trabajos: un mural de grandes dimensiones (el más grande hasta la fecha para ellos) en Vancouver (Canadá) y el reto de pintar un avión, un Boeing 737, con motivo de la copa del mundo de fútbol celebrada en su país natal.

    Este avión, de la aerolínea GOL, fue utilizado por la selección nacional y se emplearon 1200 botes de spray para el espectacular resultado final.

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    Banksy & Os Gemeos

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    Os Gemeos en Vancouver

    Parallel Connection.

    En 2015 realizan otro gran proyecto, en este caso audiovisual, con la aparición, durante 1 mes de sus animaciones con sus famosos personajes amarillos en todas las pantallas de Times Square. Se tituló “Parallel Connection” y todos los días a las 23:57 se iluminaba su universo visual en el centro de Nueva York, el centro del mundo.

    Durante los últimos años han seguido combinando trabajos de grandes murales por todo el mundo, con instalaciones, exposiciones individuales y eventos de todo tipo, como Flying Pictures, en Alemania.

    Os Gemeos ya se atreven con casi todo y su universo es capaz de ser animado en cualquier circunstancias, ya sea en grandes esculturas, de látex o madera o utilizar el componente digital para dar vida a ese mundo colorido que crearon con sólo 9 años.

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    Os Gemeos en Milán

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    Os Gemeos en Boston


    La historia de Os Gemeos en vídeo.

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  • ¿Quién es ARYZ? Muralismo contemporáneo con raíces de GRAFFITI

    ¿Quién es ARYZ? Muralismo contemporáneo con raíces de GRAFFITI

    Cuando tienes que pasar más tiempo explicando algo que haciéndolo, algo va mal. Aryz

    Detrás de esta frase encontramos a Octavi Arrizabalaga, más conocido como Aryz, nacido en 1988 en California, EE.UU, pero que se traslada con 3 años a una pequeña localidad de Barcelona, Cardedeu, donde desarrolla su infancia y donde comenzó su relación con la pintura primero, con el graffiti después y con el arte desde entonces.

    Infancia y contacto con el graffiti.

    Aryz se cría en un ambiente donde las artes plásticas no eran desconocidas, de hecho estaban muy presentes, así de pequeño su madre le daba pinturas y lápices para que se entretuviera pintando junto con su hermano.

    Ya en plena adolescencia y en el Instituto entra en contacto con la cultura del Hip-Hop que estaba calando fuerte en España. El Break-dance, el rap y por supuesto, el graffiti, comenzaron a revolotear por su vida hasta que un día, tras haber visto películas y libros de graffiti se lanza junto a su grupo de amigos a pintar su primer graffiti.

    El resultado fue un desastre, tanto que ve la necesidad de alejarse de ese grupo inicial y comienza a relacionarse con otros chicos mayores, donde sólo hacía los fondos de las piezas, pero igualmente sintió que ese no era su espacio, no era algo que le hacía feliz.

    Y se lanzó a explorar. Encontrando en los lugares y edificios abandonados un refugio para pintar en grandes superficies y poder alejarse del tradicional Hip-Hop graffiti. Empezaba a encontrar su manera de expresarse.

    Aryz-Graffiti
    Los inicios en el graffiti

    Era 2007 y el uso de colores reciclados, la mayoría tonos pastel para pintar habitaciones, se mezclaban con negros, obteniendo una tonalidad grisácea que le acompañó durante los siguientes años como una pequeña seña de identidad. Pasando, posteriormente, de colores reciclados a colores desaturados.

    Un artista autodidacta.

    Aryz se considera autodidacta, pese a que estuvo en la facultad de bellas artes, terminando en 2011, cuando ya su carrera artística había despegado, porque un año antes, en 2010 le había llegado su primer gran trabajo, con un mural en Italia. La fama de Aryz se fraguaba por sus publicaciones en Internet, donde su estilo comenzó a despertar la atención. Tenía un lenguaje diferente, era arte urbano, pero como él mismo decía con una temática de cosas aburridas y además muy típicas de la historia del arte como bodegones o marinas.

    Algo que incluso llevó después a grandes muros por todo el mundo. La valentía de un artista que decía “no querer llamar la atención” y que, sin embargo, estaba consiguiendo lo opuesto.

    Aryz-St.Dennis-Isla-Reunion
    Mural en Isla Reunión

    En estos primeros años, desafortunadamente, tan sólo recibe el pago de los viajes, materiales y la estancia, eso no lo impide aceptar invitaciones a lugares tan dispares como Italia, Finlandia o la Isla Reunión, cerca de Madagascar, donde dejó una pieza espectacular.

    Colaboración entre Aryz y Os Gemeos. Despegue internacional.

    En septiembre de 2012 le llega una oportunidad única para colocarse en el foco del street art mundial, una colaboración con los brasileños Os Gemeos, de los que ya hablamos en Street Art Málaga.

    El resultado fue un mural de fusión de estilos, entre los coloridos personajes y la crítica de Os Gemeos y la búsqueda del espacio con los huesos y el cuerpo humano de Aryz.

    ARYZ-OS GEMEOS
    Aryz y Os Gemeos

    En los años siguientes, da el salto internacional con una pequeña exposición “Style is the limit” y un gran mural en San Francisco, donde representa a una mujer titulado “Rotten Apples”, manzanas podridas. El lenguaje y el estilo de Aryz se modifica y nos presenta un estilo que podemos ver de forma parecida en Madrid y Oslo en ese mismo año.

    En esta primera etapa, su temática es triste, ahondando en el pesimismo, con barcas varadas, animales sufriendo o esqueletos, que le permite generar huecos y espacios, etc. Estos esqueletos llevados al gran formato en 2013 en Colonia, en Casablanca o en 2014 en Bilbao no deja indiferente a los residentes, es más genera el rechazo de parte de la comunidad, lo que valieron algunas críticas a su trabajo.

    La anatomía llega a la carrera de Aryz.

    De forma paralela al aumento de trabajos en exterior, Aryz comienza a pasar más tiempo en su estudio para explorar otras técnicas, otras formas de expresar. Asimismo, busca adquirir más conocimiento, por medio de la anatomía de animales y personas, como vemos en su estudio, donde almacena desde pequeños esqueletos a recuerdos de sus viajes.

    Otro de los soportes donde ha conseguido un efecto viajero han sido en las barcas, donde pintó las velas para un bello proyecto en Andavadoaka, un pequeño pueblo de pescadores en Madagascar. Y donde además pudo trabajar con la personas de allí.

    Aryz-Barca-Madagascar
    Aryz en Madagascar

    Volviendo a los murales, en 2014 pinta uno en Granollers, muy cerca de su casa, un enorme mural titulado “Priapos y Demter”, el Dios de la fertilidad y la diosa madre. Se va acercando el objetivo de pintar en su pueblo, algo que conseguiría algunos años después.

    Muralismo contemporáneo con lenguaje propio.

    En los años siguientes, 2015-16 su actividad de murales es muy intensa, con trabajos en Detroit, Venezuela, Kiev, Estambul, Camboya o Málaga, donde nos dejó una pieza para el Soho de Málaga.

    Meses después, en un viaje a China, a la ciudad de Chonqing, nos deja una de sus muros más espectaculares, el eje. La representación vertical de un señor rodeado de otras personas en forma de hélice. Se aprecia como el trabajo de investigación y exploración del estudio, va tomando forma en su obra, algo que podemos apreciar por sus publicaciones, donde lo vemos trabajar con lápices de colores, pinceles o el óleo.

    Aryz recupera parte de su origen con grandes bodegones, donde incluso cambia su habitual tonalidad por colores más vivos, como el amarillo de los limones, un color que tenía un poco aparcado, por el impacto negativo que podía generar en el espectador.

    A finales de 2017 por fin le llega la oportunidad de pintar en su pueblo, donde realiza el mural “La Cultura”, a lo que acompañó con otro mural 2 meses después en su antiguo colegio.

    Aryz-chongqing-china-2017
    En Chongqing, China

    Aryz-Vantaa-Finland-Bodegon
    Mural en Vantaa

    Aryz-Cardedeu-España
    Mural de Aryz en Cardedeu (España)

    El estudio de Aryz.

    En 2018 tras un gran mural en Manresa, encontramos que el Aryz de estudio se va encontrando, poco a poco, con el Aryz muralista, así nos deja espectaculares muros en Francia, Austria o Japón, donde incluso cambia su metodología de trabajo, realizando el boceto en los días previos o apoyándose en trabajos anteriores.

    Un año después crea “La Pugna” uno de sus trabajos más ambiciosos hasta la fecha. Una gran exposición en el centro cultural de Ruan, Francia, que acompaña con una enorme instalación en la iglesia de St. Eloi. Y para poner el broche a esto, contó con la actuación de “El Niño de Elche”, músico español, realizando una perfomance espectacular.

    Y llega el 2020, donde su trabajo de murales se ve afectado, lo que le hace incrementar su producción de obras de estudio, algo que Aryz llevaba tiempo queriendo hacer. Ser más selectivo a la hora de elegir los murales y poder crear más obras de interior, de nuevo seguir en el camino de la exploración.

    La-Pugna-Aryz-Niño-Elche
    La pugna

    Lo último que nos deja son dos grandes murales, Violeta en Francia y “Esperando para tener prisa” en Portugal, donde vemos retratos a color, muy cercanos a su trabajo de interior en pequeños cuadros al óleo.

    A estos muros, le suma “Auxilio”, una instalación realizada en su estudio de Cardedeu y trasladada a su ubicación final en Ostende, Bélgica.

    Hasta aquí este artículo sobre la figura de Aryz, un artista especial, un explorador del arte, con un lenguaje propio, cambiante, reflexivo e intenso. No parece haber límites en la capacidad de creación de un artista que transicionó con naturalidad del graffiti al muralismo, al trabajo de estudio o las instalaciones, uniéndolo todo con maestría.

    Aryz-Estudio-Cardedeu


    La historia de Aryz en vídeo.

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  • ¿Quién es OKUDA San Miguel?

    ¿Quién es OKUDA San Miguel?

    Óscar San Miguel, Okuda en el mundo del street art, es un artista multidisciplinar que tiene claro lo que quiere, que ha creado un estilo propio, basado en las formas geométricas y los colores que le permite ser identificado en todo el mundo, desde Ucrania a la Polinesia pasando por EEUU, España, Sudamérica o una ciudad perdida en la India.

    Okuda nació en Santander, España, en 1980, y  comenzó, como tantos otros grandes artistas urbanos, en el mundo del graffiti en su ciudad natal.

    A los 17 años ya buscaba lugares abandonados, principalmente fábricas y vías de tren, donde poder expresarse mediante sus letras. 

    Su interés por diferenciarse le llevó a explorar desde muy joven los efectos 3D, consiguiendo letras con volúmenes y saliéndose de la tipografía tradicional del grafiti. A sus letras les unía calaveras, dibujos animados u otras formas que imaginaba.

    (más…)

  • ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    Suso33 es uno de los pioneros del arte urbano en España, por pasar de las clásicas letras del graffiti a la iconografía con la creación de su famosa plasta. Un artista revolucionario, inconformista y que ahora explora el videoarte, la performance y el light painting. Un verdadero genio.

    Os presentamos a Suso33, nacido en Madrid en 1973 y que lleva más de 30 años de carrera artística por todo el mundo.

    Los primeros pasos de Suso33.

    Suso33 se inicia muy temprano en el mundo del graffiti, con sólo 11 años comienza a dibujar líneas continuas sin levantar el trazo. El artista es zurdo, pero en su infancia le obligaron, por temas educativos-religiosos, a escribir con la derecha, lo que le ha permitido evolucionar a ser ambidiestro y puede pintar con las dos manos de forma sincronizada (y con el mismo nivel de detalle), hecho casi único en el mundo del street art.

    (más…)

  • ¿Quién fue Jean Michel BASQUIAT?

    ¿Quién fue Jean Michel BASQUIAT?

    Os presentamos a Jean Michel Basquiat, uno de los artistas contemporáneos más importantes del siglo XX y que, sin estudios de arte y viviendo en la calle, hizo graffiti y luego arte urbano con el pseudónimo de SAMO. Esto le hizo ganarse una fama sin igual en los años 80 en Nueva York y luego en todo el mundo. Esta es su historia

    No pienso en arte cuando estoy trabajando. Trato de pensar en la vida.

    Infancia de Basquiat.

    Jean Michel Basquiat nace en el año 1960 en Brooklyn, NY, en una familia acomodada, siendo el mayor de 3 hermanos. Su padre era un contable de origen haitiano y su madre, estadounidense de ascendencia puertorriqueña, era diseñadora gráfica.

    Desde los 3 años, Basquiat ya pintaba inspirado por todo lo que le rodeaba: televisión, cómics, coches, ruido, la vida de las calles.

    Basquiat-Infancia
    Basquiat de niño

    Jean Michel, recibe una educación en arte por parte de su familia, principalmente de su madre, que también lo inició en la lectura de literatura poética, incluso le hizo miembro junior del museo de Brooklyn.

    Unos meses después, es atropellado por un coche y pasa un tiempo en el hospital donde encuentra una inspiración que marcaría su vida y su corta carrera artística, su madre le regala el libro de Anatomía de Grey.

    Lo que encontró en su interior, decenas de ilustraciones de biología y anatomía, serían posteriormente una clara referencia en toda su obra de estudio.

    Con 14 años vive un par de años en Puerto Rico, por el cambio de trabajo de su padre. A la vuelta a Brooklyn y tras el divorcio de sus padres, vive una etapa escolar convulsa, con hasta 5 cambios de colegio, pasando de una escuela católica privada a varias escuelas públicas, acabando con 16 años en la City-As-School, un centro escolar para superdotados.

    jean-michel-basquiat-pintura

    La creación de SAMO.

    En la City-As-School donde conoce a Al-Díaz, compañero de clase que le introdujo en el mundo del graffiti. Díaz había sido escritor de graffiti desde los 12 años, firmando como “Bomb-One”, pero tras años escribiendo decidió dejar la escena por falta de motivación hasta que conoció a Basquiat. Juntos se acercaron al mundo de las drogas, el graffiti y las bandas callejeras.

    La estancia de Basquiat en la City-As-School no dura mucho, apenas un año.

    En 1978, justo antes de su expulsión había creado, junto a Díaz y otros compañeros a SAMO, un alter-ego, que en principio estaba diseñado como parte del periódico del colegio, pero que pronto decidió llevar a las calles junto a Díaz.

    SAMO, es el acrónimo de Same old Shit, traducido como “siempre la misma mierda” y que se convirtió en su pseudónimo, aunque más bien era un marca o un personaje.

    En Mayo de 1978, casi coincidiendo con el inicio de SAMO, decide dejar casa de su padre y vivir en las calles por la zona del Low Manhattan.

    Díaz y Basquiat comienzan a escribir SAMO y, posteriormente, sus famosas frases, no sólo por las calles de Manhattan, sino que se encontraba en ascensores, baños e incluso en algunos trenes de la línea de D del suburbano neoyorquino.

    SAMO se hace cada vez más conocido.

    Sin embargo, no era una graffiti de firma, sino que crean un graffiti, social, legible y para todos los públicos. Es más arte urbano que graffiti, por el público al que se dirigen.

    A finales de 1978, Basquiat que seguía viviendo en la calle, comienza su verdadero bombardeo como SAMO en la zona del denominado Soho, el East Village y los alrededores del School of Visual Arts.

    High-School-Pals-Jean-Michel-Basquiat-Al-Diaz-with-SAMO-Wall-Tag

    Frases de Samo-Basquiat
    Frases de Samo-Basquiat

    Las frases de SAMO comenzaron a ser más y más populares, tanto que algunos medios como Soho News publicaron información sobre su aparición, aunque nada se sabía sobre su autores y mucho menos que fueran 2 personas.

    Algunas de las frases más populares de SAMO fueron:  SAMO como fin de la religión, de las políticas que no llevan a ninguna parte y de filosofías falsas o SAMO como alternativa a DIOS.

    Basquiat desvela la identidad de SAMO.

    El impacto de SAMO siguió creciendo, incluso el medio especializado en arte, The Village Voice, escribe sobre él. Su nombre comienza a llamar más la atención, pero se seguía sin saber nada sobre quién estaba detrás.

    1979 fue un año clave para Basquiat y para SAMO, por un lado el filósofo y artista, Henry Flint, comienza a hacer fotos de los graffitis de SAMO y conoce a Díaz y otros compañeros de clase de Basquiat, lo que le permite descubrir la identidad de SAMO.

    Por otro lado, Basquiat comienza a escribir como SAMO en solitario y conoce a Keith Haring, que le introduce en la escena cultural de la ciudad y en su círculo de amigos y estudiantes de la School of Visual Arts.

    En el vídeo de Youtube te contamos cómo fue el divertido encuentro entre Haring y Basquiat.

    Basquiat, pese a que siempre lo negó, tenía una clara estrategia de llamar la atención con las frases de SAMO, por lo que siguió escribiendo en el SOHO y alrededores de todas las galerías cercanas… de forma que artistas, críticos, galeristas y aficionados al arte pudieron ver su mensaje y lo consiguió.

    Basquiat-Warhol

    A finales de 1979, estando ya en el círculo de Haring y Kenny Scharf, aparece en el programa de TV de Glen O´Brien, TV Party, donde se presentó como la persona detrás de SAMO.

    En 1980, con 20 años, y pese a que llevaba tiempo pintando SAMO en solitario, decide romper su colaboración con Al-Díaz y escribe en numerosos lugares, “SAMO is dead”, Samo está muerto, para desvincularse del graffiti y dejar su trabajo en la calle. Basquiat siempre renegó de esta parte de su trabajo en la calle, porque pensaba que sería una etiqueta que le quitaría importancia y credibilidad a su obra.

    Samo-is-dead-Basquiat


    La historia de Basquiat en vídeo.

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    Basquiat se convierte en una estrella.

    Pronto, gracias a todos los contactos que hizo, fundó el Gray, un grupo musical en el que tocaba el clarinete y el sintetizador, y clara referencia al libro de Anatomía de Grey que marcó su infancia. La música, que supuso una enorme influencia en su obra, le permitió frecuentar pubs como CBGB y el Mudd Club, lugares de moda donde se reunían otros artistas y comenzar su carrera como artista de estudio, tan fulgurante y exitosa como siempre rodeada de polémica.

    Entre 1980 y 1981 graba la película Downtown 81 que narra la vida de un joven artista, él mismo, Jean Michel Basquiat, que necesita dinero para recuperar la vivienda de la que ha sido desalojado y que le permite alcanzar fama y vender su primera obra de estudio por 200$.

    Basquiat deja la calle y trabaja en casa.

    Desde ahí se mudó con su Suzanne, su pareja de entonces y comenzó a pintar en su casa, pero en cualquier superficie, ventanas, puertas, materiales que encontraba por la calle, el frigorífico… estaba naciendo el Basquiat de estudio y el artista que pintaba de forma compulsiva.

    Basquiat-Haring-Warhol
    Haring, Warhol y Basquiat

    Como dice la crítica, Basquiat dejó de ser afromericano para ser americano y romper con la tendencia artística de los 80s, principalmente arte conceptual, abstracto y minimalista, con un estilo diferente, rompedor, con líneas de graffiti y con un claro componente neo-expresionista.

    Sus relaciones con Andy Warhol o Madonna, no hicieron más que encumbrar la carrera artística de Basquiat al que llamaron “El niño radiante”. Con Warhol, encontró a un consejero, un amigo y un confidente y Warhol encontró en él a un chico con una energía desbordante y una exuberante creatividad.

    El fallecimiento de Basquiat

    Desafortunadamente, en 1988, con tan sólo 27 años, murió de sobredosis, tras una vida llena de éxitos y excesos a partes iguales.

    A lo largo de su breve, tan sólo 8 años, pero intensa carrera artística Basquiat realizó más de 40 exposiciones personales y participó en alrededor de 100 colectivas.

    Y su leyenda sigue más viva que nunca con ventas de sus cuadros que han alcanzado los 100 millones de euros.

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  • ¿Quién fue KEITH HARING? Graffiti o Street Art

    ¿Quién fue KEITH HARING? Graffiti o Street Art

    Hoy en DeGraffiti.com os presentamos a Keith Haring, artista estadounidense que revolucionó la escena artística de los 80 en Nueva York, comenzando, sin saberlo, el arte urbano, con una propuesta rompedora y tan alejada del graffiti en su estética como cercana en su influencia.

    Dibujos compuestos por letreros y pictogramas que convirtieron su legado en universal.

    Infancia de Keith Haring.

    Keith Haring nació el 4 de Mayo de 1958 en Reading, Pensylvania, pasando su infancia en la cercana ciudad de Kutztown. Desde pequeño sintió pasión por el dibujo, teniendo una clara referencia de su padre y de Walt Disney.

    En sus años de instituto, a través de la enseñanza, los libros y las visitas a museos, comienza a desarrollar interés por el arte moderno.

    Con 18 años, en 1976, ingresa en la Ivy School of Proffesional Art en Pittsburg, donde tras apenas 1 año se da cuenta de que no quería ser: ilustrador o diseñador gráfico, profesiones que veía en otros compañeros y gente que conocía en la escuela.

    Ese mismo año, Haring recorre parte del país haciendo autostop en busca de otros programas de arte que pudieran interesarle. Finalmente, optó por volver a Pittsburg y asistir a algunas clases en la universidad, lo que le permitió estar en contacto con el “Pittsburg Arts & Craft Center” donde consiguió un trabajo, que pasaba por pintar paredes y reparar el techo.

    bocetos_dubuffet1

    Allí empezó a usar sus instalaciones para hacer cuadros cada vez más grandes. Hasta que en 1978, , casi por casualidad, realizó su primera exposición. Decimos de casualidad, porque tras una cancelación, se quedó un espacio libre y se lo ofrecieron a él.

    La primera exposición de Keith Haring y viaje a NY.

    Fue su primera exposición, en ese momento abstracta, donde mostró pequeñas formas interconectadas con influencias de Alechinsky, William Burroughs o Jean Dubuffet. Tenía sólo 19 años y ese evento le permitió darse cuenta de lo que sí quería: dejar todo lo que conocía, dar el gran salto e irse a Nueva York. Y eso es lo que hizo.

    A finales de 1978, con 20 años, llega a Nueva York disfrutando de una beca de estudiante en la SVA (School of Visual Arts). Aquí encuentra el escenario ideal, por un lado una comunidad urbana multicultural y desbordante, por otro lado un grupo de compañeros con la misma energía que él tanto en la escuela como en la zona del East Village.

    Y a eso le sumamos un ambiente perfecto para explorar y liberar su parte más personal, su identidad gay.

    Keith Haring in Subway Car, ca. 1984
    Keith Haring Subway Drawing ca. 1984
    Photographed by Tseng Kwong Chi

    En el plano artístico, Haring se sintió especialmente inspirado por la belleza y espontaneidad del graffiti en el metro. Era un mundo moderno y callejero. El museo había salido a la ciudad y las piezas se paseaban ante los ojos de todos.

    Las pinturas viajaban hasta ti en vez de ir tú a por ellas.

    Asimismo, le fascinaban las líneas, letras, caligrafía y dominio técnico de los escritores de graffiti. Sin embargo, Haring no quería hacer graffiti, sino que buscaba su propio estilo y forma de expresarse.

    Sus clases en la SVA comenzaron a ser fructíferas, porque experimentó con performances, instalaciones, vídeos o collages, pero sin perder la esencia del dibujo. Asimismo, estudió semiótica, la ciencia de los signos y descubrió que las imágenes podían funcionar como palabras.

    club574-superJumbo-Haring
    Club 574 de NY

    Y llegó su primer proyecto en el espacio público, inspirado por amigos como Jenny Holzer, que consistió en una serie de carteles fotocopiados que reproducían titulares satíricos compuestos a partir de recortes de prensa sensacionalista. Los textos se acompañaban con fotografías de los protagonistas de las imposiblemente escandalosas noticias, a menudo Reagan o el Papa.

    Era una primera aproximación al arte público, pero no era el proyecto que buscaba.

    Haring empieza a pintar en el metro.

    En 1980, dos años después de su llegada y tras coincidir en algún evento con escritores de graffiti, Haring encontró el espacio ideal para trabajar, compartiendo con ellos parte de su lugar: el metro, pero cambiando todas las reglas.

    keith-haring-subway-drawings-5

    Su espacio de trabajo serían los paneles publicitarios sin usar del metro, cubiertos de papel negro mate. Así que compro tiza blanca y comenzó a dibujar, a crear, a expresarse.

    Estaba naciendo el arte urbano, un lenguaje que a diferencia del graffiti, el gran público si podía entender, su mensaje llegaba a todos, aunque eran libres de interpretarlos.

    Sin embargo, Haring fue encasillado, indebidamente, como artista del graffiti, tanto en prensa como en TV, principalmente, porque no se sabía bien que es lo que hacía y por qué tenía que ser diferente a los escritores de graffiti.

    Haring trabajaba de día, con el metro funcionando, a la vista de todos. Era casi como una performance. Su trazo con tiza en estos paneles se convirtió en un laboratorio para desarrollar sus ideas y experimentar con sus líneas, creando un universo simbólico y gráfico, adaptado a la perfección al soporte y al timing del lugar.

    Keith Haring trabajaba por intuición, sin boceto, sin preparación previa. Eso le permitía adaptarse mejor que nadie al entorno, al lugar o a la situación.

    El estar pintando allí no le libró de ser detenido en varias ocasiones, pero al pintar con tiza en carteles vacíos y no con spray en los trenes, le liberaban rápido.

    Keith-Haring-Pintando


    La historia de Keith Haring en vídeo.

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    Lanzamiento internacional de Keith Haring.

    Su primera exposición en solitario fue en Nueva York en 1981, pero su salto definitivo fue en 1982 con una exposición en la galería de Tony Shafrazi, una de las más populares del Soho neoyorquino.

    Incluyó dibujos, lonas pintadas, esculturas y live painting, transformando la galería en una especie de club, tan famosos en esa época como el Mudd Club y el Club 57.

    Desde ahí entró en contacto con Andy Warhol, Basquiat o Kenny Scharf, estos dos últimos artistas que empezaron en la calle y también pasaron a las galerías. Además tuvo amistad con Madonna, Michael Jackson o Yoko Ono, por destacar algunos de los más importantes.

    Al año siguiente, en 1982, realizó su primer gran mural entre Houston Street y Bowery, lo que le permitió explorar nuevos formatos.

    Además su trabajo no se limitó a galerías o la calle, sino que Haring expuso en centros reconocidos como el Stedelijk Museum de Amsterdam (1986) o el Whitney Museum of American Art de Connecticut (1986), y participó en certámenes como la Documenta 7 de Kassel (1982), la Bienal de Sâo Paulo (1983) y la Bienal del Whitney (1983).

    En los años siguientes, siguió produciendo obras y viajando por el mundo. Además, exploró otros formatos como la escultura, que manejó tanto en gran formato con su iconografía como en pequeño formato adaptando su lenguaje a la forma.

    Keith Haring, Crack is Wack, Tseng Kwng Chi, 1986.4
    Keith Haring, Crack is Wack, Tseng Kwng Chi, 1986.4

    Últimos años de vida de Keith Haring.

    1986 fue el año más importante de su carrera artística por todos los hitos que consiguió.

    En abril de 1986, Haring abrió Pop Shop, una tienda en el Soho que vendía camisetas, juguetes, carteles, botones e imanes con sus imágenes.

    De nuevo, era un cambio en las reglas, porque la tienda convirtió su obra en accesible a todo el mundo y no reducida al mundo elitista del arte.

    Además, Haring consideró la tienda como una extensión de su trabajo y pintó todo el interior de la tienda con un mural abstracto en blanco y negro, creando una experiencia más que un espacio de venta. Esto le valió una fuerte crítica entre algunos galeristas y expertos de arte, algo que no importó nunca al artista, feliz por haber llegado a una audiencia más amplia.

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    Ese mismo año 86 creó otros 3 proyectos grandiosos y súper reconocidos, por una parte una crítica social a la droga que asolaba la ciudad con “Crack is Wack”. Luego llegaría un mural creado para el centenario de la Estatua de la Libertad en 1986, en el que Haring trabajó con 900 niños y uno de sus trabajos más conocidos: un muro en el lado occidental del Muro de Berlín tres años antes de su caída.

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    Haring, Basquiat y Warhol

    Tras fallecer Warhol y luego Basquiat, en 1988 sucedió la noticia: le diagnosticaron SIDA, algo que él sospechaba desde hacía años y que reconoció públicamente en una entrevista a la revista Rolling Stone y que aumentó el componente social de su obra, incluyendo la lucha contra el sida como un mensaje más.

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    Al año siguiente, creó la Fundación Keith Haring, cuyo objetivo es proporcionar fondos e imágenes a las organizaciones contra el SIDA y los programas para niños, y ampliar la audiencia del trabajo de Haring a través de exposiciones, publicaciones y la concesión de licencias de sus imágenes.

    Keith Haring murió por complicaciones relacionadas con el sida en Nueva York el 16 de febrero de 1990. Desde entonces, su trabajo ha sido mostrado en varias retrospectivas internacionales y su obra se puede ver hoy en las exposiciones y colecciones de los principales museos del mundo.

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  • ¿Quién fue MUELLE? El pionero del graffiti en Madrid

    ¿Quién fue MUELLE? El pionero del graffiti en Madrid

    Con nuestras pintadas le devolvemos a la ciudad parte del oxígeno que le roban los fabricantes de sprays. Muelle – Madrid (1990)

    Detrás de esta frase encontramos a Juan Carlos Argüello, un joven madrileño, nacido en 1965 en el barrio de Campamento, a las afueras de la capital y que a principios de los años 80 creó con su firma el llamado graffiti autóctono madrileño. Una revolución social al mismo nivel que consiguió  Taki 183 en Nueva York.

    Contexto social de la aparición de Muelle.

    En esos momentos, España estaba en plena Transición, pasando de la represión a la libertad, por tanto los límites estaban muy difusos, algunos por definir. En ese contexto, surgió la llamada Movida Madrileña, donde jóvenes del ámbito cultural, con mucha influencia de la música punk, pop y rock, se convirtieron en sus máximos exponentes… pero le faltaba algo a ese movimiento y ese algo fue Muelle, que unió su pasión por la música, donde era batería de un banda con la creación de su firma en las calles. Primero en su barrio, luego en los alrededores y después por toda la ciudad.

    Estamos en el año 1982 y Muelle comienza pintar con rotulador, pero no con su firma directamente, sino que lo hacía con el nombre de su grupo: Salida de Emergencia, inspirado en las pintadas que veía del grupo punk “Decadencia” que llenaron el metro de Madrid con su nombre.

    Dos años después, en 1984, Muelle cambia de registro y comienza a firmar con su apodo, aunque con un estilo muy simple y sin llevar los detalles que marcarían su estilo: el muellecito de debajo y la erre del registro.

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    ¿De dónde venía el nombre de Muelle?

    Pues era su apodo del barrio, porque años atrás se había comprado una bicicleta a la que incorporó un enorme muelle de moto.

    Un Muelle que convirtió en su marca, bombardeando la ciudad y convirtiéndose en la firma más conocida de la época.

    La aparición de las primeras firmas de Muelle crearon desconcierto, tanto que surgieron decenas de leyendas urbanas, sobre su significado, quién estaba detrás o si en realidad no era más un reclamo de una marca o una campaña publicitaria. Ante la ausencia de información, el misterio sobre Muelle fue creciendo.

    Muelle fue uno de los escritores más prolíficos, pero no el único, porque firmas como las de JOSESA PUNK, BERO ES DIOS, Club, Juan Manuel, o BLECK (la rata), fueron claves en la difusión del graffiti por toda la ciudad. Entre todos crearon una corriente que siguieron muchos jóvenes y que comenzó a dar visibilidad al llamado Graffiti autóctono madrileño, también conocido como estilo logotipo o flechero, por la utilización de la flecha como forma estilística destacada de las firmas.

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    Graffiti autóctono madrileño y convivencia con el Hip Hop Graffiti.

    Además, este estilo flechero tenía ciertas similitudes al tagging neoyorquino que surgió a principio de los ochenta en EEUU donde la subcultura punk de esos años también añadía esas flechas, pero la gran diferencia es que Muelle lo hacía a miles de kilómetros de allí sin saberlo.

    Sin embargo, lo que lo hizo único fue no sólo su aparición en la ciudad rompiendo los límites o creando algo nuevo, sino que no seguía el patrón del más famoso estilo de Graffiti de la época, el llamado Hip Hop Graffiti, que llenaba los trenes de Nueva York y que fue llegando a España, poco a poco, de la mano de películas como Style Wars, Fanzines o libros de fotografías de graffiti como los de Henry Chalfant.

    A raíz de estas publicaciones, en convivencia con este graffiti autóctono, sobre 1986-1987 surgió una segunda oleada de escritores cercanos al Hip Hop graffiti y nombres como CHOP, RAYO, MATA, ZETA o MAST, lideraron este movimiento que surgió de forma paralela a mitad de los 80s. Sin embargo, Muelle nunca se vinculó a ellos, es más, siguió pintando su firma en el metro, pero en el interior de la estaciones, nunca en trenes.

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    Grafiteros en Madrid 80s

    Una de las cosas más valiosas de Muelle y su firma era su capacidad de dejar su huella en cientos de lugares, porque con el paso de los años fue ampliando el radar de actuación, llegando desde Aluche al centro o las calles periféricas del barrio de la Latina.

    La firma de Muelle evoluciona.

    En palabras de sus amigos, Muelle era un tipo sencillo, siempre dispuesto a ayudar, que incluso recibía en su casa a otros jóvenes que se iniciaban en el mundo del graffiti y querían ver su obra y, por supuesto, llevarse su autógrafo.

    A finales de los 80s, Madrid estaba lleno de firmas de Muelle, pero él siguió evolucionando su estilo, incluyendo su famoso tirabuzón en 1985. Ya no eran simples trazos hechos con rotulador, sino que el spray se convirtió en su herramienta habitual, creando formas más complejas, combinando colores y creando profundidad con un estilo tridimensional, destacando brillos y sombras, que lo acercaban más al Hip Hop Graffiti.

    Es en 1987 cuando Muelle llega a su versión definitiva, con su famosa R encerrada en un círculo, que creó escuela al igual que sus flechas incorporándola otros escritores.

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    Firma de Muelle en calle Montera (Madrid)

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    Inicios de Muelle


    La historia de Muelle en vídeo.

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    Su firma como marca.

    De hecho, tan importante fue su firma que la registró en la Oficina de Patentes y Marcas para evitar plagios o copias ilegales. Incluso el propio ayuntamiento de Madrid le copió la firma, incluyéndola en una poster publicitario, lo que provoco la denuncia por parte del artista. Y, como era de esperar, una gran oferta para quedarse con los derechos de la firma. Como contó él mismo, la suma fue de 5 millones de pesetas de la época por parte de una empresa de colchones… pero se negó a venderla y siguió firmando por la ciudad.

    Muelle comenzaba a ser reconocido como un icono de la movida madrileña, pero poco o nada se sabía de su identidad, que celosamente había guardado, porque como él decía “Lo que es famosa es mi marca, no mi persona”.

    Además de su estilo flechero y registrar su firma, Muelle pasó a la posteridad por ser el primero que estableció ciertos criterios éticos y estéticos en relación a los lugares donde intervenir. Así Muelle recomendaba pintar sólo en sitios abandonados, vallas publicitarias o en obras, dejando libre de firmas lugares como vagones de metro, paredes de casa o propiedades privadas. Esto generó unas normas para la juventud que se iniciaba en este mundo, aunque no todos respetaron.

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    Pese a que Muelle era muy conocido en Madrid, no tenía proyección nacional, más allá de los círculos de grafiteros, donde era una referencia. El documental “Mi firma en las paredes”, emitido en TVE en 1990, le colocó en el lugar que se merecía, con un relato centrado en su figura, rodeado de otras figuras claves de la época como Blek la rata, Remebe o Tifón y donde el propio muelle sin salir mostrando su rostro, sí que deja su impronta con frases que han pasado a la posteridad como:

    Cuando pintas te sientes vivo y por un momento te olvidas de que eres masa. En esta ciudad hay demasiada mierda y demasiada soledad de este modo le regalamos a la gente un poco de nosotros mismos.

    El legado de Muelle.

    Y llegamos a 1993, año en el que Muelle anuncia que lo deja porque “su mensaje estaba agotado”. Tanto fue así, que tan sólo 2 años después, a los 30 años de edad falleció por un cáncer. Una enfermedad que le hizo ser siempre vital y vivir cada día al máximo.

    Se apagaba la llama del pionero, pero no iba a desaparecer su figura y su legado.

    Como suele pasar en estos casos, la importancia que tuvo Muelle en el grafiti nacional tardó unos años en llegar y con la aparición de los primeros investigadores del grafiti y el arte urbano su figura recuperó el lugar que mereció. Así comenzaron a sucederse los homenajes a Muelle, la catalogación de sus firmas, la aparición de libros sobre él o documentales.

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  • ¿Quién es CORNBREAD? El Pionero del Graffiti en EEUU

    ¿Quién es CORNBREAD? El Pionero del Graffiti en EEUU

    Darryl «Cornbread» McCray, se hizo famoso al firmar las paredes de toda la ciudad con su apodo de Cornbread a mediados de los 60 y crear, sin saberlo, el inicio del writing o tagging, donde su nombre se apoderó de todo el espacio público. Hoy os presentamos a os presentamos a CornBread: el primer escritor de graffiti.

    Los pandilleros escribían en las paredes para identificar su territorio. CornBread escribía su nombre en las paredes con el único propósito de establecer una reputación.

    Infancia y creación de su tag.

    McCray nació en Filadelfia en 1953 y se crió en Brewerytown, un vecindario del norte de la ciudad, bajo los cuidados de su madre y sus abuelos. Su infancia, como tantas otras en esa época en Estados Unidos, fue problemática, tanto que con 12 años, McCray fue enviado a un centro penitenciario juvenil llamado Youth Development Center (YDC).

    Fue en ese lugar, el YDC de Filadelfia donde comenzó su leyenda y apareció su firma por primera vez.

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    El nombre de Cornbread viene de la referencia al pan de maíz que hacía su abuela y que había dejado de comer al llegar a la prisión. Así, como lo echaba de menos, comenzó a pedirle pan de maíz, día tras día, al jefe de cocina, el Sr Swanson, el cual no le hacía caso y le seguía sirviendo pan blanco de trigo nada apetecible.

    Hasta que un día el Sr. Swanson se cansó, lo echó de la cocina y le dijo a todos los presentes: “Keep this Cornbread out my kitchen!” («¡Mantén este pan de maíz fuera de mi cocina!»)

    Desde ese momento, todos empezaron a llamarlo así: Cornbread, sin embargo, tener un apodo, que podría ser un problema para un adolescente, él lo considero algo atractivo, así que volvió a su cuarto, cogió un rotulador y se puso Cornbread en la parte de atrás de su camisa.

    Sin embargo, lo que le generó la expansión de su nombre fue su buena relación con las pandillas que estaban en el centro juvenil, que ya estaban escribiendo los nombres de los grupos en las paredes del centro para marcar territorio. CornBread consiguió su respeto e incluir su nombre junto a ellos.

    ¿Cómo lo consiguió? Sencillo, él era el que les escribía las cartas de amor a los pandilleros para que se las enviaran a sus novias y lo hacía inspirado en los libros de poesía que le enviaba su hermana.

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    Cornbread inicia, sin saberlo, el writting graffiti.

    Era 1965 y comenzó el writting graffiti, el graffiti de autor, empezando a escribir su firma, una y otra vez. Tanto fue así que llenó el centro juvenil con su nombre, lo puso en todas partes: el baño, la capilla, la cafetería, el gimnasio, la comisaría, la administración, la enfermería o el gimnasio.

    Su único objetivo era que su tag estuviera en cuántos más lugares posibles.

    Este hecho le provocó, obviamente problemas con la dirección del centro que le exigió que borrara todas sus firmas, sin embargo él se negó. Había descubierto un mundo de oportunidades, que comenzaría a expandir más aún cuando volvió a casa en 1967.

    taki183-cornbread-graffiti Cornbread-Legend-Graffiti

    Poco tiempos después cambió del rotulador a la pintura en aerosol, al spray. Sus primeros pasos con el bote llegaron cuando se enamoró de Cynthia Custuss, una de sus compañeras de clase del octavo grado del Strawberry Mansion Junior High.

    Cornbread Loves Cynthia

    Se ganó con éxito ser correspondido al escribir «Cornbread Loves Cynthia» en todas las pizarras de clase y a lo largo de la ruta que tomarían en su camino a casa. Además, en todas las rutas de autobús se podría leer: Cornbread.

    Sin saberlo estaba practicando el denominado “getting up”, que no era otra cosa que hacerse ver en la ciudad mediante la escritura del nombre.

    Era el único en ese momento y rápidamente expandió su influencia y su nombre más allá del norte de Filadelfia. Su firma pronto llegaría al metro, taxis, trenes de carga, camiones de correo y vehículos policiales.

    Cornbread, Cool Earl y otros escritores.

    Poco tiempo después se le unieron nuevos escritores como Cool Earl, TITY Peace Sign, Kool Klepto Kidd, Dr. Cool No. 1, Chewy, Bobby Cool o Cold Duck.

    En esos momentos no importaba la calidad de las firmas, porque todavía no había demasiado estilo ni referencias de otros. Lo que contaba era cuantas veces y en cuántos lugares podías escribir tu nombre. Lo que luego se denominó bombardear la ciudad.

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    Su firma de CornBread fue de las primeras en incluir la corona, para proclamarse rey de la zona y luego llegarían las flechas o la disposición de palabras en dos líneas que aparecían una y otra vez en las firmas de los escritores de Filaldefia.

    Leyendas e historias.

    En estos años fueron muchas las anécdotas o leyendas sobre Cornbread, como que pintó su firma en el ala del avión de los Jackson Five, cuando estos firmaban autógrafos en el Aeropuerto Internacional de Filadelfia y nadie reparaba en el jet privado que lo llevaba.

    Una de sus grandes historias llegó en 1971, cuando Cornelius Hosey fue asesinado a tiros en una guerra de pandillas, y los periódicos de Filadelfia lo identificaron erróneamente como Cornbread, por el Corn del nombre, titulando “CORNBREAD está muerto”.

    Este hecho le enfadó bastante y decidió responder con una actuación de película: al irse al zoo de la ciudad y comenzar a escribir “Cornbread vive /Cornbread lives” en las casetas de entradas y en las jaulas de monos y leones, incluso en los dos costados de un elefante con un spray rojo brillante, hecho por el que fue detenido y llevado a prisión.

    Y con cierto paralelismo a lo que pasaría con la firma de Muelle en España, los policías le pedían autógrafos al saber que era el mítico Cornbread el que estaba allí.

    News-Cornbread Noticia-Elefante-Cornbread


    La historia de CornBread en vídeo.

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    Cornbread abandona el graffiti.

    El movimiento del graffiti se iba trasladando a Nueva York, donde llegaría su expansión global, pese a que el periódico New York Times había descrito a Filadelfia como «La capital mundial del graffiti» en ese momento, pero la trascendencia de Taki 183 y el Graffiti en los trenes y metros rompería todas las barreras.

    Pocos meses después, en julio de 1971 diferentes escritores locales entre ellos CORNBREAD o COOL EARL abandonaron el graffiti y lo publicitaron en un acto cubierto por el periódico “The Philadelphia Inquirer”, donde los escritores explicaron parte de sus motivaciones, llegando a exponer su identidad.

    Tras esto, Cornbread se traslada a Los Ángeles y luego a Nueva York para cumplir uno de sus sueños y convertirse en actor, algo que no consiguió, regresando a su ciudad natal, Filadelfia, donde ayudó a su ciudad a combatir el graffiti que había invadido todo, diferente a lo que él empezó 20 años atrás.

    Cornbread-Pionero-Graffiti

    Anti-Graffiti Network y Mural Arts Program.

    Era 1984 y el alcalde Wilson Goode fundó la Anti-Graffiti Network reclutándolo para que lo ayudara a que los jóvenes del centro de la ciudad dejaran de escribir. Comentando el propio McCray: ““La ciudad de Filadelfia estaba tan desordenada que parecía otro mundo. Tuvimos que limpiar nuestra casa”

    La Anti-Graffiti Network finalmente se convirtió en The Mural Arts Program, el programa de arte público más grande de los Estados Unidos.

    McCray tuvo problemas con las drogas, llegando a estar en la cárcel varias veces y se puede decir que estuvo buscándose la vida en los años siguientes, hasta que le llegó la oportunidad de darle la vuelta a todo en 2007 cuando coincidió con Raphael Paris, músico local de funk y blues que idolatraba a Cornbread cuando era niño y que se encargó de hacer  la narración y la banda sonora de la película: Cry of the City Part 1: The Legend of Cornbread.

    Asimismo, Cornbread apareció en la película Bomb It, donde se habla de la historia del graffiti y nuestro protagonista aparece enseñando la primera pared donde escribió su nombre en las calles.

    Esto le permitió rehabilitarse y convertirse en activista social y conferenciante, dando charlas motivacionales sobre su juventud como escritor de graffiti, sus problemas con la ley y sus luchas con las drogas.

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