Autor: DeGraffiti

  • ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    ¿Quiénes son OS GEMEOS?

    Os Gemeos ó Os Yemeos es la unión artística de los gemelos Otavio y Gustavo Pandolfo, nacidos en Sao Paulo en marzo de 1974, en el barrio de Cambuci, en el sur de la ciudad. Un barrio humilde, que con la industrialización de Brasil, vio cómo se instalaban diversas fábricas entre sus calles. En ese entorno, comenzaron a crear sus propias obras, que siempre se ha mantenido en la reivindicación social.

    Sus figuras son un retrato poético del universo brasileño que al mismo tiempo se podrían encontrar en cualquier ciudad grande del mundo.

    Los inicios de Os Gemeos.

    Los gemelos definen la calle como la mejor escuela para la gente y así cuando llegaban del colegio se iban a descubrir que pasaba en el barrio, entrando en contacto con apenas 9 años con el mundo del graffiti. Era el año 1983 y ya pintan sus primeros personajes juntos en la pinacoteca de Sao Paulo, donde también usaron por primera vez un spray. De ahí su siguiente contacto sería con la cultura del hip-hop que comenzaba a llegar a Brasil.

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    1983

    Era 1985 y en el país se produce un gran cambio con el fin de la dictadura militar y la consecuente apertura de fronteras, conocimientos y nuevas culturas. Esto les permite entrar de lleno en contacto con el rap y el breakdance, cuyo epicentro es la estación de Sao Bento, en el metro de Sao Paulo, donde decenas de jóvenes venidos de toda la ciudad acudían y nuestros protagonistas comenzar a bailar y a bailar, de hecho fueron break dancers antes que grafiteros.

    En esos momentos, el break dance entra con fuerza en el país, destacando figuras como Nelson Triunfo, una leyenda en el país.

    Del Break dance al graffiti

    Durante los años siguientes, Os Gemeos combinan el break con el graffiti, creando con sólo 12 años su primer proyecto público de graffiti usando todos los materiales disponibles: pintura de coche, látex y boquillas. El uso de materiales diferentes al spray, era por el alto precio de los botes, así que tocaba buscar otras opciones y reutilizarlas, por lo que el látex fue un gran aliado en sus inicios.

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    Los inicios

    En esos primeros años se influenciaron por el movimiento del graffiti procedente de EEUU, pero también del arte urbano existente en Sao Paulo, que seguía un estilo y escuela diferente, con representaciones más figurativas.

    A finales de los años 80 todos los movimientos urbanos comenzaron a unirse (skate, hip-hop, graffii) y la gente empezó a intervenir en lugares de la ciudad que nadie esperaba. Había llegado la revolución del arte urbano a la calle.

    Sus padres fueron un gran apoyo en esos momentos, lo que les permitió seguir evolucionando y explorar nuevos campos como la escultura, desde muy pequeños. Ellos que querían ser bomberos, pasaron a ser artistas. Y como estaban fascinados con los dibujos animados japoneses, empezaron a investigar cómo conseguir esos escenarios y el empleo de las miniaturas en los mismos. Estaban soñando despiertos para realizar performances en escenarios, algo que les llegaría años después.

    Barry McGee les cambió la vida.

    En 1993, con 19 años, conocen a Barry McGee, figura del graffiti y artista contemporáneo, que estuvo en Brasil 9 meses con un programa de intercambio del instituto de arte de San Francisco.

    Este encuentro permite a OsGemeos conocer nuevas técnicas y, sobre todo, tener fotografías y referencias de cómo evolucionaba el graffiti en EEUU.

    Ese mismo año participan en su primera exposición colectiva en Sao Paulo en la galería MIS. Se avecinaban grandes cosas para los gemelos, que seguían pintando tanto graffiti como ilustraciones.

    A través de McGee como conocen a Allen Benedikt, fundador de 12ozProphet, un fanzine dedicado a mostrar lo mejor del graffiti a nivel mundial, que se terminó convirtiendo en una de las fuentes más confiables para todo lo relacionado al arte urbano. Además, conocieron a Caleeb Nelson, grafitero de Boston, que viajó a Brasil y los entrevistó para la revista en 1998, lo que supuso la presentación oficial de OsGemeos fuera de Sudamérica.

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    12oz-prophet-book

    El salto internacional de los gemelos.

    Es al año siguiente, 1999, cuando dan el salto internacional, con una primera parada en Munich, donde exponen en ISART y Livin Large. Ahí entran en el circuito artístico que les lleva por Europa (París, Hamburgo, Berlín), por Australia, Cuba, hasta que les llega la oportunidad y la explosión definitiva en EEUU.

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    Aryz y Os Gemeos

    Su primera exposición en solitario es en 2003 en San Francisco, desde ahí comienzan a pintar a y exponer por todo el mundo. Desde Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Madrid o Lisboa.

    Todos querían tener y conocer la obra de Os Gemeos, los genios de Sao Paulo.

    En 2006, realizan su primera exposición en solitario en Sao Paulo, en la galería Fortes Vilaza. Combinan todos los soportes: tela, papel, muros, pero con un mismo mensaje.

    Sus personajes, mayormente o con colores vivos, hablan de problemas sociales y políticos, todo ello con una clara influencia de la cultura brasileña y el graffiti.

    Utilizan las galerías y exposiciones individuales para trasladar todo su universo y acércalo a cualquier público, no sólo expertos en arte. Así utilizan instalaciones, esculturas, graffitis, grandes murales o la combinación de todos ellos.

    La presencia internacional de los brasileños seguía creciendo, llegándoles incluso invitaciones para pintar de forma legal y remunerada trenes del metro en Río de Janeiro, Sao Paulo o Porto Alegre. A esto se les sumaban proyectos espectaculares como un castillo en Escocia, el exterior de la Tate Modern en Londres o inmensos murales en Holanda, Estados Unidos, Polonia o Portugal, donde en 2010 realizaron el proyecto “Gigante”, una colaboración con Blu para el festival CRONO.

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    OsGemeos-Blu-Sam3-Lisboa

    El componente social de Os Gemeos sigue vigente.

    Pese a que su fama sigue creciendo, Os Gemeos sigue manteniendo esa relación original con la calle, pintando graffitis y muros sociales siempre que ven la ocasión adecuada, ya sea para hablar de la situación del país o un hecho determinado.

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    Corruption by Os Gemeos

    En 2013, si había que todavía no conocía a los gemelos, les llega otro boom informativo, con una colaboración con Banksy en Nueva York, lo que les llevó a ser portadas de numerosos medios. El año siguiente, 2014, fue muy destacado en su trayectoria con 2 grandes trabajos: un mural de grandes dimensiones (el más grande hasta la fecha para ellos) en Vancouver (Canadá) y el reto de pintar un avión, un Boeing 737, con motivo de la copa del mundo de fútbol celebrada en su país natal.

    Este avión, de la aerolínea GOL, fue utilizado por la selección nacional y se emplearon 1200 botes de spray para el espectacular resultado final.

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    Banksy & Os Gemeos
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    Os Gemeos en Vancouver

    Parallel Connection.

    En 2015 realizan otro gran proyecto, en este caso audiovisual, con la aparición, durante 1 mes de sus animaciones con sus famosos personajes amarillos en todas las pantallas de Times Square. Se tituló “Parallel Connection” y todos los días a las 23:57 se iluminaba su universo visual en el centro de Nueva York, el centro del mundo.

    Durante los últimos años han seguido combinando trabajos de grandes murales por todo el mundo, con instalaciones, exposiciones individuales y eventos de todo tipo, como Flying Pictures, en Alemania.

    Os Gemeos ya se atreven con casi todo y su universo es capaz de ser animado en cualquier circunstancias, ya sea en grandes esculturas, de látex o madera o utilizar el componente digital para dar vida a ese mundo colorido que crearon con sólo 9 años.

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    Os Gemeos en Milán
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    Os Gemeos en Boston

    La historia de Os Gemeos en vídeo.

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  • ¿Quién es ARYZ? Muralismo contemporáneo con raíces de GRAFFITI

    ¿Quién es ARYZ? Muralismo contemporáneo con raíces de GRAFFITI

    Cuando tienes que pasar más tiempo explicando algo que haciéndolo, algo va mal. Aryz

    Detrás de esta frase encontramos a Octavi Arrizabalaga, más conocido como Aryz, nacido en 1988 en California, EE.UU, pero que se traslada con 3 años a una pequeña localidad de Barcelona, Cardedeu, donde desarrolla su infancia y donde comenzó su relación con la pintura primero, con el graffiti después y con el arte desde entonces.

    Infancia y contacto con el graffiti.

    Aryz se cría en un ambiente donde las artes plásticas no eran desconocidas, de hecho estaban muy presentes, así de pequeño su madre le daba pinturas y lápices para que se entretuviera pintando junto con su hermano.

    Ya en plena adolescencia y en el Instituto entra en contacto con la cultura del Hip-Hop que estaba calando fuerte en España. El Break-dance, el rap y por supuesto, el graffiti, comenzaron a revolotear por su vida hasta que un día, tras haber visto películas y libros de graffiti se lanza junto a su grupo de amigos a pintar su primer graffiti.

    El resultado fue un desastre, tanto que ve la necesidad de alejarse de ese grupo inicial y comienza a relacionarse con otros chicos mayores, donde sólo hacía los fondos de las piezas, pero igualmente sintió que ese no era su espacio, no era algo que le hacía feliz.

    Y se lanzó a explorar. Encontrando en los lugares y edificios abandonados un refugio para pintar en grandes superficies y poder alejarse del tradicional Hip-Hop graffiti. Empezaba a encontrar su manera de expresarse.

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    Los inicios en el graffiti

    Era 2007 y el uso de colores reciclados, la mayoría tonos pastel para pintar habitaciones, se mezclaban con negros, obteniendo una tonalidad grisácea que le acompañó durante los siguientes años como una pequeña seña de identidad. Pasando, posteriormente, de colores reciclados a colores desaturados.

    Un artista autodidacta.

    Aryz se considera autodidacta, pese a que estuvo en la facultad de bellas artes, terminando en 2011, cuando ya su carrera artística había despegado, porque un año antes, en 2010 le había llegado su primer gran trabajo, con un mural en Italia. La fama de Aryz se fraguaba por sus publicaciones en Internet, donde su estilo comenzó a despertar la atención. Tenía un lenguaje diferente, era arte urbano, pero como él mismo decía con una temática de cosas aburridas y además muy típicas de la historia del arte como bodegones o marinas.

    Algo que incluso llevó después a grandes muros por todo el mundo. La valentía de un artista que decía “no querer llamar la atención” y que, sin embargo, estaba consiguiendo lo opuesto.

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    Mural en Isla Reunión

    En estos primeros años, desafortunadamente, tan sólo recibe el pago de los viajes, materiales y la estancia, eso no lo impide aceptar invitaciones a lugares tan dispares como Italia, Finlandia o la Isla Reunión, cerca de Madagascar, donde dejó una pieza espectacular.

    Colaboración entre Aryz y Os Gemeos. Despegue internacional.

    En septiembre de 2012 le llega una oportunidad única para colocarse en el foco del street art mundial, una colaboración con los brasileños Os Gemeos, de los que ya hablamos en Street Art Málaga.

    El resultado fue un mural de fusión de estilos, entre los coloridos personajes y la crítica de Os Gemeos y la búsqueda del espacio con los huesos y el cuerpo humano de Aryz.

    ARYZ-OS GEMEOS
    Aryz y Os Gemeos

    En los años siguientes, da el salto internacional con una pequeña exposición “Style is the limit” y un gran mural en San Francisco, donde representa a una mujer titulado “Rotten Apples”, manzanas podridas. El lenguaje y el estilo de Aryz se modifica y nos presenta un estilo que podemos ver de forma parecida en Madrid y Oslo en ese mismo año.

    En esta primera etapa, su temática es triste, ahondando en el pesimismo, con barcas varadas, animales sufriendo o esqueletos, que le permite generar huecos y espacios, etc. Estos esqueletos llevados al gran formato en 2013 en Colonia, en Casablanca o en 2014 en Bilbao no deja indiferente a los residentes, es más genera el rechazo de parte de la comunidad, lo que valieron algunas críticas a su trabajo.

    La anatomía llega a la carrera de Aryz.

    De forma paralela al aumento de trabajos en exterior, Aryz comienza a pasar más tiempo en su estudio para explorar otras técnicas, otras formas de expresar. Asimismo, busca adquirir más conocimiento, por medio de la anatomía de animales y personas, como vemos en su estudio, donde almacena desde pequeños esqueletos a recuerdos de sus viajes.

    Otro de los soportes donde ha conseguido un efecto viajero han sido en las barcas, donde pintó las velas para un bello proyecto en Andavadoaka, un pequeño pueblo de pescadores en Madagascar. Y donde además pudo trabajar con la personas de allí.

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    Aryz en Madagascar

    Volviendo a los murales, en 2014 pinta uno en Granollers, muy cerca de su casa, un enorme mural titulado “Priapos y Demter”, el Dios de la fertilidad y la diosa madre. Se va acercando el objetivo de pintar en su pueblo, algo que conseguiría algunos años después.

    Muralismo contemporáneo con lenguaje propio.

    En los años siguientes, 2015-16 su actividad de murales es muy intensa, con trabajos en Detroit, Venezuela, Kiev, Estambul, Camboya o Málaga, donde nos dejó una pieza para el Soho de Málaga.

    Meses después, en un viaje a China, a la ciudad de Chonqing, nos deja una de sus muros más espectaculares, el eje. La representación vertical de un señor rodeado de otras personas en forma de hélice. Se aprecia como el trabajo de investigación y exploración del estudio, va tomando forma en su obra, algo que podemos apreciar por sus publicaciones, donde lo vemos trabajar con lápices de colores, pinceles o el óleo.

    Aryz recupera parte de su origen con grandes bodegones, donde incluso cambia su habitual tonalidad por colores más vivos, como el amarillo de los limones, un color que tenía un poco aparcado, por el impacto negativo que podía generar en el espectador.

    A finales de 2017 por fin le llega la oportunidad de pintar en su pueblo, donde realiza el mural “La Cultura”, a lo que acompañó con otro mural 2 meses después en su antiguo colegio.

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    En Chongqing, China
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    Mural en Vantaa
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    Mural de Aryz en Cardedeu (España)

    El estudio de Aryz.

    En 2018 tras un gran mural en Manresa, encontramos que el Aryz de estudio se va encontrando, poco a poco, con el Aryz muralista, así nos deja espectaculares muros en Francia, Austria o Japón, donde incluso cambia su metodología de trabajo, realizando el boceto en los días previos o apoyándose en trabajos anteriores.

    Un año después crea “La Pugna” uno de sus trabajos más ambiciosos hasta la fecha. Una gran exposición en el centro cultural de Ruan, Francia, que acompaña con una enorme instalación en la iglesia de St. Eloi. Y para poner el broche a esto, contó con la actuación de “El Niño de Elche”, músico español, realizando una perfomance espectacular.

    Y llega el 2020, donde su trabajo de murales se ve afectado, lo que le hace incrementar su producción de obras de estudio, algo que Aryz llevaba tiempo queriendo hacer. Ser más selectivo a la hora de elegir los murales y poder crear más obras de interior, de nuevo seguir en el camino de la exploración.

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    La pugna

    Lo último que nos deja son dos grandes murales, Violeta en Francia y “Esperando para tener prisa” en Portugal, donde vemos retratos a color, muy cercanos a su trabajo de interior en pequeños cuadros al óleo.

    A estos muros, le suma “Auxilio”, una instalación realizada en su estudio de Cardedeu y trasladada a su ubicación final en Ostende, Bélgica.

    Hasta aquí este artículo sobre la figura de Aryz, un artista especial, un explorador del arte, con un lenguaje propio, cambiante, reflexivo e intenso. No parece haber límites en la capacidad de creación de un artista que transicionó con naturalidad del graffiti al muralismo, al trabajo de estudio o las instalaciones, uniéndolo todo con maestría.

    Aryz-Estudio-Cardedeu


    La historia de Aryz en vídeo.

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  • ¿Quién es OKUDA San Miguel?

    ¿Quién es OKUDA San Miguel?

    Óscar San Miguel, Okuda en el mundo del street art, es un artista multidisciplinar que tiene claro lo que quiere, que ha creado un estilo propio, basado en las formas geométricas y los colores que le permite ser identificado en todo el mundo, desde Ucrania a la Polinesia pasando por EEUU, España, Sudamérica o una ciudad perdida en la India.

    Okuda nació en Santander, España, en 1980, y  comenzó, como tantos otros grandes artistas urbanos, en el mundo del graffiti en su ciudad natal.

    A los 17 años ya buscaba lugares abandonados, principalmente fábricas y vías de tren, donde poder expresarse mediante sus letras. 

    Su interés por diferenciarse le llevó a explorar desde muy joven los efectos 3D, consiguiendo letras con volúmenes y saliéndose de la tipografía tradicional del grafiti. A sus letras les unía calaveras, dibujos animados u otras formas que imaginaba.

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  • ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    ¿Quién es SUSO33? Historia del grafiti y del arte urbano

    Suso33 es uno de los pioneros del arte urbano en España, por pasar de las clásicas letras del graffiti a la iconografía con la creación de su famosa plasta. Un artista revolucionario, inconformista y que ahora explora el videoarte, la performance y el light painting. Un verdadero genio.

    Os presentamos a Suso33, nacido en Madrid en 1973 y que lleva más de 30 años de carrera artística por todo el mundo.

    Los primeros pasos de Suso33.

    Suso33 se inicia muy temprano en el mundo del graffiti, con sólo 11 años comienza a dibujar líneas continuas sin levantar el trazo. El artista es zurdo, pero en su infancia le obligaron, por temas educativos-religiosos, a escribir con la derecha, lo que le ha permitido evolucionar a ser ambidiestro y puede pintar con las dos manos de forma sincronizada (y con el mismo nivel de detalle), hecho casi único en el mundo del street art.

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  • SPRAYS de GRAFFITI. Historia, marcas y tipos

    SPRAYS de GRAFFITI. Historia, marcas y tipos

    Hablar de sprays de graffiti, es hablar de presión en el bote, de boquillas, de resistencia, de colores, de trazos, de capacidad de cubrir, y, por supuesto, de graffiti y marcas míticas.

    Aquí os traemos la apasionante historia de la creación del spray de pintura y cómo nació desde un bote de insecticida hasta convertirse en un bote específico para el graffiti.

    El primer aerosol y patentes.

    Nos remontamos al año 1790 con la aparición del primer aerosol en bebidas carbonatadas a presión en Francia.

    Sería en 1899 cuando encontramos el primer gran salto técnico, con la patente de Helbling & Pertsh sobre los aerosoles presurizados utilizando un propelente añadido como el cloruro de etilo.

    Es en 1927 cuando llega el segundo gran avance, con la patente de una lata de aerosol con válvula por parte del noruego “Erik Rotheim”.

    Sin embargo, esta boquilla tendía a obstruirse, por lo que se siguió desarrollando fórmulas que lo mejoraran, encontrando en la II Guerra Mundial un uso masivo que propulsó, nunca mejor dicho, su avance definitivo.

    El spray se usó como insecticida en el ejército estadounidense para combatir la malaria, desarrollando el departamento de Agricultura un pequeño aerosol presurizado por Gas líquido. Se le llamó “La Bomba contra insectos”.

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    Ya en 1947, Robert Abplanalp consiguió el siguiente avance, la válvula que se engarzaba al envase, patentándola con el nombre “crimp-on-valve”, que permitía mantener la presión interior y hacer varios usos.

    La primera lata de pintura.

    Con el spray creado y la primera boquilla, en 1949 aparece la primera lata de spray de pintura. Los creadores fueron Edward Seymour y su mujer Bonnie, la promotora de llenar los botes con pintura, creando, sin saberlo, la herramienta perfecta para el futuro graffiti que aparecería 15 años después.

    Edward fundó la empresa “Seymour of Sycamore” en Chicago, que todavía está funcionando, aunque dedicada a pinturas industriales.

    Seymour-Primer-Spray Spray-Aerosol

    Tras la creación del bote de pintura, comenzaron a aparecer empresas de sprays de pintura dedicadas a coches, protección y decoración. Esto no impidió que en el inicio del graffiti de firma y el graffiti en trenes estos sprays se convirtieran en el complemento ideal para cubrir todas las superficies rápidamente, pese a que no estaban diseñados para ello.

    Sprays de graffiti.

    Esto lo vemos reflejado en los libros de la época, como Subway Art de Cooper y Chalfant, donde aparecen muchos escritores con esos botes, destacando las marcas Rust-Oleum y Krylon, que eran las principales referentes de la época y que a día de hoy siguen vendiendo, pero sin una categoría dedicada al graffiti.

    Subway-Art-Martha-Cooperr

    Luego llegaría la creación de las primeras marcas de spray en Europa, como Belton o Sparvar en Alemania, que si han evolucionado, teniendo líneas propias para los escritores.

    Y nos movemos a España, donde el graffiti comienza entorno a los 80 y los primeros escritores, con Muelle a la cabeza, encuentran los primeros botes de pintura. Las primeras marcas que lo ofrecían era Novelty, Dupli Colors, llegando Spray Color un poco después.

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    Eran varios los problemas de estos primeros sprays, por una parte era pintura de uso doméstico (para pintar muebles principalmente); segundo, su gama cromática era muy limitada y lo principal, sus precios lo convertían en inaccesibles para la juventud de la época.

    Si querían pintar, necesitaban sprays y encontraron la solución más rápida: robarlos.

    La expansión del graffiti por España.

    A mediados de los 80s, con el graffiti comenzando a expandirse lentamente por Madrid, Barcelona, Alicante, Murcia, Málaga, etc. las marcas que dominaban el sector eran Novelty, que envasaba sus pinturas procedentes de Italia, en un polígono de Fuenlabrada, pero que desafortunadamente desapareció a principio de los 90s.

    Por otro lado estaba Spray Colors, fundada en 1981, que primero vendía bajo ese nombre y que luego paso a ser Pinty Plus Basic. Evolucionando, en 2010, a NBQ (Never Be Quiet) su línea de sprays dedicada al graffiti.

    Sprays-Graffiti-Montana-Colors

     

    Y por último teníamos a Felton Sprays, una de las más usadas y precursora de Montana Colors, porque su director comercial de la época, Jordi Rubio, fue uno de los fundadores de Montana junto a Miquel Galea, Kapi y Moockie, estos dos últimos reconocidos escritores de Barcelona.

    Era el año 1993 y antes de crear Montana Colors, Jordi ayudó a los escritores a crear la primera tienda de graffiti de España. Se llamó Game Over y estaba en Barcelona. Empezaron comercializando los sprays Felton y crearon la famosa carta RAL de 25 colores, añadidos a los 25 ya existentes.

    Se unió por un lado la experiencia con el spray y el graffiti de Kapy y Moockie y por otro los conocimientos técnicos de Jordi y Miquel. Un equipo perfecto.

    Montana cambia las reglas de los sprays de graffiti.

    El primer bote de spray de Montana fue en tamaño de 200 ml con una gama de 60 colores y se logró lo que tantos escritores de graffiti anhelaban: buena presión, trazo limpio y capacidad de cubrición, pero sobre todo un precio excelente.

    En 1995 el bote duplicaría su tamaño hasta los 400 ml y comenzaron a vender por toda Europa.

    Luego llegarían las boquillas y el donut de color, para identificar los sprays. Pocos meses después, ya vendían a EEUU, Canadá, México y Argentina. Su expansión global fue imparable, tanto que en el año 2000, en Alemania surgió Montana Cans, que copió su concepto, incluso tuvo un litigio con ellos por el naming usado.

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    En España, la competencia de sprays para graffiti sigue creciendo, destacando la aparición reciente de dos nuevos competidores para NBQ y Montana, por un lado tenemos a AKA, de Valencia y por otro a DAY Colors, fundada en 2007 y con línea propia dedicada al graffiti.

    Además, los tipos de sprays han evolucionado con el tiempo, ofreciendo ahora sprays base-agua, ideal para interiores y para aprendices, sprays de alta presión, sprays platas exclusivos o fluorescentes.

    Otras marcas: Molotow, Ironlak, Kobra, etc.

    Actualmente son muchas las marcas dedicadas específicamente al graffiti, así destacamos a Belton Molotow en Alemania con 4 líneas de spray, Ironlak con más de 130 colores, Sabotaz en Grecia o Clash, Scribo y Kobra, en Italia. A lo que sumamos, las nombradas anteriormente, Rust-Oleum y Krylon, usadas en EEUU, pero sin línea dedicada al graffiti.

    SprarVar-Spray

    Hasta aquí este recorrido por la historia del spray en el graffiti. Una evolución que significó una revolución en el mundo del graffiti, con la aparición de líneas de sprays dedicadas a los escritores. Pasando de ser considerados vándalos a artistas del aerosol.

    Puedes ver el documental completo sobre los Sprays de Graffiti aquí.

    🙏 Agradecimiento especial a «Lechuga» de Phatdiggaz por su colaboración. Aquí podéis leer su fantástico artículo sobre los sprays en España

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  • ¿Quién fue Jean Michel BASQUIAT?

    ¿Quién fue Jean Michel BASQUIAT?

    Os presentamos a Jean Michel Basquiat, uno de los artistas contemporáneos más importantes del siglo XX y que, sin estudios de arte y viviendo en la calle, hizo graffiti y luego arte urbano con el pseudónimo de SAMO. Esto le hizo ganarse una fama sin igual en los años 80 en Nueva York y luego en todo el mundo. Esta es su historia

    No pienso en arte cuando estoy trabajando. Trato de pensar en la vida.

    Infancia de Basquiat.

    Jean Michel Basquiat nace en el año 1960 en Brooklyn, NY, en una familia acomodada, siendo el mayor de 3 hermanos. Su padre era un contable de origen haitiano y su madre, estadounidense de ascendencia puertorriqueña, era diseñadora gráfica.

    Desde los 3 años, Basquiat ya pintaba inspirado por todo lo que le rodeaba: televisión, cómics, coches, ruido, la vida de las calles.

    Basquiat-Infancia
    Basquiat de niño

    Jean Michel, recibe una educación en arte por parte de su familia, principalmente de su madre, que también lo inició en la lectura de literatura poética, incluso le hizo miembro junior del museo de Brooklyn.

    Unos meses después, es atropellado por un coche y pasa un tiempo en el hospital donde encuentra una inspiración que marcaría su vida y su corta carrera artística, su madre le regala el libro de Anatomía de Grey.

    Lo que encontró en su interior, decenas de ilustraciones de biología y anatomía, serían posteriormente una clara referencia en toda su obra de estudio.

    Con 14 años vive un par de años en Puerto Rico, por el cambio de trabajo de su padre. A la vuelta a Brooklyn y tras el divorcio de sus padres, vive una etapa escolar convulsa, con hasta 5 cambios de colegio, pasando de una escuela católica privada a varias escuelas públicas, acabando con 16 años en la City-As-School, un centro escolar para superdotados.

    jean-michel-basquiat-pintura

    La creación de SAMO.

    En la City-As-School donde conoce a Al-Díaz, compañero de clase que le introdujo en el mundo del graffiti. Díaz había sido escritor de graffiti desde los 12 años, firmando como “Bomb-One”, pero tras años escribiendo decidió dejar la escena por falta de motivación hasta que conoció a Basquiat. Juntos se acercaron al mundo de las drogas, el graffiti y las bandas callejeras.

    La estancia de Basquiat en la City-As-School no dura mucho, apenas un año.

    En 1978, justo antes de su expulsión había creado, junto a Díaz y otros compañeros a SAMO, un alter-ego, que en principio estaba diseñado como parte del periódico del colegio, pero que pronto decidió llevar a las calles junto a Díaz.

    SAMO, es el acrónimo de Same old Shit, traducido como “siempre la misma mierda” y que se convirtió en su pseudónimo, aunque más bien era un marca o un personaje.

    En Mayo de 1978, casi coincidiendo con el inicio de SAMO, decide dejar casa de su padre y vivir en las calles por la zona del Low Manhattan.

    Díaz y Basquiat comienzan a escribir SAMO y, posteriormente, sus famosas frases, no sólo por las calles de Manhattan, sino que se encontraba en ascensores, baños e incluso en algunos trenes de la línea de D del suburbano neoyorquino.

    SAMO se hace cada vez más conocido.

    Sin embargo, no era una graffiti de firma, sino que crean un graffiti, social, legible y para todos los públicos. Es más arte urbano que graffiti, por el público al que se dirigen.

    A finales de 1978, Basquiat que seguía viviendo en la calle, comienza su verdadero bombardeo como SAMO en la zona del denominado Soho, el East Village y los alrededores del School of Visual Arts.

    High-School-Pals-Jean-Michel-Basquiat-Al-Diaz-with-SAMO-Wall-Tag

    Frases de Samo-Basquiat
    Frases de Samo-Basquiat

    Las frases de SAMO comenzaron a ser más y más populares, tanto que algunos medios como Soho News publicaron información sobre su aparición, aunque nada se sabía sobre su autores y mucho menos que fueran 2 personas.

    Algunas de las frases más populares de SAMO fueron:  SAMO como fin de la religión, de las políticas que no llevan a ninguna parte y de filosofías falsas o SAMO como alternativa a DIOS.

    Basquiat desvela la identidad de SAMO.

    El impacto de SAMO siguió creciendo, incluso el medio especializado en arte, The Village Voice, escribe sobre él. Su nombre comienza a llamar más la atención, pero se seguía sin saber nada sobre quién estaba detrás.

    1979 fue un año clave para Basquiat y para SAMO, por un lado el filósofo y artista, Henry Flint, comienza a hacer fotos de los graffitis de SAMO y conoce a Díaz y otros compañeros de clase de Basquiat, lo que le permite descubrir la identidad de SAMO.

    Por otro lado, Basquiat comienza a escribir como SAMO en solitario y conoce a Keith Haring, que le introduce en la escena cultural de la ciudad y en su círculo de amigos y estudiantes de la School of Visual Arts.

    En el vídeo de Youtube te contamos cómo fue el divertido encuentro entre Haring y Basquiat.

    Basquiat, pese a que siempre lo negó, tenía una clara estrategia de llamar la atención con las frases de SAMO, por lo que siguió escribiendo en el SOHO y alrededores de todas las galerías cercanas… de forma que artistas, críticos, galeristas y aficionados al arte pudieron ver su mensaje y lo consiguió.

    Basquiat-Warhol

    A finales de 1979, estando ya en el círculo de Haring y Kenny Scharf, aparece en el programa de TV de Glen O´Brien, TV Party, donde se presentó como la persona detrás de SAMO.

    En 1980, con 20 años, y pese a que llevaba tiempo pintando SAMO en solitario, decide romper su colaboración con Al-Díaz y escribe en numerosos lugares, “SAMO is dead”, Samo está muerto, para desvincularse del graffiti y dejar su trabajo en la calle. Basquiat siempre renegó de esta parte de su trabajo en la calle, porque pensaba que sería una etiqueta que le quitaría importancia y credibilidad a su obra.

    Samo-is-dead-Basquiat


    La historia de Basquiat en vídeo.

    Si te apetece ver todo su historia en formato multimedia, con más imágenes y vídeos, échale un vistazo al que preparamos para Street Art Málaga.


    Basquiat se convierte en una estrella.

    Pronto, gracias a todos los contactos que hizo, fundó el Gray, un grupo musical en el que tocaba el clarinete y el sintetizador, y clara referencia al libro de Anatomía de Grey que marcó su infancia. La música, que supuso una enorme influencia en su obra, le permitió frecuentar pubs como CBGB y el Mudd Club, lugares de moda donde se reunían otros artistas y comenzar su carrera como artista de estudio, tan fulgurante y exitosa como siempre rodeada de polémica.

    Entre 1980 y 1981 graba la película Downtown 81 que narra la vida de un joven artista, él mismo, Jean Michel Basquiat, que necesita dinero para recuperar la vivienda de la que ha sido desalojado y que le permite alcanzar fama y vender su primera obra de estudio por 200$.

    Basquiat deja la calle y trabaja en casa.

    Desde ahí se mudó con su Suzanne, su pareja de entonces y comenzó a pintar en su casa, pero en cualquier superficie, ventanas, puertas, materiales que encontraba por la calle, el frigorífico… estaba naciendo el Basquiat de estudio y el artista que pintaba de forma compulsiva.

    Basquiat-Haring-Warhol
    Haring, Warhol y Basquiat

    Como dice la crítica, Basquiat dejó de ser afromericano para ser americano y romper con la tendencia artística de los 80s, principalmente arte conceptual, abstracto y minimalista, con un estilo diferente, rompedor, con líneas de graffiti y con un claro componente neo-expresionista.

    Sus relaciones con Andy Warhol o Madonna, no hicieron más que encumbrar la carrera artística de Basquiat al que llamaron “El niño radiante”. Con Warhol, encontró a un consejero, un amigo y un confidente y Warhol encontró en él a un chico con una energía desbordante y una exuberante creatividad.

    El fallecimiento de Basquiat

    Desafortunadamente, en 1988, con tan sólo 27 años, murió de sobredosis, tras una vida llena de éxitos y excesos a partes iguales.

    A lo largo de su breve, tan sólo 8 años, pero intensa carrera artística Basquiat realizó más de 40 exposiciones personales y participó en alrededor de 100 colectivas.

    Y su leyenda sigue más viva que nunca con ventas de sus cuadros que han alcanzado los 100 millones de euros.

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  • ¿Quién fue KEITH HARING? Graffiti o Street Art

    ¿Quién fue KEITH HARING? Graffiti o Street Art

    Hoy en DeGraffiti.com os presentamos a Keith Haring, artista estadounidense que revolucionó la escena artística de los 80 en Nueva York, comenzando, sin saberlo, el arte urbano, con una propuesta rompedora y tan alejada del graffiti en su estética como cercana en su influencia.

    Dibujos compuestos por letreros y pictogramas que convirtieron su legado en universal.

    Infancia de Keith Haring.

    Keith Haring nació el 4 de Mayo de 1958 en Reading, Pensylvania, pasando su infancia en la cercana ciudad de Kutztown. Desde pequeño sintió pasión por el dibujo, teniendo una clara referencia de su padre y de Walt Disney.

    En sus años de instituto, a través de la enseñanza, los libros y las visitas a museos, comienza a desarrollar interés por el arte moderno.

    Con 18 años, en 1976, ingresa en la Ivy School of Proffesional Art en Pittsburg, donde tras apenas 1 año se da cuenta de que no quería ser: ilustrador o diseñador gráfico, profesiones que veía en otros compañeros y gente que conocía en la escuela.

    Ese mismo año, Haring recorre parte del país haciendo autostop en busca de otros programas de arte que pudieran interesarle. Finalmente, optó por volver a Pittsburg y asistir a algunas clases en la universidad, lo que le permitió estar en contacto con el “Pittsburg Arts & Craft Center” donde consiguió un trabajo, que pasaba por pintar paredes y reparar el techo.

    bocetos_dubuffet1

    Allí empezó a usar sus instalaciones para hacer cuadros cada vez más grandes. Hasta que en 1978, , casi por casualidad, realizó su primera exposición. Decimos de casualidad, porque tras una cancelación, se quedó un espacio libre y se lo ofrecieron a él.

    La primera exposición de Keith Haring y viaje a NY.

    Fue su primera exposición, en ese momento abstracta, donde mostró pequeñas formas interconectadas con influencias de Alechinsky, William Burroughs o Jean Dubuffet. Tenía sólo 19 años y ese evento le permitió darse cuenta de lo que sí quería: dejar todo lo que conocía, dar el gran salto e irse a Nueva York. Y eso es lo que hizo.

    A finales de 1978, con 20 años, llega a Nueva York disfrutando de una beca de estudiante en la SVA (School of Visual Arts). Aquí encuentra el escenario ideal, por un lado una comunidad urbana multicultural y desbordante, por otro lado un grupo de compañeros con la misma energía que él tanto en la escuela como en la zona del East Village.

    Y a eso le sumamos un ambiente perfecto para explorar y liberar su parte más personal, su identidad gay.

    Keith Haring in Subway Car, ca. 1984
    Keith Haring Subway Drawing ca. 1984
    Photographed by Tseng Kwong Chi

    En el plano artístico, Haring se sintió especialmente inspirado por la belleza y espontaneidad del graffiti en el metro. Era un mundo moderno y callejero. El museo había salido a la ciudad y las piezas se paseaban ante los ojos de todos.

    Las pinturas viajaban hasta ti en vez de ir tú a por ellas.

    Asimismo, le fascinaban las líneas, letras, caligrafía y dominio técnico de los escritores de graffiti. Sin embargo, Haring no quería hacer graffiti, sino que buscaba su propio estilo y forma de expresarse.

    Sus clases en la SVA comenzaron a ser fructíferas, porque experimentó con performances, instalaciones, vídeos o collages, pero sin perder la esencia del dibujo. Asimismo, estudió semiótica, la ciencia de los signos y descubrió que las imágenes podían funcionar como palabras.

    club574-superJumbo-Haring
    Club 574 de NY

    Y llegó su primer proyecto en el espacio público, inspirado por amigos como Jenny Holzer, que consistió en una serie de carteles fotocopiados que reproducían titulares satíricos compuestos a partir de recortes de prensa sensacionalista. Los textos se acompañaban con fotografías de los protagonistas de las imposiblemente escandalosas noticias, a menudo Reagan o el Papa.

    Era una primera aproximación al arte público, pero no era el proyecto que buscaba.

    Haring empieza a pintar en el metro.

    En 1980, dos años después de su llegada y tras coincidir en algún evento con escritores de graffiti, Haring encontró el espacio ideal para trabajar, compartiendo con ellos parte de su lugar: el metro, pero cambiando todas las reglas.

    keith-haring-subway-drawings-5

    Su espacio de trabajo serían los paneles publicitarios sin usar del metro, cubiertos de papel negro mate. Así que compro tiza blanca y comenzó a dibujar, a crear, a expresarse.

    Estaba naciendo el arte urbano, un lenguaje que a diferencia del graffiti, el gran público si podía entender, su mensaje llegaba a todos, aunque eran libres de interpretarlos.

    Sin embargo, Haring fue encasillado, indebidamente, como artista del graffiti, tanto en prensa como en TV, principalmente, porque no se sabía bien que es lo que hacía y por qué tenía que ser diferente a los escritores de graffiti.

    Haring trabajaba de día, con el metro funcionando, a la vista de todos. Era casi como una performance. Su trazo con tiza en estos paneles se convirtió en un laboratorio para desarrollar sus ideas y experimentar con sus líneas, creando un universo simbólico y gráfico, adaptado a la perfección al soporte y al timing del lugar.

    Keith Haring trabajaba por intuición, sin boceto, sin preparación previa. Eso le permitía adaptarse mejor que nadie al entorno, al lugar o a la situación.

    El estar pintando allí no le libró de ser detenido en varias ocasiones, pero al pintar con tiza en carteles vacíos y no con spray en los trenes, le liberaban rápido.

    Keith-Haring-Pintando


    La historia de Keith Haring en vídeo.

    Si te apetece ver todo su historia en formato multimedia, con más imágenes y vídeos, échale un vistazo al que preparamos para Street Art Málaga.


    Lanzamiento internacional de Keith Haring.

    Su primera exposición en solitario fue en Nueva York en 1981, pero su salto definitivo fue en 1982 con una exposición en la galería de Tony Shafrazi, una de las más populares del Soho neoyorquino.

    Incluyó dibujos, lonas pintadas, esculturas y live painting, transformando la galería en una especie de club, tan famosos en esa época como el Mudd Club y el Club 57.

    Desde ahí entró en contacto con Andy Warhol, Basquiat o Kenny Scharf, estos dos últimos artistas que empezaron en la calle y también pasaron a las galerías. Además tuvo amistad con Madonna, Michael Jackson o Yoko Ono, por destacar algunos de los más importantes.

    Al año siguiente, en 1982, realizó su primer gran mural entre Houston Street y Bowery, lo que le permitió explorar nuevos formatos.

    Además su trabajo no se limitó a galerías o la calle, sino que Haring expuso en centros reconocidos como el Stedelijk Museum de Amsterdam (1986) o el Whitney Museum of American Art de Connecticut (1986), y participó en certámenes como la Documenta 7 de Kassel (1982), la Bienal de Sâo Paulo (1983) y la Bienal del Whitney (1983).

    En los años siguientes, siguió produciendo obras y viajando por el mundo. Además, exploró otros formatos como la escultura, que manejó tanto en gran formato con su iconografía como en pequeño formato adaptando su lenguaje a la forma.

    Keith Haring, Crack is Wack, Tseng Kwng Chi, 1986.4
    Keith Haring, Crack is Wack, Tseng Kwng Chi, 1986.4

    Últimos años de vida de Keith Haring.

    1986 fue el año más importante de su carrera artística por todos los hitos que consiguió.

    En abril de 1986, Haring abrió Pop Shop, una tienda en el Soho que vendía camisetas, juguetes, carteles, botones e imanes con sus imágenes.

    De nuevo, era un cambio en las reglas, porque la tienda convirtió su obra en accesible a todo el mundo y no reducida al mundo elitista del arte.

    Además, Haring consideró la tienda como una extensión de su trabajo y pintó todo el interior de la tienda con un mural abstracto en blanco y negro, creando una experiencia más que un espacio de venta. Esto le valió una fuerte crítica entre algunos galeristas y expertos de arte, algo que no importó nunca al artista, feliz por haber llegado a una audiencia más amplia.

    Pop-SHop-Keith-Haring Pop-Shop-Haring

    Ese mismo año 86 creó otros 3 proyectos grandiosos y súper reconocidos, por una parte una crítica social a la droga que asolaba la ciudad con “Crack is Wack”. Luego llegaría un mural creado para el centenario de la Estatua de la Libertad en 1986, en el que Haring trabajó con 900 niños y uno de sus trabajos más conocidos: un muro en el lado occidental del Muro de Berlín tres años antes de su caída.

    haring_basquiat-warhol
    Haring, Basquiat y Warhol

    Tras fallecer Warhol y luego Basquiat, en 1988 sucedió la noticia: le diagnosticaron SIDA, algo que él sospechaba desde hacía años y que reconoció públicamente en una entrevista a la revista Rolling Stone y que aumentó el componente social de su obra, incluyendo la lucha contra el sida como un mensaje más.

    Keith-Haring-Act-up-for-life

    Al año siguiente, creó la Fundación Keith Haring, cuyo objetivo es proporcionar fondos e imágenes a las organizaciones contra el SIDA y los programas para niños, y ampliar la audiencia del trabajo de Haring a través de exposiciones, publicaciones y la concesión de licencias de sus imágenes.

    Keith Haring murió por complicaciones relacionadas con el sida en Nueva York el 16 de febrero de 1990. Desde entonces, su trabajo ha sido mostrado en varias retrospectivas internacionales y su obra se puede ver hoy en las exposiciones y colecciones de los principales museos del mundo.

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  • ¿Quién fue MUELLE? El pionero del graffiti en Madrid

    ¿Quién fue MUELLE? El pionero del graffiti en Madrid

    Con nuestras pintadas le devolvemos a la ciudad parte del oxígeno que le roban los fabricantes de sprays. Muelle – Madrid (1990)

    Detrás de esta frase encontramos a Juan Carlos Argüello, un joven madrileño, nacido en 1965 en el barrio de Campamento, a las afueras de la capital y que a principios de los años 80 creó con su firma el llamado graffiti autóctono madrileño. Una revolución social al mismo nivel que consiguió  Taki 183 en Nueva York.

    Contexto social de la aparición de Muelle.

    En esos momentos, España estaba en plena Transición, pasando de la represión a la libertad, por tanto los límites estaban muy difusos, algunos por definir. En ese contexto, surgió la llamada Movida Madrileña, donde jóvenes del ámbito cultural, con mucha influencia de la música punk, pop y rock, se convirtieron en sus máximos exponentes… pero le faltaba algo a ese movimiento y ese algo fue Muelle, que unió su pasión por la música, donde era batería de un banda con la creación de su firma en las calles. Primero en su barrio, luego en los alrededores y después por toda la ciudad.

    Estamos en el año 1982 y Muelle comienza pintar con rotulador, pero no con su firma directamente, sino que lo hacía con el nombre de su grupo: Salida de Emergencia, inspirado en las pintadas que veía del grupo punk “Decadencia” que llenaron el metro de Madrid con su nombre.

    Dos años después, en 1984, Muelle cambia de registro y comienza a firmar con su apodo, aunque con un estilo muy simple y sin llevar los detalles que marcarían su estilo: el muellecito de debajo y la erre del registro.

    Firma-Muelle-Madrid-Otros-Tags

    ¿De dónde venía el nombre de Muelle?

    Pues era su apodo del barrio, porque años atrás se había comprado una bicicleta a la que incorporó un enorme muelle de moto.

    Un Muelle que convirtió en su marca, bombardeando la ciudad y convirtiéndose en la firma más conocida de la época.

    La aparición de las primeras firmas de Muelle crearon desconcierto, tanto que surgieron decenas de leyendas urbanas, sobre su significado, quién estaba detrás o si en realidad no era más un reclamo de una marca o una campaña publicitaria. Ante la ausencia de información, el misterio sobre Muelle fue creciendo.

    Muelle fue uno de los escritores más prolíficos, pero no el único, porque firmas como las de JOSESA PUNK, BERO ES DIOS, Club, Juan Manuel, o BLECK (la rata), fueron claves en la difusión del graffiti por toda la ciudad. Entre todos crearon una corriente que siguieron muchos jóvenes y que comenzó a dar visibilidad al llamado Graffiti autóctono madrileño, también conocido como estilo logotipo o flechero, por la utilización de la flecha como forma estilística destacada de las firmas.

    JuanManuel-Graffiti-Madrid

    Graffiti autóctono madrileño y convivencia con el Hip Hop Graffiti.

    Además, este estilo flechero tenía ciertas similitudes al tagging neoyorquino que surgió a principio de los ochenta en EEUU donde la subcultura punk de esos años también añadía esas flechas, pero la gran diferencia es que Muelle lo hacía a miles de kilómetros de allí sin saberlo.

    Sin embargo, lo que lo hizo único fue no sólo su aparición en la ciudad rompiendo los límites o creando algo nuevo, sino que no seguía el patrón del más famoso estilo de Graffiti de la época, el llamado Hip Hop Graffiti, que llenaba los trenes de Nueva York y que fue llegando a España, poco a poco, de la mano de películas como Style Wars, Fanzines o libros de fotografías de graffiti como los de Henry Chalfant.

    A raíz de estas publicaciones, en convivencia con este graffiti autóctono, sobre 1986-1987 surgió una segunda oleada de escritores cercanos al Hip Hop graffiti y nombres como CHOP, RAYO, MATA, ZETA o MAST, lideraron este movimiento que surgió de forma paralela a mitad de los 80s. Sin embargo, Muelle nunca se vinculó a ellos, es más, siguió pintando su firma en el metro, pero en el interior de la estaciones, nunca en trenes.

    Grafiteros-Madrid
    Grafiteros en Madrid 80s

    Una de las cosas más valiosas de Muelle y su firma era su capacidad de dejar su huella en cientos de lugares, porque con el paso de los años fue ampliando el radar de actuación, llegando desde Aluche al centro o las calles periféricas del barrio de la Latina.

    La firma de Muelle evoluciona.

    En palabras de sus amigos, Muelle era un tipo sencillo, siempre dispuesto a ayudar, que incluso recibía en su casa a otros jóvenes que se iniciaban en el mundo del graffiti y querían ver su obra y, por supuesto, llevarse su autógrafo.

    A finales de los 80s, Madrid estaba lleno de firmas de Muelle, pero él siguió evolucionando su estilo, incluyendo su famoso tirabuzón en 1985. Ya no eran simples trazos hechos con rotulador, sino que el spray se convirtió en su herramienta habitual, creando formas más complejas, combinando colores y creando profundidad con un estilo tridimensional, destacando brillos y sombras, que lo acercaban más al Hip Hop Graffiti.

    Es en 1987 cuando Muelle llega a su versión definitiva, con su famosa R encerrada en un círculo, que creó escuela al igual que sus flechas incorporándola otros escritores.

    Firma-Muelle-calle-Montera-Madrid
    Firma de Muelle en calle Montera (Madrid)
    Graffiti-Muelle-Madrid-Inicios
    Inicios de Muelle


    La historia de Muelle en vídeo.

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    Su firma como marca.

    De hecho, tan importante fue su firma que la registró en la Oficina de Patentes y Marcas para evitar plagios o copias ilegales. Incluso el propio ayuntamiento de Madrid le copió la firma, incluyéndola en una poster publicitario, lo que provoco la denuncia por parte del artista. Y, como era de esperar, una gran oferta para quedarse con los derechos de la firma. Como contó él mismo, la suma fue de 5 millones de pesetas de la época por parte de una empresa de colchones… pero se negó a venderla y siguió firmando por la ciudad.

    Muelle comenzaba a ser reconocido como un icono de la movida madrileña, pero poco o nada se sabía de su identidad, que celosamente había guardado, porque como él decía “Lo que es famosa es mi marca, no mi persona”.

    Además de su estilo flechero y registrar su firma, Muelle pasó a la posteridad por ser el primero que estableció ciertos criterios éticos y estéticos en relación a los lugares donde intervenir. Así Muelle recomendaba pintar sólo en sitios abandonados, vallas publicitarias o en obras, dejando libre de firmas lugares como vagones de metro, paredes de casa o propiedades privadas. Esto generó unas normas para la juventud que se iniciaba en este mundo, aunque no todos respetaron.

    muelle-en-acción

    Pese a que Muelle era muy conocido en Madrid, no tenía proyección nacional, más allá de los círculos de grafiteros, donde era una referencia. El documental “Mi firma en las paredes”, emitido en TVE en 1990, le colocó en el lugar que se merecía, con un relato centrado en su figura, rodeado de otras figuras claves de la época como Blek la rata, Remebe o Tifón y donde el propio muelle sin salir mostrando su rostro, sí que deja su impronta con frases que han pasado a la posteridad como:

    Cuando pintas te sientes vivo y por un momento te olvidas de que eres masa. En esta ciudad hay demasiada mierda y demasiada soledad de este modo le regalamos a la gente un poco de nosotros mismos.

    El legado de Muelle.

    Y llegamos a 1993, año en el que Muelle anuncia que lo deja porque “su mensaje estaba agotado”. Tanto fue así, que tan sólo 2 años después, a los 30 años de edad falleció por un cáncer. Una enfermedad que le hizo ser siempre vital y vivir cada día al máximo.

    Se apagaba la llama del pionero, pero no iba a desaparecer su figura y su legado.

    Como suele pasar en estos casos, la importancia que tuvo Muelle en el grafiti nacional tardó unos años en llegar y con la aparición de los primeros investigadores del grafiti y el arte urbano su figura recuperó el lugar que mereció. Así comenzaron a sucederse los homenajes a Muelle, la catalogación de sus firmas, la aparición de libros sobre él o documentales.

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  • ¿Quién es CORNBREAD? El Pionero del Graffiti en EEUU

    ¿Quién es CORNBREAD? El Pionero del Graffiti en EEUU

    Darryl «Cornbread» McCray, se hizo famoso al firmar las paredes de toda la ciudad con su apodo de Cornbread a mediados de los 60 y crear, sin saberlo, el inicio del writing o tagging, donde su nombre se apoderó de todo el espacio público. Hoy os presentamos a os presentamos a CornBread: el primer escritor de graffiti.

    Los pandilleros escribían en las paredes para identificar su territorio. CornBread escribía su nombre en las paredes con el único propósito de establecer una reputación.

    Infancia y creación de su tag.

    McCray nació en Filadelfia en 1953 y se crió en Brewerytown, un vecindario del norte de la ciudad, bajo los cuidados de su madre y sus abuelos. Su infancia, como tantas otras en esa época en Estados Unidos, fue problemática, tanto que con 12 años, McCray fue enviado a un centro penitenciario juvenil llamado Youth Development Center (YDC).

    Fue en ese lugar, el YDC de Filadelfia donde comenzó su leyenda y apareció su firma por primera vez.

    Firmas-Graffiti-Phily

    El nombre de Cornbread viene de la referencia al pan de maíz que hacía su abuela y que había dejado de comer al llegar a la prisión. Así, como lo echaba de menos, comenzó a pedirle pan de maíz, día tras día, al jefe de cocina, el Sr Swanson, el cual no le hacía caso y le seguía sirviendo pan blanco de trigo nada apetecible.

    Hasta que un día el Sr. Swanson se cansó, lo echó de la cocina y le dijo a todos los presentes: “Keep this Cornbread out my kitchen!” («¡Mantén este pan de maíz fuera de mi cocina!»)

    Desde ese momento, todos empezaron a llamarlo así: Cornbread, sin embargo, tener un apodo, que podría ser un problema para un adolescente, él lo considero algo atractivo, así que volvió a su cuarto, cogió un rotulador y se puso Cornbread en la parte de atrás de su camisa.

    Sin embargo, lo que le generó la expansión de su nombre fue su buena relación con las pandillas que estaban en el centro juvenil, que ya estaban escribiendo los nombres de los grupos en las paredes del centro para marcar territorio. CornBread consiguió su respeto e incluir su nombre junto a ellos.

    ¿Cómo lo consiguió? Sencillo, él era el que les escribía las cartas de amor a los pandilleros para que se las enviaran a sus novias y lo hacía inspirado en los libros de poesía que le enviaba su hermana.

    Cornbread-The-Legend

    Cornbread inicia, sin saberlo, el writting graffiti.

    Era 1965 y comenzó el writting graffiti, el graffiti de autor, empezando a escribir su firma, una y otra vez. Tanto fue así que llenó el centro juvenil con su nombre, lo puso en todas partes: el baño, la capilla, la cafetería, el gimnasio, la comisaría, la administración, la enfermería o el gimnasio.

    Su único objetivo era que su tag estuviera en cuántos más lugares posibles.

    Este hecho le provocó, obviamente problemas con la dirección del centro que le exigió que borrara todas sus firmas, sin embargo él se negó. Había descubierto un mundo de oportunidades, que comenzaría a expandir más aún cuando volvió a casa en 1967.

    taki183-cornbread-graffiti Cornbread-Legend-Graffiti

    Poco tiempos después cambió del rotulador a la pintura en aerosol, al spray. Sus primeros pasos con el bote llegaron cuando se enamoró de Cynthia Custuss, una de sus compañeras de clase del octavo grado del Strawberry Mansion Junior High.

    Cornbread Loves Cynthia

    Se ganó con éxito ser correspondido al escribir «Cornbread Loves Cynthia» en todas las pizarras de clase y a lo largo de la ruta que tomarían en su camino a casa. Además, en todas las rutas de autobús se podría leer: Cornbread.

    Sin saberlo estaba practicando el denominado “getting up”, que no era otra cosa que hacerse ver en la ciudad mediante la escritura del nombre.

    Era el único en ese momento y rápidamente expandió su influencia y su nombre más allá del norte de Filadelfia. Su firma pronto llegaría al metro, taxis, trenes de carga, camiones de correo y vehículos policiales.

    Cornbread, Cool Earl y otros escritores.

    Poco tiempo después se le unieron nuevos escritores como Cool Earl, TITY Peace Sign, Kool Klepto Kidd, Dr. Cool No. 1, Chewy, Bobby Cool o Cold Duck.

    En esos momentos no importaba la calidad de las firmas, porque todavía no había demasiado estilo ni referencias de otros. Lo que contaba era cuantas veces y en cuántos lugares podías escribir tu nombre. Lo que luego se denominó bombardear la ciudad.

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    Su firma de CornBread fue de las primeras en incluir la corona, para proclamarse rey de la zona y luego llegarían las flechas o la disposición de palabras en dos líneas que aparecían una y otra vez en las firmas de los escritores de Filaldefia.

    Leyendas e historias.

    En estos años fueron muchas las anécdotas o leyendas sobre Cornbread, como que pintó su firma en el ala del avión de los Jackson Five, cuando estos firmaban autógrafos en el Aeropuerto Internacional de Filadelfia y nadie reparaba en el jet privado que lo llevaba.

    Una de sus grandes historias llegó en 1971, cuando Cornelius Hosey fue asesinado a tiros en una guerra de pandillas, y los periódicos de Filadelfia lo identificaron erróneamente como Cornbread, por el Corn del nombre, titulando “CORNBREAD está muerto”.

    Este hecho le enfadó bastante y decidió responder con una actuación de película: al irse al zoo de la ciudad y comenzar a escribir “Cornbread vive /Cornbread lives” en las casetas de entradas y en las jaulas de monos y leones, incluso en los dos costados de un elefante con un spray rojo brillante, hecho por el que fue detenido y llevado a prisión.

    Y con cierto paralelismo a lo que pasaría con la firma de Muelle en España, los policías le pedían autógrafos al saber que era el mítico Cornbread el que estaba allí.

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    La historia de CornBread en vídeo.

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    Cornbread abandona el graffiti.

    El movimiento del graffiti se iba trasladando a Nueva York, donde llegaría su expansión global, pese a que el periódico New York Times había descrito a Filadelfia como «La capital mundial del graffiti» en ese momento, pero la trascendencia de Taki 183 y el Graffiti en los trenes y metros rompería todas las barreras.

    Pocos meses después, en julio de 1971 diferentes escritores locales entre ellos CORNBREAD o COOL EARL abandonaron el graffiti y lo publicitaron en un acto cubierto por el periódico “The Philadelphia Inquirer”, donde los escritores explicaron parte de sus motivaciones, llegando a exponer su identidad.

    Tras esto, Cornbread se traslada a Los Ángeles y luego a Nueva York para cumplir uno de sus sueños y convertirse en actor, algo que no consiguió, regresando a su ciudad natal, Filadelfia, donde ayudó a su ciudad a combatir el graffiti que había invadido todo, diferente a lo que él empezó 20 años atrás.

    Cornbread-Pionero-Graffiti

    Anti-Graffiti Network y Mural Arts Program.

    Era 1984 y el alcalde Wilson Goode fundó la Anti-Graffiti Network reclutándolo para que lo ayudara a que los jóvenes del centro de la ciudad dejaran de escribir. Comentando el propio McCray: ““La ciudad de Filadelfia estaba tan desordenada que parecía otro mundo. Tuvimos que limpiar nuestra casa”

    La Anti-Graffiti Network finalmente se convirtió en The Mural Arts Program, el programa de arte público más grande de los Estados Unidos.

    McCray tuvo problemas con las drogas, llegando a estar en la cárcel varias veces y se puede decir que estuvo buscándose la vida en los años siguientes, hasta que le llegó la oportunidad de darle la vuelta a todo en 2007 cuando coincidió con Raphael Paris, músico local de funk y blues que idolatraba a Cornbread cuando era niño y que se encargó de hacer  la narración y la banda sonora de la película: Cry of the City Part 1: The Legend of Cornbread.

    Asimismo, Cornbread apareció en la película Bomb It, donde se habla de la historia del graffiti y nuestro protagonista aparece enseñando la primera pared donde escribió su nombre en las calles.

    Esto le permitió rehabilitarse y convertirse en activista social y conferenciante, dando charlas motivacionales sobre su juventud como escritor de graffiti, sus problemas con la ley y sus luchas con las drogas.

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  • ¿Quién es TAKI183? El escritor de Graffiti más famoso del mundo

    ¿Quién es TAKI183? El escritor de Graffiti más famoso del mundo

    Muchos lo consideran el primer escritor de graffiti, pero ni lo fue ni quiso serlo, simplemente se inspiró en lo que un amigo del barrio le dijo  que estaban haciendo otros: dejar su nombre por todos los lugares posibles. Sin embargo, Taki183 cambió las reglas, se salió de su barrio y dejó su nombre por toda la ciudad para ser incluso en la portada del NY Times.

    Aquí está la historia del primer escritor de graffiti famoso no sólo en NY, sino en todo el mundo. El primer grafitero “all city”.

    Infancia de Taki183

    Demetrius, más conocido por su apodo Taki, se muda con su familia a Nueva York, a mediados de los años 50, aunque siempre mantuvo sus raíces y conexiones griegas. Curiosamente, Taki, diminutivo muy usado en Grecia de Dimitrius o Dimitraki, utilizó su nombre real, pero algo era sólo perceptible para griegos o amigos que vivieran en la zona.

    Taki creció en Washington Heights, barrio del norte de Harlem, en NY, en un vecindario lleno de chicos griegos como él y con una creciente población de cubanos, dominicanos y puerto riqueños. Incluso la famosa banda “Savage Nomad” tenían su sede a escasos metros, pero nunca tuvieron problemas con ellos.

    Su infancia pasó sin demasiados sobresaltos hasta que en el verano de 1969 todo cambió. Fue tras un encuentro con sus amigos Phil y Greg cuando el grafiti apareció en su vida. Phil, que firmaba como Phil T. Greek, les contó sobre la historia de un chico que unos bloques más allá estaba escribiendo su nombre por todos los sitios. ¿Su nombre? Julio 204, precursor del grafiti de firma en Nueva York.

    Taki quedó fascinado por la idea y decidió probar, así que los 3, Phil, Greg y Taki comenzaron a escribir sus nombres por todos los sitios que visitaban. Curiosamente, siendo los camiones de helados estacionados en las calles sus lugares fetiches.

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    Taki183 y otras firmas

    El joven griego decidió añadirle el 183, el número de la calle donde vivía, para hacer su tag único, de la misma forma que su referente, Julio 204, había hecho años atrás.

    Taki 183 fue inspiración para mucho otros que vinieron después: Joe182, Babyface86, Barbara62 o Frank207.

    Un año después de iniciarse en el grafiti de firma, en otoño de 1970 la firma de Taki183 comenzó a hacerse más popular. ¿Cómo lo consiguió?

    La firma de Taki 183 se expande por Nueva York.

    Ese año inició el instituto en Midtown Manhattan y tenía que coger el tren número 1 todos los días, por lo que decidió escribir su firma en todas las estaciones de metro y en todos los lugares que consideró buenos para dejar su tag. Era un “hit & run”, pintar y correr, una y otra vez.

    Esa técnica de bombardear en sitios estratégicos, muchos de ellos sin nada, la aprendió viendo las campañas electorales de 1968 y 1970, donde las pegatinas y posters de Nixon lo invadían todo.

    Su método de firma, que era sólo con rotulador, la perfeccionó hasta tal punto que se hizo un agujero en su chaqueta de cuero para poder firmar en cualquier sitio sin sacar apenas el rotulador. De esa forma podía firmar en el interior de los vagones de metro sin llamar la atención.

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    Firma de Taki183
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    TAKI183 (MARTHA_COOPER)
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    TAKI183 (ALLIE_MARSIELLO)

    Posteriormente comenzó a trabajar como repartidor de cosméticos en el centro de la ciudad, lo que le permitió moverse andando por la zona más cara y pija de Nueva York, el Upper East Side. Allí, tras cada entrega, decidió dejar su marca, en cada esquina, ni importaba que fuera una señal, una farola, un muro o una parada del autobús. Su firma de Taki 183 comenzó llamar la atención cada vez más, porque eran barrios impolutos, sin apenas marcas o firmas.


    La historia de Taki183 en vídeo.

    Si te apetece ver todo su historia en formato multimedia, con más imágenes, vídeos y la mítica portada del NY Times, échale un vistazo al vídeo de nuestro canal de Youtube:


    El artículo del NY Times sobre Taki183 y el graffiti en Nueva York.

    Apenas unos meses después, en el verano de 1971, un periodista del NY Times se interesó por esa firma que estaba llenando la ciudad. Tras unos días de investigación consiguió llegar hasta Taki, hablar con él y publicar un artículo sobre su figura, sobre lo que hacía y por qué lo hacía.

    El artículo se tituló “Taki 183 Spawns Pen Pals”, algo así como “Taki183 provoca la explosión del rotulador”. En el texto se contaba las motivaciones que habían llevado a un joven de 17 años a poner su firma por toda la ciudad: Broadway, el aeropuerto Kenedy en New Jersey, Connecticut o casi cualquier zona de Nueva York. Además, mencionó a Julio 204 como pionero en el movimiento, destacando que había comenzado 2 años antes que él.

    Tras el artículo del New York Times su leyenda creció, hasta tal punto, que incluso se dijo que firmó en un coche del servicio secreto o en la estatua de la Libertad, algo que nunca se demostró.

    El artículo provocó un fuerte crecimiento del graffiti de firma en Nueva York. Todos querían salir en el Times.

    La explosión del graffiti de firma en Nueva York.

    Era un tiempo donde no había artistas, eran escritores. Chicos muy jóvenes, buscando reconocimiento y fama, usando la manera más simple que conocían, poniendo sus nombres en la pared.

    Ese mismo año le entrevistaron para Interview, la revista de Andy Warhol, al que rehusó conocer, porque no le interesaba la fama, tan sólo seguir divirtiéndose, compitiendo con sus amigos.

    En los siguientes años el graffiti explotó y se expandió definitivamente por toda la ciudad, llegando la época de los sprays, la guerra de estilos y grandes formatos. Taki no se interesó por esa parte y decidió dejar el graffiti. Fue a la universidad y aprendió reparación de coches y carrocería, negocio que luego montaría y que actualmente mantiene.

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    Graffiti en el metro de NY

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    Y Taki dedice dejarlo…

    Taki183 se ha mantenido alejado del mundo del graffiti, aunque en los últimos años su exposición y reconocimiento han aumentado, apareciendo en algunos eventos, dando entrevistas, formando parte de documentales o de películas. Lo que se ha mantenido es su nombre en todos los libros de graffiti, como figura clave del movimiento y de la historia del graffiti en Nueva York.

    Incluso su fama como escritor de graffiti fue llevada al cine en la película Turk182, que por su nombre y numeración se inspira en Taki 183, aunque él no recibió nada por ello.

    Taki183, el primer escritor famoso de graffiti,  creó sin saberlo unas reglas del graffiti que permanecen hasta nuestros días. Él simplemente escribía su firma, más veces, más alto, en más lugares, bombardeando una ciudad, Nueva York, que apenas veía el nacimiento de un movimiento que luego se apoderaría de todo el espacio público.

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    Taki183

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