El 1 de marzo de 2019 el grafitero mexicano Jesús Haxel Rodríguez, de 18 años, murió de un infarto. Tras su muerte, Atala, su madre, entró en su cuarto y se encontró un universo de botes, bocetos, pintura, rotuladores, pegatinas, incluso su última pieza, todo estaba relacionado con el graffiti.
Desde entonces, Atala Rodríguez, su madre, tomó los sprays y los rodillos y salió a pintar bajo el nombre de SIC, el mismo tag elegido por su hijo, para no dejar que su nombre se olvide.
Los inicios de SIC.
Comenzamos hablando un poco de Jesús Haxel Rodríguez, más conocido como SIC en el mundo del graffiti. Su primera afición fue el skate, patinando por las calles de San Agustín y Chimalhuacán, pero tras lesionarse, dejó de patinar y comenzó con el graffiti.
De forma autodidacta y con la ayuda de unos amigos, se inició en el graffiti, algo que no dejó hasta su fallecimiento.
Primero se inició con el tag de JS, en clara alusión a su nombre, Jesús, pero rápidamente cambió a algo que le identificaba aún más, porque era parte del mundo que veía.
Nacía el SIC, Sistema Igual a Corrupción.
SIC-Graffiti-Mexico-TrenLa última pieza de SIC
SIC como podemos ver en su Instagram, que les dejo en la descripción, entró en el graffiti con fuerza y no paraba de pintar. Lo hacía en las calles, muros, camiones, pero todo cambió cuando hizo su primera misión para pintar trenes.
Los trenes le permitieron vivir el graffiti más intensamente y fueron numerosas las piezas que dejó pintadas.
SIC en un tren
Con un estilo habitual de Bubble letters, las 3 letras de SIC comenzaban a aparecer en numerosos lugares e incluso los trenes a circular con su tag. También dio sus pinitos con las pegatinas, por los que podíamos ver al SIC en más lugares.
La trágica muerte de SIC.
En diciembre de 2018, pocos meses antes de fallecer el SIC nos dejaba esta publicación en su Instagram:
El amor que siento al hacer graffiti no se compara con ningún otro. He vivido situaciones en las que me pongo a pensar porque lo sigo haciendo y he encontrado la respuesta porque me gusta y lo amo, jamás dejare de hacerlo.
SIC
Instagram-SIC
Sin embargo, todo eso se truncó el 1 de marzo del 2019 cuando al salir de una fiesta recibió una fuerte paliza que lo dejó hospitalizado por dos semanas, hasta que falleció.
En su entierro, numerosas personas de su crew, el XZW, firmaron su ataúd, lo que también permitió dar el contexto de la importancia del graffiti para Haxel.
Para su madre, como podemos imaginar, fue una pérdida terrible, pero ahí mismo recibió el consuelo de alguno de sus amigos que la animaron a continuar con la labor de su hijo.
Atala y la crew
Atala toma el relevo de SIC.
Ella sintió que él dejó un legado y decidió, a los 2-3 días, salir a pintar en homenaje al SIC, en homenaje a su hijo. Dijo: yo, voy a salir a pintar por ti.
Sin saber nada de graffiti, ni de pintura, ni de manejar un spray, se la lanzó a la aventura.
Atala entró rápidamente en el graffiti, gracias a los XZW la crew de su hijo y a los contactos que fue haciendo poco a poco. De esa forma se inició primero con el spray, pero ahora combina tanto spray, como rodillo, brocha e incluso pegatinas que pone por diferentes puntos de la ciudad de México para seguir visibilizando al SIC.
Atala interviniendo en la calle
Atala pinta en la calle como una escritora de graffiti más, teniendo una evolución importante tras varios años dedicada al graffiti.
La madre del graffitiPieza en homenaje a SIC
Una de las cosas que más le gusta es pintar trenes, porque consigue tanto reflejar el nombre de su hijo con su tag del SIC, como hacerlo en el sitio donde más le gustaba hacerlo a él.
SIC cuando pintaba ponía ATA en sus piezas, en clara alusión a su madre, algo que ella nunca olvida y se lo devuelve poniendo Haxel o SIC, te amo y usando su tag de SIC.
Atala pinta el tag de su hijo, SIC, ese sistema igual a corrupción, pero dejando en sus piezas Haxel, el nombre de su hijo, y también otras referencias en su honor, con frases como “Cómo la ves, perro”.
Homenaje-Atala-Madre-Graffiti-Mexico
Atala mantiene el legado de SIC.
Además, ella tiene tatuado el tag de SIC en su cuello para tenerlo siempre presente.
Eso también le permite “hacer justicia” como ella mismo lo define en el sentido de poder seguir visibilizando la muerte de su hijo, con la exposición en medios, redes sociales, etc. e intentar un día encontrar al que mandó a su hijo al hospital.
Atala pintando
Pese a que tiene 50 años, ella dice que no va a descansar en su labor de pintar, de seguir poniendo el SIC en tantos lugares como pueda. De seguir con su legado.
Os recomiendo seguir el Instagram de Atala, donde sube mucho contenido y usa el hashtag #SICFOREVER.
Atala-Instagram
Hasta aquí este pequeño y humilde homenaje a SIC, con el reconocimiento a Atala y su incansable labor por el legado de su hijo y por buscar al culpable.
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Dondi también conocido como «The Style Master General» fue una auténtica leyenda del graffiti de Nueva York.
Dondi es el escritor que sale en la portada del famoso libro «Subway Art»
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Tuvo una increíble habilidad para combinar letras y colores de manera única y armoniosa, convirtiendo sus piezas en una combinación perfecta de fluidez, equilibrio y creatividad, lo que le valió un lugar privilegiado en la historia del graffiti.
Los inicios de DONDI.
Donald Joseph White, más conocido como alias DONDI WHITE, nació en 1961 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, en una familia de italianos y afroamericanos, siendo el más pequeño de 5 hermanos.
Empezó a hacer graffitis en 1975 con tan sólo 14 años, en medio de una intensa batalla racial y bandas callejeras, algo que no le fue ajeno, uniéndose a algunas de ellas para protegerse.
Surgido de la misma generación que otros míticos escritores de graffiti como SEEN o LEE , ya desde muy pronto destaca por su excelente trabajo previo. Planificaba sus piezas con gran detalle y precisión en cuadernos de dibujo, los conocidos como black books, antes de llegar a los trenes.
Al inicio de su etapa en el graffiti firmaba como NACO o DONDI, formando parte del crew de grafiti TOP (The Odd Partners, «Los Extraños Socios»).
Naco-Dondi-White
En ese momento, la intensa represión hacia el graffiti hacia que no fuera buena idea firmar con tu propio nombre. Sin embargo, en 1979 eso cambió. En un impulso artístico de afirmación de sí mismo, Dondi rompe por primera vez la ley del anonimato reinante en el mundo del grafiti y pinta una enorme pieza con su nombre sobre el tejado de su casa.
Para 1978 montó su propio crew, CIA (Crazy Inside Artists, «Artistas Locos por Dentro»), junto con los escritores Mare 139, Kid 56, Kel 139, Doc, Duro, Rasta y Crash.
Pionero en nuevos estilos.
Dondi fue un pionero en la exploración de nuevos estilos y técnicas en el graffiti. Su habilidad para crear letras enérgicas y tridimensionales, combinadas con una paleta de colores vibrantes, le permitió destacarse entre la multitud y dejar una marca indeleble en las calles de Nueva York.
Usando gamas de colores innovadoras, hace sus letras, así como el relleno, cada vez más complejos, concibiendo una obra dentro de la obra
DONDI podía pasar meses preparando una sola obra. Sus personajes simbólicos, generalmente reducidos a siluetas monocromas, semejantes a sombras planas o iconos, hacen referencia a los primeros pasos de STAY HIGH con su figura esquematizada de El Santo.
Su estilo es también destacable por la escasez de contornos, contrariamente al grafiti clásico. Él descarta el contorno negro clásico tan común para dejar que las letras floten.
Muro-Dondi-White-Graffiti
Aunque Dondi dominaba el wildstyle prefería el estilo de llamativas letras de imprenta que él mismo había desarrollado. Esto permitía que sus piezas en los trenes fueran legibles desde lejos y dio aún más impulso a su reputación.
En abril de 1980, una huelga de transporte tuvo cerrado el metro de Nueva York durante dos semanas, lo cual fue un extraordinario regalo para los escritores de grafiti, que pudieron pintar sin que los molestasen a cualquier hora del día.
Fue en ese momento cuando Dondi pintó su famosa pieza Children of the Grave, part II, donde integra a la vez sus letras, degradados de colores y personajes expresivos. La parte III de esta obra la pintó en su estudio.
Sin embargo, DONDI no sólo pintaba en los trenes de la ciudad de Nueva York, sino que su trabajo le comenzó a abrir puertas en el circuito artístico y comercial.
Dondi entra en el circuito comercial.
En 1981, cuando abrió la FUN Gallery en el East Side de Nueva York contaron con artistas emergentes de la época como Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, o Futura.
Poco después, Dondi pinta el título de la película Wild Style en un metro, logo que inspirará el cartel de la mítica película. En 1984 aparece en el documental Style Wars junto a SEEN y en el libro Subway Art, donde es portada en muchas de sus ediciones.
Además de su destreza artística, Dondi era conocido por su incansable dedicación al graffiti. Su compromiso y su búsqueda constante de perfeccionar su estilo lo llevaron a explorar nuevas técnicas y a trabajar en una amplia gama de superficies, desde vagones de tren hasta paredes de edificios.
Su deseo de superar los límites del graffiti tradicional lo convirtió en un referente para futuras generaciones de escritores.
Su influencia se extendió más allá de las calles y llegó a exposiciones de arte, galerías y museos, donde sus obras fueron exhibidas y celebradas como expresiones legítimas de la cultura urbana.
A lo largo de su carrera, Dondi dejó su huella en innumerables ciudades de todo el mundo. Y viajó extensamente llevando su obra a lugares tan diversos como Europa, Japón y Australia.
Los últimos años de Dondi.
Dondi supo reinventarse en los años intensos de la lucha contra el graffiti. Por ejemplo, en 1980 apoyado, por el coleccionista Sam Esses con el Esses Studio project, se decantó por el trabajo en estudio cuando la MTA de Nueva York (Metropolitan Transportation Authority) borró sus trenes.
Con un fuerte dominio del aerosol, le gustaba incluir en sus realizaciones efectos diversos como los degradados. Trabaja todos sus elementos y colores y los superpone hasta obtener una cierta forma de abstracción.
Sin embargo, su impacto continúa resonando en la comunidad del graffiti y su estilo sigue siendo una fuente de inspiración para muchos escritores de graffiti y artistas urbanos contemporáneos.
Su capacidad para combinar letras y colores de manera magistral y su incansable búsqueda de la perfección lo convirtieron en una figura icónica en la historia del graffiti.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Dondi, un escritor de graffiti visionario y audaz cuyo estilo único y vanguardista lo catapultó a la fama en todo el mundo.
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Los CMS, Cómanse mis Sobras, son uno de los grupos de graffiti más conocidos del mundo y la referencia principal cuando hablamos de graffiti vandal en Venezuela.
Es la unión de varios escritores que comenzaron en diferentes ciudades del país, se unieron, viajaron por el mundo y ahora, algunos de ellos, han regresado a Caracas, la capital de Venezuela, para retomar lo que dejaron hace unos años…
Los inicios de los CMS.
Nos situamos a finales de los 80s en el origen del graffiti en Venezuela, cuando las primeras firmas y piezas comenzaron a aparecer por Caracas. Sin embargo, la influencia americana no tardó en llegar y escritores como Ore, Hase, Bek, Orlo, Scas, Jasp, CTC crew, Ros o BBS, comenzaron a ser la primera referencia del graffiti en Venezuela.
Algunos de estos escritores pioneros en Venezuela tuvieran el privilegio de viajar y volvían con fotos, caps, revistas, vídeos y todas estas pasaban de mano en mano. Se copiaban los cd’s y así aprendíamos sobre lo que estaba ocurriendo y sobre la historia del graffiti.
CMS-Crew-Venezuela
El origen del CMS.
El crew fue fundado en 2004 por RayOne, pionero del movimiento del Hip Hop caraqueño y miembro del grupo B.A.S.Y.C.O. (Base y Contenido), un colectivo formado al año siguiente y donde destacaron miembros como Lil Supa, La Zaga, Canserbero, Gbec y Afromak.
En ese punto, surge el vínculo entre el rap y el graffiti en el CMS.
El siguiente en ingresar fue Tuker y de ahí ya llegaron el resto de componentes, quedando el CMS conformado por: Rayone, Tuker, Bain, Saner, Senk, Jefo, Keso, Ira, Bus, Rose, Ins y Coes.
En ese momento era principalmente una afición, pintaban de cuando en cuando y no fue hasta 1-2 años después cuando vieron el potencial del crew, del graffiti, así que comenzaron a pintar de forma más intensa.
El grupo aumentó su actividad y comenzaron a crecer para ser los más reconocidos de Caracas. Podemos decir que la ciudad fue suya. Su constancia, su intensa actividad, sus misiones, los lugares elegidos, les hicieron destacar sobre manera.
Los CMS se fueron ampliando y entraron otros escritores de graffiti como Apl, Deps, Eam, Biger, Oit o Duke, donde cada uno tiene un estilo y una característica qué los hace único en el graffiti, pero todos trabajan con el mismo objetivo: llevar a los CMS al máximo reconocimiento.
Rose-CMS-Graffiti-Venezuela
CMS en todas partes.
El bombardeo de los CMS implica todo tipo de acciones ilegales, lugares inaccesibles como postes de carretera, paredes, muros, carteles publicitarios, trenes, esquinas… Hablamos de graffiti ilegal, de graffiti vandal, de no respetar reglas.
Los CMS no tienen límites. 3 letras sencillas que quedan marcadas por toda la ciudad.
Y no sólo pintaban en la capital, sino que dejaban su huella por gran parte de las ciudades Venezolanas. Y cuando terminaron de pintar en Venezuela, llego el momento de expandirse, primero hacia las fronteras colindantes de Latinoamérica.
La gente comenzaba a hablar mucho del CMS porque lo veían, estaban en todas partes y claro, uno habla de lo que se ve. Y en eso ellos eran las estrellas, siempre estaban bien visibles.
Era un periodo en que muchos de sus miembros pintaban juntos, así que hacían las piezas entre varios. Las primeras líneas las marcaba uno y los demás coloreaban o hacían el fondo.
CMS-Graffiti-Bubble-Letters
Pinto con lata
Ya casi en 2010, tenemos uno de los mejores documentos de graffiti de Venezuela, se trata de Pinto con Lata, el cual podéis encontrar un resumen en nuestro canal, donde podéis ver a los CMS o a Daos en acción y entender un poco mejor el contexto del graffiti en Caracas en ese inicio de la década de los 2000. Sus calles, su crudeza, sus noches, su gente, su contraste y su graffiti.
Tras muchos años de intensa actividad vino la desgracia a los CMS, debido a que SANER, uno de sus miembros, desafortunadamente fallece.
Saner siempre está en el recuerdo de los CMS y son numerosas las dedicatorias y piezas en tributo a una de las leyendas del graffiti venezolano.
Homenaje a Saner
La migración a Europa.
En 2014, debido al contexto socio económico y político de Venezuela los CMS deciden emigrar y comenzar su aventura a Europa. Como ellos mismos definen: un viaje sin fin, viviendo siempre en lugares distintos, enfocados en pintar y llevar la vida como creen que deben vivirla.
Sin casi apenas vínculos familiares con Europa, el éxito de su migración es que lo hicieron todos juntos y como una familia, lo que les permitió estar unidos en todos los casos.
Además, se convirtieron en el primer grupo de escritores de Latinoamérica que fueron a hacer misiones en Europa, invirtiendo el clásico recorrido de europeos y americanos que iban a Sudamérica a pintar o europeos que querían explorar los Estados Unidos.
CMS han dejado sus piezas en las calles y trenes de las principales ciudades europeas como Barcelona, Atenas, Milán o París, pero también aparecen por Marruecos, Brasil, Argentina, Puerto Rico, Bolivia, Chile o Rusia.
CMS está en todas partes.
La incorporación de Daos y la vuelta a casa.
En 2016 y en plena migración y viaje por Europa, se incorpora DAOS al CMS, hablamos de uno de los mitos del graffiti en Venezuela y súper famoso por sus vídeos recopilatorios de “Graffiti Fail”, que os dejo en la descripción y os recomiendo ver.
Mientras tanto Caracas fue evolucionando en su relación con el graffiti ya que es muy poco lo que se hace, porque además de no encontrar los materiales y de costar mucho si se encuentran, con la crisis económica pensar en graffiti era un lujo. También el hecho de que la gran mayoría de los escritores que eran referentes ya no se encuentren en el país creó una ruptura generacional.
DAOS-CMS-Graffiti-Venezuela
Y tras todo eso… los CMS decidieron regresar a la ciudad, publicando el vídeo “CMS HECHO EN CASA” en el canal Caribes TV en Enero de 2023, donde expresan que tras varios años fuera por distintas razones y haciendo realidad otros proyectos, decidieron volver a Caracas, su ciudad natal.
Un regreso que no es completo, como si fue su marcha, pero donde varios miembros residen ahora en la capital y los otros tratan de regresar al menos una vez al año
El CMS ha sido el embajador perfecto para todos los venezolanos exiliados que crecieron viendo sus graffitis por el país y que han visto su evolución y trabajo por el mundo.
Hasta aquí este recorrido por la historia del CMS, un crew histórico que marcó un antes y después en el graffiti de Venezuela, primero por su actividad y perseverancia, y luego, por su emigración a Europa realizando piezas y misiones que han servido de inspiración a toda la comunidad latinoamericana.
CMS Wild Style
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La crew de graffiti 1UP, también conocida como One United Power, es una de las más reconocidas y respetadas en la escena del graffiti a nivel mundial.
1UP ha dejado una huella duradera en el graffiti gracias a su estilo único y su atrevido enfoque. Son una familia, donde la «fuerza en la unidad» es la regla: One Crew, One Love, One Power.
Los inicios de 1UP.
Fundada en Berlín, Alemania, en el año 2003 por sólo 3 miembros. Su primer graffiti conjunto lo hacen con una pieza cromada cerca de Kottbusser Tor, en el distrito de Kreuzberg (Berlín).
La historia de 1UP se remonta a un grupo de amigos apasionados por el graffiti y la cultura urbana. Como ellos mismos reconocen, son una familia que comparte la pasión por hacer graffiti. Con un ADN profundamente arraigado en las calles de Kreuzberg, el equipo se convirtió en una familia global.
No se conoce exactamente cuántos son sus miembros, aunque ellos mismos comentan que están entorno a los 40. Hay artistas internacionales en el equipo, hombres y mujeres de ciudades de toda Europa.
Crew-1UP
Sin embargo, ser parte de los 1UP no es sencillo, porque deben tener varias cualidades y no vale sólo con ser un buen escritor de graffiti.
La parte física es fundamental, ya que muchas de sus intervenciones son realizadas en lugares arriesgados y con poco tiempo.
1UP-en-acción
Las piezas de 1UP.
En muchos casos, sus piezas tienen menos que ver con la estética y más con la ubicación. Incluso han llegado a pintar trenes o coches en movimiento o hacer bombardeos callejeros a plena luz del día e incluso pintar techos a alturas vertiginosas.
Lo que sí sabemos es que sus piezas están cuidadosamente planificadas en equipo, coordinadas y perfectamente ejecutadas.
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El trabajo colaborativo y colectivo con acrobacias espectaculares y acciones logísticamente muy exigentes son parte de la identidad del grupo de artistas anónimos.
Siempre bajo un mismo objetivo: más allá de los méritos individuales, dar a conocer el nombre de la crew: 1UP, One United Power.
Una frase que les acompaña siempre es “El espacio urbano es de todos y se puede pintar. El grafiti no es destrucción”.
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Su objetivo era llevar sus piezas a nuevas alturas y hacerse un nombre en la escena internacional. Y lo han conseguido… A lo largo de los años, han demostrado su valía y se han ganado un lugar destacado en el mundo del graffiti.
1UP en el mundo
Han dejado su huella en trenes, edificios abandonados, puentes y otros espacios urbanos, desafiando las restricciones y convenciones. A lo que sumamos piezas en los lugares más inaccesibles e imposibles de las ciudades: techos, paredes, azoteas, salientes, chimeneas, fábricas abandonadas, túneles… y no sólo en Berlín, su ciudad origen, donde su firma sientes que te persigue al estar presente en todos los lugares.
Además se han dado a conocer en todo el mundo, pintando en lugares como Tailandia, Portugal, Finlandia, Guatemala, México, Cuba, Brasil, España y Polonia entre otros.
Lo que hace que 1UP sea especial es su enfoque innovador y su actitud desafiante hacia el graffiti. Son conocidos por su estilo rápido, arriesgado y audaz, que a menudo implica la realización de piezas en lugares de difícil acceso y en superficies desafiantes.
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Una de las características distintivas de 1UP es su habilidad para realizar grandes piezas en poco tiempo. Han ganado fama por su capacidad para cubrir rápidamente áreas extensas con su estilo único y letras impactantes, donde mezclan diferentes técnicas, no importa si es rodillo, spray o ambos.
Esto ha contribuido a su reputación de ser una de las crews más activas y prolíficas en la escena del graffiti.
1UP_trainwriting_in_Berlin
La documentación de sus hazañas.
Además de su destreza en el graffiti, 1UP también se ha destacado por su capacidad para capturar y compartir su trabajo a través de fotografías y videos.
Han documentado sus hazañas y han compartido sus actuaciones en las redes sociales, lo que les ha permitido ganar aún más reconocimiento y seguidores en todo el mundo, rozando el millón de seguidores en Instagram.
Pieza-Graffiti-1UP
En 2011, 1UP lanzó la película One United Power, que documenta el trabajo del grupo. Para esta película, el grupo viajó internacionalmente y pintó en París, Estambul y Tailandia, entre otros lugares. El estreno tuvo lugar el 10 de diciembre de 2011.
En septiembre de 2014, la galería Urban Spree de Berlín exhibió una serie de obras de One United Power bajo el título «I am 1UP».
Ya en mayo de 2015, Publikat-Verlag publicó la segunda edición del libro ilustrado «I am 1UP».
Desde mayo de 2018, tienen una exposición itinerante llamada «Una semana con 1UP», que ha estado recorriendo todo el mundo a través de ciudades como Berlín, París, Tokio, Nueva York, Milán, etc., mostrando imágenes creadas como parte de una colaboración con la famosa fotógrafa de graffiti Martha Cooper.
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En 2018, el equipo de 1UP viajó a Atenas/Grecia para pintar un barco abandonado en un naufragio llamado «Mediterranean Sky«. Usando colchones de aire, subieron todo el equipo a bordo para pintar una icónica pieza de 1UP con rodillos en el costado del barco.
1UP-Wreck
La parte política y social.
En los últimos años, el grupo también se ha vuelto cada vez más activo políticamente y aborda temas de actualidad en todo el mundo. Algunas de las acciones conocidas son un «graffiti submarino» hecho de coral en Bali, el apoyo a la campaña «No dejar a nadie atrás» de la ONG Sea-Watch o un coche entero con motivo del asesinato de George Floyd .
George_Floyd-1UP-Graffiti
A inicios de 2023 algunos miembros viajaron a Brasil a Sao Paulo, la cuna del Pixaçao e hicieron algunas piezas conjuntas con pixadores. Aquí puedes ver el vídeo sobre la Pixacao.
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Sin embargo, no todo ha sido fácil para 1UP. A lo largo de los años, han enfrentado desafíos legales y han tenido que superar obstáculos para seguir dejando su huella en la escena del graffiti. Pero su determinación y pasión los ha llevado a seguir adelante y a continuar dejando un impacto duradero en la cultura del graffiti.
Esto también les ha llevado a tener más de 300 denuncias por la policía berlinesa, convirtiéndose en la crew más perseguida de la ciudad. Pero hasta ahora, su sincronizado trabajo en equipo, la planificación de la video vigilancia y trabajar siempre con guantes y tapándose la cara, hacen que sea muy difícil pillar a ninguno de sus miembros.
La crew 1UP ha demostrado que el graffiti no se trata solo de marcar territorio, sino que ellos lo consideran expresión artística para dejar una marca en la sociedad.
1UP_Extintor
Hasta aquí este recorrido por la historia de 1UP que con su estilo innovador y su audacia han influido en una nueva generación de graffiteros y han dejado una huella imborrable en la historia del graffiti. A pesar de los desafíos, han demostrado su pasión y determinación por el graffiti.
Y recuerda: One Crew, One Love, One Power.
1UP-One-United-Power
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Es muy complicado hacer una lista como esta por la enorme cantidad de artistas y de talento, pero me he decidido a hacer mi lista de las 10 mujeres del street art y el graffiti en España que debes conocer.
Mujeres que están llevando el street art a otro nivel con sus espectaculares piezas y murales.
Muchas de ellas tienen estudios superiores de arte y nos muestran cómo sus obras y su mensaje están cambiando el mundo.
Te dejo el Instagram de todas ellas en cada descripción para que puedes seguirlas y conocer mejor su trabajo.
BTOY.
Btoy nació en Barcelona y estudió derecho durante cuatro años antes de cambiarlo por la fotografía.
Comenzó a pintar en 2001 en las calles con sus amigos, con quienes creó cuadros de diferentes estilos. Poco a poco, Btoy desarrolló su estilo y actualmente su trabajo se exhibe en galerías de todo el mundo.
Btoy
Sus piezas se basan principalmente en fotografías antiguas de mujeres prominentes, la mayoría de estas mujeres son íconos femeninos de las décadas de 1920 y 1950.
Btoy utiliza diferentes técnicas que incluyen pintura acrílica, pintura en aerosol, creación de plantillas y otras. Las imágenes aparecen al espectador de forma soñadora, misteriosa, melancólica.
Invita al espectador a dialogar con su obra, pensar en los destinos de sus figuras y recordar sus propios sueños volatilizados.
Julieta XLF, de Valencia, es licenciada en Bellas Artes y Máster en ilustración por la Facultad de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia.
En la actualidad, es una de las artistas urbanas más famosas de España, con numerosas apariciones en medios de comunicación. Julieta continúa experimentando y formándose en diferentes disciplinas lo que combina con su actividad laboral: la pintura mural.
Julieta_XLF
Desde el 2004 el trabajo de Julieta se centra básicamente en intervenciones murales en el espacio público. Por ejemplo en Valencia, Alicante, Madrid, Baleares, Extremadura, Francia, Italia, Bélgica o Santiago de Chile.
Además ha participado activamente en certámenes, exhibiciones y convocatorias de arte urbano, street art y graffiti.
Lahe178 en el ámbito del arte urbano desde 2001, es una artista vocacional desde una edad muy temprana.
En 2003, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Realizó la especialidad de diseño y grabado y, desde entonces, ha ido completando su formación con cursos y seminarios especializados.
Sus obras tienen la inspiración de su ciudad natal, Sevilla, y su folklore, sus luces y sus sombras, y sus trabajos viajan entre la pintura clásica, la pintura mural, el arte urbano y la ilustración.
LAHE178
Según ella misma explica, todas su obras nacen del dibujo, y a partir de ahí va explorando y creando sus obras, que suelen nacer de la espontaneidad. Los colores, el mundo onírico de sus figuras y el barroquismo sevillano se plasman a menudo en sus obras, que navegan entre la tradición académica y las tendencias del arte contemporáneo.
En ese sentido, asegura que el anime japonés es otra de sus influencias, porque también se inspira en lo milenario adaptándolo a la modernidad.
Cinta Vidal es una de las artistas españolas más relevantes a nivel internacional gracias a sus espectaculares murales tridimensionales.
Desde bien pequeña no ha parado de dibujar y pintar. Estudió un Ciclo Formativo de Grado Superior de Ilustración en la Escuela Massana de Barcelona. A los 16 años Cinta Vidal entró como aprendiz esporádica en el Taller de Escenografía Castells Planas. Allí a lo largo de los años, Josep Castells y Jordi Castells le enseñaron el oficio de pintar telones y amar la escenografía.
Cinta-Vidal
Cinta trabajó como autónoma para varios clientes y poco a poco se ha ido dirigiendo al mundo de la pintura y creando sus propias obras. Ha expuesto cuadros en Barcelona, LA, Hong Kong y Melbourne. Y actualmente tiene murales en Long Beach, Hong Kong, Barcelona, Honolulu y San Francisco, entre otros muchos lugares.
Marina Capdevila es una muralista y pintora afincada en Barcelona.
Lo que inspira a Marina es la belleza que no sigue los cánones estéticos habituales como viejos, personajes atemporales perdidos en una sociedad que ya les cuesta entender. Su musa es su abuela. Lo que quiere comunicar con sus obras es el deseo de llegar a la vejez con plena vitalidad.
Los recursos de la exageración y la ironía son puntos clave en sus creaciones, así como una potente carta de colores combinada con una suave matización.
Marina-Capdevilla
Podemos encontrar murales de Marina Capdevila en lugares de todo el mundo como Florida, Nueva York, California, Brasil, México, Canadá, Bélgica, o Reino Unido por destacar los más importantes.
Además ha expuesto sus obras en galerías de ciudades como Los Ángeles, San Francisco, Oackland, Denver, Nueva York, Londres, París, Barcelona, Madrid…
Nuria Mora es una artista plástica de Madrid, conocida por su estilo geométrico y colorido, formas y elementos orgánicos en el espacio público.
Empezó a pintar en la calle a finales de los 90 con sus compañeros de Bellas Artes, pero lo hizo con un lenguaje propio. Sin ningún tipo de relación anterior con el street art, Nuria Mora dejó a un lado la tradición del graffiti hasta entonces basada en nombres, personajes y firmas, iniciando su estilo geométrico.
Nuria-Mora
De forma paralela en su estudio la artista ha ido evolucionando en un lenguaje propio, siempre reconocible, y que le ha llevado a exponer en algunos de los centros artísticos más importantes del mundo. Ha expuesto en la Tate Modern de Londres, la Fundación Joan Miró de Barcelona, el espacio Place du Pilori de Niort (Francia) o el Museo de Arte Contemporáneo de Johanesburgo.
Eva Mena, de Bilbao, es licenciada en Bellas Artes y empezó a pintar graffiti en 1996, aunque ella se considera artista urbana.
En su obra, aborda básicamente el retrato realista, aunque mezclado con el diseño gráfico y la ilustración. Trata de plasmar la expresividad de los rostros que elige para pintar, los cuales suelen ser cantantes y músicos, casi siempre relacionados con la música negra.
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Su otra debilidad son las mujeres activistas y feministas cuya lucha y mensaje valora, y que aprovecha para retratar como símbolo de la visibilización necesaria de las mujeres.
Además, Eva Mena imparte charlas, cursos, talleres de graffiti y eventos similares en los que comparto sus conocimientos.
Sus murales están dispersos por países como Marruecos, Brasil, Palestina, Francia, Egipto, Reino Unido o Noruega.
Lily Brick es una artista y muralista catalana. Después de estudiar diseño gráfico y vivir un tiempo en Valencia y Bruselas, adoptó su seudónimo en 2014, en homenaje a la artista rusa Lilia Brick, para dedicarse profesionalmente al street art.
Lily Brick crea murales de gran formato con pintura en spray en espacios rurales con un estilo cercano a la poesía visual. Pinta principalmente mujeres pelirrojas «gigantes» caracterizadas por la fuerza y la calidez de la mirada, como Pippi Långstrump.
Lily-Brick
La pintura siempre ha sido su forma favorita de autoexpresión, su forma de comunicar lo que no podía expresar con palabras. Se considera comunicadora visual con el diseño y la ilustración como las bases de sus proyectos, a los que añade su toque personal con sus sentimientos más personales.
Ha trabajado por todo el mundo, con murales destacados en España, Francia, India o Países Bajos, lo que combina con una intensa actividad en Cataluña, con obras en diferentes localizaciones.
Lidia Cao nace en Santiago de Compostela y es Técnica Superior en Ilustración por la EASD Pablo Picasso de A Coruña.
Desde pequeña dibujaba los libros y cubría cualquier superficie con el bolígrafo. Se interesó por el dibujo de figuras y rostros, analizando las expresiones y el qué decir con muy poco. Nunca ha asistido a clases particulares y se considera principalmente autodidacta.
Lidia Cao
Fue en 2016 cuando el muralismo tropezó en su camino gracias a talleres de iniciación a partir de los cuales comenzó a explorar nuevos mundos y su trayectoria desde entonces ha sido imparable.
Le encanta crear volumen a través de simples líneas. Su paleta es en gran parte monocromática, utilizando también colores desaturados y poco estridentes.
Lidia Cao ha participado en varios festivales de muralismo como desOrdes Creativas (Ordes, Galicia), Muro Crítico (Cáceres, Extremadura), VICC (Vigo. Galicia) o Urbanidades do Eixo (Aveiro, Portugal).
«Bosska» es una ilustradora y muralista española, alicantina de nacimiento, malagueña de adopción y mexicana de corazón, tras haber vivido allí durante 7 años.
Se graduó en 2013 como Licenciada en Diseño Gráfico en la Universidad La Salle Cancún, ciudad donde dio sus primeros pasos, tanto en diseño como en ilustración.
Bosska
A lo largo de todos estos años Bosska ha ido creciendo artísticamente, destacándose por su peculiar estilo de ilustrar; “el dibujo dentro del dibujo”. Sus ilustraciones son fruto de muchas corrientes artísticas, destacando el Art Nouveau, con el que se siente más identificada
Bosska ilustra todo tipo de objetos cotidianos y por supuesto cuadros y grandes murales, los cuales empiezan a destacar por todo el territorio español y, poco a poco, por el mundo.
Entre sus referencias destacan Frida Kahlo, Dalí o Picasso y los ilustradores Isa Muguruza o Ricardo Cavolo entre otros.
Y terminamos esta lista con un extra, una escritora de graffiti española, imprescindible en cualquier lista de mujeres artistas.
MUSA71.
Musa71 he estado pintando graffiti desde hace más de 30 años y se considera una escritora/artista de Graffiti autodidacta.
Le apasionan las letras, la forma en que se pueden mezclar y retorcer sin perder el sentido, y las combinaciones de colores que impactan. Musa es famosa por ser una de las referentes mundiales en el Wild Style, donde su combinación de colores, formas y letras la hacen destacar sobremanera.
Musa71
Representa a diferentes grupos de graffiti como TFP y TDS, FHJ, Black Magic o Fours, lo que supone un abanico de ideas y diferentes formas de entender la calle y el arte.
En el mundo del graffiti, hay nombres que resuenan más fuerte que otros. Lee Quiñones, también conocido como «LEE», es uno de los grafiteros más influyentes de la historia del graffiti en Nueva York y en todo el mundo.
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Actualmente, Lee es una figura importante tanto en el mundo del arte contemporáneo como en los círculos de la cultura popular, produciendo un trabajo que está lleno de contenido sociopolítico provocativo. Esta es su historia.
Los inicios de LEE.
George Lee Quiñones, nació en Ponce, Puerto Rico en 1960. Lee se mudó con su familia al Lower East Side de Nueva York a los 3 años de edad y comenzó a pintar graffiti en las calles de la ciudad a los 12 años junto con su primo, PHASE 2.
Lee se convirtió en una de las fuerzas más influyentes en la escena del graffiti de la Gran Manzana durante la década de 1970, donde en los siguientes años pintaría más de 100 vagones de metro completos, en todo el sistema metropolitano de transporte de Nueva York. Fue conocido por ser el primero en ir más allá de la simple escritura en mayúsculas de sus predecesores gracias a la vinculación de las letras de su tag entre sí.
Sin embargo, su impacto trasciende las fronteras de Nueva York y se ha convertido en una leyenda en todo el mundo.
Cuando Lee eligió su nombre para los trenes, decidió no asignarle números ni elementos ornamentales como halos o coronas, tal y como se hacía en la época.
La importancia de un tag simple: LEE.
Escribió su tag para que fuera legible, de modo que tanto otros escritores como el público en general pudieran reconocer su trabajo dentro de un número interminable de firmas en movimiento que había en esa época.
Eligió su segundo nombre, LEE, no solo porque era corto e interconectado, lo que resultaba en firmas súper rápidas, sino para crear una apariencia propia que actuara más como una firma al final de algo más grande.
Evolución de la firma de Lee
Además, como nos enseña en su propia web, Lee ha seguido evolucionando su firma, teniendo hasta 6 versiones diferentes, donde el trazo y la técnica han ido dejando una firma muy estética.
Sin embargo, para esas piezas en los trenes y las paredes, sus letras tuvieron que cambiar de forma. De firmas rápidas y temblorosas pasaron a elementos imponentes.
Al final, firmar con su nombre no sólo le permitió decir “yo estuve aquí” ante gente que no valoraba ni consideraba su existencia, sino que Lee existía fuera de sus propias obras maestras.
El estilo de LEE.
Poco a poco, con su habilidad y estilo únicos, Lee comenzó a ganar reconocimiento y respeto en la escena del graffiti en Nueva York, primero porque seguía las huellas de sus predecesores y también porque respetaba el código fijado por la old school, los pioneros del graffiti.
Quiñones solía agregar mensajes poéticos en sus piezas, como «El graffiti es arte y si el arte es un delito, por favor, Dios, perdóname».
Lee destacó por el uso de letras con una técnica única de sombreado y dimensiones que llamó la atención de muchos. Su trabajo apareció en numerosas exposiciones de arte y galerías y fue uno de los primeros artistas de graffiti en ser contratado por una marca importante para crear una campaña publicitaria.
Los Fabulous 5.
Durante la década de 1970, Lee se convirtió en un miembro importante de la crew de graffiti «Fabulous 5«, donde conoció a Fab 5 Freddy, quien lo llevó al centro de Nueva York y le presentó a galeristas, músicos y artistas plásticos.
The Fabulous 5 destacó por su estilo de graffiti innovador, que combinaba técnicas de letras y personajes para crear piezas únicas y llamativas. Además, la crew a menudo trabajaba en conjunto para crear grandes murales, lo que se convirtió en una característica distintiva de su trabajo.
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A finales de 1975 Lee pintó su primer tren largo, alrededor de 13 metros y meses después, en noviembre de 1976, pintó una de sus obras maestras: diez vagones completos, donde Lee fue el principal escritor en uno de los primeros trenes que circuló en Nueva York, junto con DOC, MONO y SLAVE, los miembros principales del equipo de The Fabulous Five, que también incluía a DIRTY SLUG.
La crew también fue conocida por su papel en la popularización del graffiti en la cultura popular. Varios de sus miembros, incluido Lee, aparecieron en el documental de 1983 «Style Wars», que ayudó a exponer el graffiti a una audiencia más amplia y popular.
Lee en los medios de comunicación.
Lee también aparece en el video «Rapture» de Blondie y en la película «Downtown 81» sobre Jean Michel Basquiat.
Además Lee pintó el famoso anfiteatro que sale en la película “Wild Style”, donde el propio Lee y Lady Pink tuvieron el papel de protagonistas de la mítica película de graffiti, momento en el que eran pareja tanto en la vida real como en la película. Wild Style sirvió como modelo para los movimientos emergentes de hip hop, graffiti y street art y para dar visibilidad a la exposición en galerías y el futuro del movimiento.
En 1978, Lee pasa la mayor parte de las noches al pie del puente de Brooklyn, transformándolo en una galería de arte a cielo abierto, llegando a comentar “Mi idea era crear arte sin referencias a la historia del arte tradicional, porque mi obra también era una página de esta historia y la estaba escribiendo”.
El trabajo de Lee se caracteriza por la representación de personajes como extraterrestres, robots y animales fantásticos, así como por la creación de paisajes urbanos imaginativos y coloridos. Se inspira en la vida cotidiana y en la cultura popular. Y Su paleta de colores evoca a menudo a la naturaleza colores como el ocre tierra, azul, celeste- y el conjunto es en general más neutro que el usado por otros escritores.
Su pintura es el cruce de la cultura hip hop y el rock punk, donde suele incluir sus famosos mensajes o alegorías. De hecho, la aparición de numerosos figuras humanas en su obra hace recordar a la tradición de los muralistas de México y América del Sur.
Lee llega a las galerías.
Además del graffiti, Lee también trabajó en proyectos de arte público, creando murales en edificios y espacios públicos en todo el mundo.
A finales de 1979 el marchante de arte italiano Claudio Bruni adquirió varias piezas de lienzo de Lee, lo que generó su primera exposición en la Galería Medusa de Roma con tan solo 19 años. Para la gente de fuera de Nueva York, era su primera incursión con el graffiti.
Un año después Lee tuvo su primera exhibición en Nueva York en White Columns, marcando el comienzo de una era importante cuando la pintura en aerosol hizo la transición de objetos en movimiento a lienzos estacionarios.
Su obra fue incluida en la crítica “Times Square Show” (1980); “Éxito del Arte del Graffiti para América en Fashion Moda” (1980); el show “New York/New Wave” (1981) en PS1; y, en “Documenta #7” en Kassel, Alemania (1983).
Sin embargo, Lee continuó trabajando en su arte y eventualmente regresó al mundo del graffiti y del arte público.
Exhibiciones de Lee por todo el mundo.
Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.
Además, Lee ha tenido exposiciones individuales en MoMA PS1, Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Fun Gallery, Barbara Gladstone, Galerie Rudolf Zwirner, Lisson Gallery, Barbara Farber y Nicole Klagsbrun, entre otros.
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Sus cuadros y creaciones se han exhibido en “East Village USA” en el New Museum of Contemporary Art, “The ‘S’ Files” en El Museo del Barrio, y “Looking at Music 3.0” en el Museo de Arte Moderno, por destacar algunos de los más importantes.
Hoy en día, Lee, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, es considerado una leyenda del graffiti y ha influido en la próxima generación de artistas de graffiti en todo el mundo.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Lee que por su creatividad, técnica y estilo y su intenso trabajo en el metro de Nueva York ha dejado una huella duradera en la historia del graffiti y el arte urbano.
Quien-es-Lee-Graffiti-Leyenda
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Seen es una de las leyendas del graffiti de Nueva York de los 70s y 80s.
Su intensa actividad en los trenes, con numerosos top to bottom, su aparición en el documental Style Wars o en el libro “Subway Art” hizo que fuera uno de los más escritores más famosos de la época junto a LEE, Lady Pink, Zephyr o Dondi.
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Sin embargo, Seen no fue uno de los pioneros del género como Julio 204, Cornbread o Taki183, sino más bien uno de los impulsores de la enorme popularización del graffiti a nivel mundial con numerosas exposiciones y piezas que llegan hasta el día de hoy. Esta es su historia.
Los inicios de SEEN.
Nacido en 1961 en el barrio del Bronx de Nueva York, Richard Mirando, alias SEEN, es conocido como el padrino del graffiti (Godfather of Graffiti).
Fue uno de los escritores más precoces y utiliza su primer bote de spray con 9 años en el garaje de su tío, justo detrás del depósito de trenes de Lexington Avenue de la línea 6.
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Tan sólo 2 años después pinta su primer tren, tenía sólo 11 años, lo que corrobora el componente adolescente del graffiti de firma de Nueva York en esa época.
Su aparición constante en el metro de Nueva York llega en 1973 con 12 años, momento en el que elige su tag de Seen, llegando a pintarlo en todas las líneas de metro, sobre todo en la 2, la 5 y la 6.
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El líder de una generación.
En esos años pinta sin descanso y se aficiona a los top to bottom, trenes pintados de arriba a abajo, por lo que logra rápidamente una gran popularidad gracias a su destreza, pero también al tamaño de sus impresionantes obras.
Además comienza a ganar reconocimiento por haber inventado e impulsado un gran número de estilos, sentando las bases fundamentales e inspirando a generaciones enteras.
Su nombre y sus piezas son transportados por toda la ciudad en los trenes que cada día toman cientos de miles de personas. Su estilo único, su creatividad y su tenacidad lo establecen como uno de los líderes del movimiento del grafiti neoyorquino de la década de 1980.
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En 1982, el documental Style Wars de Tony Silver y Henry Chalfant lo convierte en un icono del movimiento en el resto del mundo. Aparece en múltiples documentales y películas sobre grafiti y en libros clásicos como Subway Art.
La crew United Artists (UA).
Hay que resaltar que Seen pertenece a la crew «United Artists» (UA), fundada en el Bronx en 1979.
Este grupo se ganó la reputación de ser uno de los más osados y sorprendentes, al crear piezas de graffiti en vagones completos de los trenes del metro y otros espacios públicos de la ciudad. En esta crew de Seen figuraban otros grandes artistas callejeros como Duster, Pjay, Mad, Sin, QUIK y SHARP.
Seen-Graffiti-piece
A lo largo de los años, la UA se expandió y atrajo a otros artistas talentosos, convirtiéndose en una de las crews de graffiti más grandes y respetadas de Nueva York.
Además de su impresionante trabajo en trenes y edificios públicos, la UA también organizó exposiciones de arte y eventos de graffiti, y fue fundamental en la creación de la reconocida exhibición de graffiti «Beyond Words» en 1984.
BeyondWordsPoster
Primeras exposiciones de graffiti.
Esta exposición fue una muestra histórica que tuvo lugar en la Tony Shafrazi Gallery de Nueva York con gran variedad de obras de arte urbano, desde simples grafitis hasta grandes murales.
Fue una de las primeras veces que el graffiti se presentó en una galería de arte de renombre. Este evento atrajo mucha atención de los medios de comunicación y del público en general, lo que ayudó a aumentar la conciencia y la aceptación del graffiti como forma de arte.
La muestra presentó obras de algunos de los grafiteros más importantes y conocidos de la época, incluyendo a Seen, Futura 2000, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat o Dondi.
Haring, Warhol y Basquiat
Además de presentar obras de algunos de los escritores y artistas más influyentes de la época, «Beyond Words» también contó con una serie de eventos en vivo, que incluyeron demostraciones de graffiti y talleres para jóvenes artistas urbanos.
Estos eventos ayudaron a aumentar la conciencia y el respeto por el graffiti como forma de arte legítima y a la creación de nuevas obras de arte urbano.
El estilo de Seen.
A menudo apodado el hombre que inventó el graffiti moderno, SEEN se enorgullece de tener un nombre fácilmente reconocible, mientras que su estilo está en constante evolución.
En esa época pintaba con colores brillantes y sus obras son el reflejo de los años 80, con fuertes contrastes y grandes zonas sólidas y con una realización perfecta. Además, SEEN se expresa con el espray con una facilidad sorprendente.
Su tag resulta de lo más adecuado puesto que representa uno de los grandes objetivos del graffiti: ser visto.
A medida que su fama crecía, SEEN comenzó a expandirse y pintar sus grafitis en edificios y otros lugares prominentes de la ciudad, lo que lo convirtió en uno de los primeros grafiteros en llevar su trabajo más allá del sistema de tránsito de Nueva York.
Seen y la historia del cartel de Hollywood.
En 1983, SEEN viajó a Los Ángeles para pintar en la pared lateral del famoso club de música Hollywood Palladium. SEEN pintó un mural espectacular que presentaba una serie de letras en negrita y un personaje llamado «Hand of Doom», que se convirtió en una de sus marcas registradas.
La obra era tan llamativa que llamó la atención de la ciudad y de la industria del entretenimiento, y pronto se convirtió en uno de los murales de graffiti más famosos y reconocidos en todo el mundo.
Desafortunadamente, en la década de 1990, el mural de SEEN fue cubierto con pintura blanca después de que el Hollywood Palladium fuera vendido a un nuevo propietario. Sin embargo, en 2019, el mural fue restaurado y se volvió a pintar en su ubicación original. La restauración fue posible gracias a un esfuerzo colaborativo entre el dueño actual del Hollywood Palladium, Live Nation, y el artista de graffiti y coleccionista Roger Gastman.
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Otro hecho importante en la carrera de SEEN fue cuando en verano de 1985, SEEN pintó su nombre con unas enormes letras de imprenta en el cartel de Hollywood, Los Ángeles. Algo que tuvo una gran repercusión en Estados Unidos por su atrevimiento.
Galerías y tatuajes.
Seen comenzó a trabajar sobre lienzo en la década de 1980 y ahora sus obras son exhibidas en galerías y comprados por museos y coleccionistas privados de todo el mundo. Por ejemplo galerías de Tokio, Londres o Madrid.
Si bien los trabajos de Seen eran muy cotizados y tenían muy buena reputación en Europa, siguió haciendo graffitis en el metro de Nueva York hasta 1989.
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Después de 16 años de pintar trenes, comenzó a sentir que el graffiti estaba perdiendo fuerza, por lo que abrió la popular sala de tatuajes: Tattoo Seen en Nueva York, que se convirtió en uno de los estudios de tatuajes más famosos en poco tiempo.
El estilo de Seen en la actualidad.
A lo largo de su carrera, SEEN ha creado obras de arte impresionantes en una variedad de superficies, desde paredes y trenes hasta camisetas y discos de vinilo.
Su estilo característico, que a menudo presenta letras y personajes altamente estilizados y detallados, ha sido una inspiración para muchos otros artistas de graffiti y ha influenciado en la cultura hip hop en general.
Entre sus trabajos más recientes de la actualidad hay que mencionar el uso de efectos 3D en esculturas, un área en el que Seen no hace más que aplicar todos sus conocimientos y habilidades de diseño para construir increíbles formas y figuras.
En la actualidad, SEEN no solo es conocido por su arte en sí mismo, sino también por su papel como mentor y defensor de los jóvenes artistas de graffiti. Ha enseñado y guiado a muchos grafiteros jóvenes a lo largo de los años, y ha luchado por la legitimidad y el reconocimiento del graffiti como forma de arte.
Seen es uno de los grandes personajes del arte del graffiti neoyorquino que ha pasado a la historia y ha sabido ganarse un lugar en el mercado del arte.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Seen que con su intenso trabajo en el metro de Nueva York fue una inspiración para todas las generaciones posteriores y que además supo transicionar de las firmas y piezas de graffiti al mundo del arte dejando su obra en exposiciones y galerías de todo el mundo.
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Utah y Ether son una de las parejas de graffiti más famosas del mundo. Son conocidos principalmente por su graffiti ilegal, que les ha llevado a pintar trenes en más de 30 países en 5 continentes.
Sus continuos pasos por prisión en varios países, sus problemas con la justicia en Estados Unidos, su documentación con vídeo, foto e imagen de cada acción y su peculiar estilo de Bonnie and Clyde los encumbró a la fama mundial.
Utah & Ether
Utah y Ether rompieron las reglas y desafiaron todos los límites. Generando un gran impacto en las redes sociales y en las personas. Esta es su historia.
¿Quién es Utah?
Lo primero es conocerlos a título individual para luego hacerlo como pareja.
Comenzamos con Danielle «Utah» Bremner, nacida en 1982 en Bayside, Queens, Nueva York.
Su madre trabajaba como maestra de secundaria en Bayside y su padre, casualmente, como policía de la ciudad de Nueva York. Danielle lo que más recuerda de su infancia es que creció rodeada de grafitis. Formaban parte del paisaje de la ciudad de Nueva York, sobre todo espacios por llenar y piezas en los tejados y trenes.
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Estudió en la Universidad de York en Toronto y luego en el Instituto de Tecnología de la Moda de Nueva York.
En ambos lugares comenzó a pintar graffitis de forma activa, de hecho en Toronto fue arrestada y condenada en varias ocasiones. Una por pintar en el lateral de la Facultad de Arte y Diseño de Ontario y otra por pintar los trenes pertenecientes a la Comisión de Tránsito de Toronto.
Años más tarde, en Nueva York numerosas personas consideraron a Utah como la escritora de graffiti más activa en la ciudad y quizás en el país.
Sus firmas de grafiti variaban entre «Utah», «Dani» y «Erin».
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¿Quién es Ether?
En cuanto a su pareja. Jim Clay «Ether» Harper VI nació en 1985 en Illinois, cerca de Chicago.
Su padre que trabajaba como corredor de bolsa en Morgan Stanley, murió en 2004 cuando él tenía sólo 20 años.
Sus primeros recuerdos del graffiti provienen del depósito de trenes de Linden (La Autoridad de Tránsito de Chicago) y la observación de los graffitis en los trenes que habían pintado por la noche.
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Comenzó a hacer grafiti cuando estudiaba en la Universidad Estatal de Bowling Green en Ohio, donde comenzó a usar el tag de “Ether”. Y ya en 2005 consta que dejaba su firma «Ether» y «MUL», en los vagones del metro MBTA en Boston durante varios meses seguidos.
Se convirtió en parte de la crew MUL («Made You Look»), con sede en Chicago, pero que incluía miembros en varios estados. Entre ellos Utah que viajó a Chicago en 2005 para pintar el sistema Metro Link de St. Louis. Se conocieron por un amigo común tras mudarse ella un año antes a Chicago.
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Primeros viajes de Utah y Ether
Pronto, los dos, Utah y Ether, harían juntos numerosos viajes para pintar grafitis por los EE. UU., durmiendo en el coche de Bremner. En esos días, pintaban como MUL, pero también con su firma de Utah y Ether.
En mayo de 2008, Bremner y Harper, ya siendo pareja artística y personal, se embarcaron en una denominada «juerga de graffiti» que los llevó durante tres meses a varios países de Europa.
Pusieron sus firmas y piezas de grafiti, «Ether» y «Dani» o «Utah», en vagones de tren de Londres, Madrid, París, Frankfurt o Hamburgo. Sin embargo, no sospechaban lo que les vendría posteriormente…
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Primer arresto de Utah y Ether.
En su ausencia, en julio de 2008, la policía registró el apartamento de Bremner en Queens. Encontraron más de 450 latas de pintura en spray y fotografías Polaroid y digitales de sus piezas en los trenes del metro de la ciudad de Nueva York.
Cuando la pareja regresó a los Estados Unidos en agosto, ambos fueron arrestados.
Se enfrentaron a cargos de $100,000 dólares en daños por grafiti en cuatro de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York y 20 cargos de vandalismo en el Bronx.
Después de este arresto, el periódico Newsday los llamó «los Bonnie y Clyde del mundo del graffiti». Un apodo que luego sería repetido por muchas otras fuentes y que llega hasta hoy.
Entrada en la cárcel de Utah
Finalmente, Utah se entregó a las autoridades de la ciudad de Nueva York en abril de 2009. En julio fue sentenciada a seis meses de cárcel y una multa de $10,000 dólares por vandalismo en la ciudad de Nueva York.
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Cumplió su sentencia en Rikers Island. Sobre lo cual informó, a través de su compañero artista de graffiti convertido en diseñador de moda Claw Money, el cual también pinto varias piezas en su apoyo con el lema: FREE UTAH.
Después de ser liberada de Riker’s Island, Bremner fue juzgada nuevamente en septiembre de 2009 en Boston. Allí se declaró culpable de 13 cargos de vandalismo y fue sentenciada a otros seis meses de prisión. Más otras cinco cifras de restitución, una evaluación de salud mental y cinco años de libertad condicional, supervisada por las autoridades de Nueva York, durante los cuales se le prohibiría regresar a Boston.
La comparativa con Obey.
Los abogados defensores y los grafiteros consideraron que la sentencia a ambos era demasiado dura. Especialmente en comparación con una sentencia de libertad condicional de dos años impuesta meses atrás al reconocido artista Obey (Shepard Fairey); sin embargo, los fiscales dijeron que eso reflejaba la dificultad de eliminar los grafitis pintados en lugar de las pegatinas y posters de Obey.
Por otra parte, Ether cumplió una sentencia de seis meses en Riker’s Island en la primavera de 2010. Luego fue liberado y en julio se declaró culpable de siete cargos de vandalizar trenes MBTA de Boston en 2005. También fue sentenciado a seis meses de prisión, un pago de $ 10,000 y un año de libertad condicional.
Cuando fue puesto en libertad, ambos hablaron sobre las condiciones de su libertad condicional, que les prohibían incluso poseer pintura o rotuladores. Era algo insostenible, así que decidieron dar un cambio y buscar otra vida en el extranjero.
Lanzamiento de la web oficial de Utah y Ether.
En enero de 2011 decidieron fusionar sus sitios web en uno sólo y lanzaron utahether.com, donde contarían sus aventuras y podrían vender sus libros y proyectos.
En Mayo de 2011, Utah y Ether decidieron romper su período de libertad condicional y se lanzaron a lo que llamaron “Probation vacation” (Vacaciones de libertad condicional) un viaje de más de 5 años que los llevó a más de 30 países entre Europa, Asia, África o Sudamérica para pintar tanto en trenes como en paredes.
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Durante ese período, de 2011 a 2016, se les pudo ver en acción en numerosos lugares, donde destaco algunos momentos.
Probation Vacation en Asia.
Estuvieron pintando los trenes MTR de Hong Kong entrando a los depósitos después de cortar alambre de púas. Su acción provocó mejoras en las cercas, patrullas y vigilancia.
Pintaron un tren de Taiwán en el depósito de Beitou, cerca de la estación de metro de Fuxinggang.
Durante su estancia en Singapur, la pareja cortó alambradas y pintó los trenes SMRT de Singapur en Bishan Depot. La curiosidad viene porque el método exacto no se conoció hasta que publicaron el vídeo en 2016.
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En 2012, el artista finlandés Sauli Sirviö realizó un video documental llamado, Never Going Home, sobre el viaje sin fin de Utah y Ether, centrándose en sus hazañas en Japón en 2011. El documental narra la vida cotidiana de dos amantes en un mundo propio como forasteros, en una cultura extranjera y que sólo tienen el arte como única propiedad.
Probation Vacation en Australia.
En abril de 2016, Utah y Ether volaron a Melbourne desde los Emiratos Árabes Unidos y, en cuestión de días, comenzaron a crear grafiti por toda la ciudad australiana. Sin embargo, un nuevo incidente en tierras australianas rompió todo el plan.
Ether, que estaba con otro grafitero australiano, tuvo un encontronazo al colocar algunas pegatinas frente a las tiendas en Brunswick Street, Melbourne. Finalmente llegó la policía y Ether fue encontrado con un cuchillo y acusado de múltiples cargos relacionados con el asalto, el vandalismo de las tiendas de Brunswick Street y de los trenes en cuatro suburbios de Melbourne.
En Mayo de 2016 fue encarcelado por seis meses y cumplió su condena en la prisión de Port Phillip.
Finalmente fue deportado a los Estados Unidos cuando fue liberado en 2017, con la expectativa de que sería encarcelado por violar la libertad condicional, pero no fue arrestado y, en cambio, pudo salir nuevamente del país.
El libro Probation Vacation: Lost in Asia
Finalmente Probation Vacation: Lost in Asia se lanzó como un libro de edición limitada y una serie de 12 videos disponibles gratuitamente en mayo de 2016, luego del arresto de Ether. Esta serie abarcó 11 países y 37 ciudades.
En 2019 lanzaron otro Probation Vacation en esta ocasión con destino El Caucaso, documentando los viajes de Utah & Ether por las ciudades principales de Georgia, Armenia y Azerbaiyán.
Tras todos estos acontecimientos, la actividad de Utah y Ether fue disminuyendo, al menos públicamente o a través de sus redes sociales, pero lo que hicieron forma parte de la historia del graffiti, en su forma más ilegal.
Podéis seguirlos en su web utahether.com y en sus redes sociales.
Hasta aquí este recorrido por la historia de Utah y Ether que con sus firmas y piezas de graffiti por todo el mundo revolucionaron las redes sociales y marcaron un antes y después en cuanto a las consecuencias de pintar graffiti ilegal.
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Nuestras recomendaciones de hoy serán 5 libros sobre graffiti, de diferente complejidad y temática, para que podáis iniciaros o profundizar en el graffiti y el street art o arte urbano desde un punto de vista más académico.
Evidentemente, en esta lista tan corta, hemos elegido los más adecuados para un comienzo y recuerda que puedes comprar cualquiera de los libros haciendo clic sobre ellos.
Getting up: hacerse ver. El libro sobre graffiti que no puede faltar.
El primer libro es “Getting up: hacerse ver” de Craig Castleman, considerado por muchos, el primer gran libro sobre graffiti.
Este libro fue publicado por MIT press originalmente en 1982 con el título “Getting Up. Subway Graffiti in New York” fue traducido al español en 1987 con el nombre de “Los Grafitis”, pero afortunadamente ha vuelto a ser reeditado y revisado en 2012, incluyendo ahora fotos en color, correcciones de términos y un prólogo de Fernando Figueroa, uno de los investigadores más importantes en el campo del graffiti.
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Craig Castleman encuentra el interés por el graffiti casi de casualidad al pedir una recomendación a sus alumnos de inglés de la High School Art & Design de Nueva York y éstos comentarles que lo más le gustaba del arte era el graffiti del metro.
De ahí comenzó a investigar en profundidad el fenómeno, creando un documento único sobre el llamado subway graffiti, el graffiti que inundó el metro y los trenes de Nueva York en los 70s.
Es de sencilla lectura, con un ritmo de entrevistas, testimonios y datos que te harán no querer parar de leerlo.
Lo mejor de Getting up: hacerse ver.
Una de las grandezas del libro de Castleman es contar con testimonios de todas las partes afectadas en la explosión y difusión del graffiti de los 70s. Así son decenas de escritores de graffiti los que aportan sus pensamientos, anécdotas y puntos de vista sobre el graffiti; encontrando a figuras como Lee Quiñones, Bama, Phase 2 o Stan123.
Sin embargo, Castleman no se queda aquí, porque incluye entrevistas y citas de la policía, del ayuntamiento, del servicio de transportes, de galeristas o de las primeras organizaciones de graffiti.
Es tremendamente interesante ver cómo el enfoque va cambiando según las personas que opinan sobre el graffiti en el metro. De hecho, encontramos en la prensa, principalmente en las publicaciones del New York Times, cómo fue variando la percepción.
Pasando de las alabanzas y sorpresas con el primer artículo sobre Taki 183 a las alabanzas a la política antigraffiti de la ciudad y todo los sistemas y medios que intentaron para detener tanto a los escritores como a la práctica del graffiti.
Sin embargo, nada funcionó y se gastaron millones de dólares sin casi resultado, más allá de algunos detenidos.
Testimonios de los protagonistas.
Otra cosa a destacar en el libro son las historias que los propios escritores relatan. Así podemos encontrar la explicación detallada de cómo se pintaron los primeros trenes completos, el modus operandi, la importancia de las crews (o grupos a los que pertenecían), la incidencia de la alta criminalidad, cómo fueron cambiando los estilos o las motivaciones de esos chavales jóvenes (la mayoría no llegaban a 18 años) y que cambiaron las reglas para siempre.
Getting+upCompra Getting-Up
No destaca por las imágenes contenidas, porque muchas son en blanco negro, pero eso tiene solución en nuestra siguiente recomendación, que es justo del tipo contrario, mucha imagen y poco texto.
En definitiva, si buscáis un libro sobre el graffiti en Nueva York y para entender el fenómeno desde un punto de vista más teórico, “Getting up: hacerse ver” es la elección perfecta.
Todas las recomendaciones en vídeo
Subway Art, el mejor libro sobre graffiti en imágenes.
Hablamos ahora de otra de las biblias del graffiti neoyorquino de los 80s: “Subway Art” de Henry Chalfant y Martha Cooper, dos de los fotógrafos más importantes de la escena del graffiti y reconocidos a nivel mundial por su incansable trabajo.
Fue publicado en el año 1984 y reeditado en 2009 y 2015. Como todos los libros que recomendaremos, tenéis el link abajo en la descripción.
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Una curiosidad sobre Henry Chalfant es que no sólo era fotógrafo sino que fue director de la película “Style Wars” que reflejó perfectamente esa guerra de estilos que sucedía desde finales de los 70s en Nueva York.
El libro, disponible sólo en inglés, es una delicia visual por su gran formato, por la calidad de las imágenes y por ser un repositorio de imágenes de valor incalculable.
Vemos a muchos de los escritores más famosos de la época, Lee, Blade, Dondi, Lady Pink, Seen o Futura en acción, pintando en los trenes, en sus casas rodeados de sprays, bien planeando sus próximas acciones o posando para la cámara como estrellas.
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Las mejores imágenes del metro de Nueva York de los 80s.
Todas las imágenes, más de 150, son a color y muestran centenares de piezas en los trenes del suburbano neoyorquino. Hay de todo, coches completos, trenes completos, end-to-end, top-to-bottom, chapas… y con diferentes estilos, Bubble letters, block letters, muñecos, sólo letras, mensajes reivindicativos, etc.
Además vemos cómo convive el tag de rotulador o spray negro, realizado principalmente en el interior de los trenes y las grandes piezas del exterior, donde ya los colores y la complejidad, con brillos y sombras, daban color al trise y gris suburbano de Nueva York.
La aparición de muñecos, principalmente personajes de comic o dibujos animados (Mickey, Félix el gato o Pluto) es una novedad de principios de los 80s que vemos cómo se va extendiendo cada vez más. Asimismo, la aparición de mensajes reivindicativos, políticos y sociales, fue otro complemento para las piezas más grandes.
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Subway-Art
Sin embargo, no todo son fotos, porque hay 4 textos de los autores, 2 de Martha Cooper y 2 de Henry Chalfant, que nos permite contextualizar tanto la escena como las motivaciones de los fotógrafos para recopilar todo el material, que permitió la creación del libro.
Como decíamos, este libro es el complemento perfecto a Getting Up, puesto que muchas imágenes contextualizan muchos de los conceptos y testimonios del libro de Castleman.
Por ejemplo, podemos ver cómo los escritores entraban en las vías cortando las valles, como se movían entre los trenes o las formas en las que pintaban.
Antología del Arte Urbano, el libro sobre graffiti para empezar.
Tras recomendar dos libros sobre el graffiti en Nueva York, ahora vamos con un repaso más general por la historia del graffiti hasta llegar a hablar en profundidad de arte urbano y del street art.
Nuestra tercera recomendación es “Antología del Arte Urbano” de Magda Danysz, comisaria de arte y galerista, con espacios en París, Shangai y Londres.
Gracias a su relación con varios de los artistas más famosos del panorama del street art, desde JonOne a Futura hasta Obey, Vhils o Space Invader, nos ofrece un recorrido global desde el inicio del writing graffiti en Filaldefia hasta el denominado Street Art, hablando de artistas, muchos.
La autora Magda-Danysz
Lo mejor del libro.
Una de las mejores cosas de este libro es la cantidad de imágenes y referencias que se ofrecen, por lo que para alguien que se inicia en el arte urbano se convertirá en un libro de cabecera, al ofrecer cientos de datos y nombres.
Asimismo, al tener tanta información, puede ser algo denso en cuanto a la información ofrecida, por lo que es recomendable leer despacito o por partes, o bien tenerlo como libro de consulta en caso de necesitar referencias de fechas o nombres.
A diferencia, de los libros anteriores de graffiti centrados en Nueva York, la Antología del arte urbano, nos ofrece una visión global del movimiento, reflejando muy bien la aparición de la escena del graffiti en Europa. Destacando el auge del arte urbano en ciudades como París, con la aparición de referentes como Blek Le Rat, uno de los pioneros en el uso de las plantillas que ha popularizado (y rentabilizado) Banksy.
Posters-Graffiti-Banksy
Además, del uso de stencils, se habla de otros materiales y técnicos propios del street art como son los paste-up, las pegatinas (stickers) o el los mosaicos de Pixel Art de Invader.
La experiencia profesional de Danysz se ve reflejada en el tratamiento y conocimiento de los artistas sobre los que más se habla en el libro, algo que coincide con muchos de sus representados como JonOne, Ludo, Zhang Dali, Swoon o JR., que además le han ayudado a la preparación del libro.
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Antologia-Arte-Urbano
En definitiva, un libro muy interesante para tener una visión panorámica del movimiento del arte urbano a nivel mundial.
Street Art, un libro sobre graffiti y street art de fácil lectura.
La cuarta recomendación es “Street Art” de Simon Armstrong, un libro muy sencillo de leer y que podemos considerar un pequeño resumen del street art, pero con reflexiones personales del autor, lo que le confiere un estilo personal y una visión diferente a la antología de Danysz.
Obviamente, los principales nombres de artistas se repiten, porque no se puede cambiar la historia y su importancia, pero aparecen secciones destacadas acerca de los estilos, la tipografía o las técnicas empleadas.
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Street-Art-Libro-Simon-Armstrong
Además su glosario de términos y la jerga de graffiti, en modo resumen, nos ofrece la aproximación más sencilla de todas las recomendaciones hechas.
Madrid graffiti 1982-1995.
Sin embargo, para complementar esta primera lista de libros, sí que nos gustaría recomendar un libro sobre el graffiti madrileño, del que ya os hablamos un poco en el vídeo sobre Muelle. Se trata del libro “Madrid graffiti 1982-1995” que además podéis descargar de forma gratuita.
Está escrito por dos referentes como son Fernando Figueroa y Felipe Gálvez y es un recorrido, muy detallado, por toda la escena del graffiti en Madrid, desde el graffiti autóctono o flechero a la influencia del hip-hop graffiti que invadió la ciudad y sus trenes desde mediados de los 80s.
Metro-Madrid-Graffiti
El libro es apasionante, con un material fotográfico espectacular y con un detalle sobre el contexto del graffiti que permite entrar en profundidad en toda la escena madrileña. Además son muchos los escritores que colaboran en el libro, lo que le aporta una riqueza documental única, incluyendo entrevistas, conversaciones o citas propias de los artistas.
Madrid-Graffiti
Como se comenta en la contraportada es “una aproximación a un mundo clandestino y romántico, con sus glorias y miserias, pero sobre todo con mucha acción”
Así que si buscáis un libro sobre el graffiti en España, este libro es un inicio fantástico, aunque en el próximo vídeo sobre graffiti os daremos muchas más recomendaciones.
Los 9 libros más vendidos sobre graffiti y street art.
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Además de libros de graffiti, en nuestra tienda tenemos:
Hablaremos de como una simple firma, el conocido como tag, hecho con rotulador y spray después, ha evolucionado a espectaculares piezas en formato tridimensional.
Comenzamos con cinco tipos de graffiti que son una evolución desde el tag a la pieza situados de manera cronológica.
Tag, el tipo de graffiti más básico.
El tag o firma es la unidad mínima del graffiti, siendo lo primero que un escritor debe crear para ser identificado.
Como explicamos en la historia del graffiti, el ser humano siempre ha querido dejar su marca, para decir que estuvo allí. El gran avance del graffiti moderno es que el nombre real pasa a ser un pseudónimo, un tag para ser reconocido sólo entre los que participan en el graffiti.
Inicialmente se hacía con rotuladores y luego con spray y el objetivo es tan simple como poner tu tag en cuántos más lugares mejor, así en los años 60s destacan figuras como Julio204, Taki183 o Cornbreadde los que ya te hemos hablado degraffitis.com.
El tag puede estar compuesto sólo por letras, combinar letras o números, pero lo importante es que sea corto y rápido de escribir en cualquier superficie.
Algunas firmas famosas de Madrid
Con el tag se busca dejar una marca rápida y reconocible, pero la técnica y el estilo evolucionó con el tiempo… y se le añadieron símbolos, como la corona o el halo o líneas tanto dentro, como fuera, flechas, estrellas, etc.
El tag dejó de ser legible para todos y paso a pertenecer sólo a los participantes en el graffiti.
La evolución natural del tag fue a través del spray, por lo que comenzaron a aparecer las primeras sombras, el uso de varios colores, los contornos e incluso la profundidad y algunos efectos tridimensionales.
Tipos-de-Graffitis-Metro-Ny
Bubble Letter
Conocidas también como las letras pompa. Todas las letras parecen burbujas de jabón, listas para explotar.
Comenzaron en los años 70 y su gran precursor fue Phase2, que fue el primero que hizo que cada letra tomara cuerpo, importancia y dimensión aunque también destacó Super Kool.
Es uno de los estilos más sencillos y perfecto para principiantes, los contornos y las sombras se ajustan a la letra, que son más más gruesas, redondeadas y relativamente sencillas.
Phase2
Throw-up (potas)
Fue el graffiti más utilizado en los años 80 en el metro de Nueva York y lo podemos considerar una versión cutre del Bubble Letter.
Son letras con poco diseño, con el objetivo claro de más cantidad y menos calidad.
Se suelen rellenar con un aerosol, de un solo color, sin cubrir del todo el fondo.
Se usó para bombardear la ciudad, por lo que rápidamente se hizo popular entre los escritores, además tu tag permanece oculto y es más complejo de leer que un tag simple o un bubble letter.
Throw-up
Wild style.
Originario del sur del Bronx es uno de los estilos más populares y extendidos por todo el mundo. Surgió como resultado de la búsqueda de una mayor complejidad dentro del período de la guerra de estilos, que ya te contamos en Style Wars, película súper recomendada para entender mejor el Wild Style.
Permite que el autor sea reconocido no sólo por su firma, sino por la destreza con la que ejecuta la pieza, con su estilo. La composición de colores, el uso de sombras y profundidad se convierten en algo fundamental para poder hacer un buen wild style.
Además, para alguien fuera del graffiti estas piezas son muy difíciles de leer.
Musa-Wild-Style
Aquí destacamos a una escritora, Musa, de Barcelona, considerada por muchos como la reina del Wild Style a nivel mundial por la calidad de sus piezas.
Block letters.
Este tipo de graffiti se basa en letras sencillas, grandes, legibles, gruesas, con rellenos lisos.
Están pensadas para que se lean bien de lejos. Es otra manera de representar grafitis en gran formato y escala pero el estilo recuerda mucho más a bloques.
Block-letters
Consiste en usar rodillo, para hacer grandes letras, simples, subiéndote al edificio o con un extensor.
En 1972 se comienzan a añadir dibujos a las piezas y Super Kool 223 es el primero en cambiar las boquillas de los botes de spray y usa algunas más anchas (fat caps) para obtener un chorro de pintura más grueso y diferenciarse de los demás.
Extinguisher (extintores).
Consiste en poner tu tag en gran formato usando extintores rellenos de pintura.
Es uno de los tipos más complejos para hacer, por la dificultad de uso del extintor, su peso y la destreza que se requiere para que se aprecien bien la firma en el resultado final en la pared.
Vamos ahora con los tipos y estilos de graffiti más modernos, desarrollados en los últimos años.
Extinguisher
Model Pastel (Estilo 3D).
Busca crear un efecto tridimensional en las letras, combinando los colores, los brillos y las sombras. De hecho, lo importante no es la letra en sí, sino el relleno. Su idea predominante es jugar con las perspectivas, las luces y sombras, el ángulo de visión… y así tratar de hacer «salir «el graffiti de la pared…
Su carácter es menos espontáneo y más artístico, ya que requiere mayor dedicación.
Al contrario que los demás, este estilo nació en Europa.
Abstract-Mural-Graffiti-Nadib-Bandi-Geneva
Graffiti Abstracto.
Influenciado claramente por el diseño gráfico y la llegada de escritores nativos digitales, aparece el graffiti abstracto, donde el graffiti pierde su identidad, ya que las letras dejan de serlo, y el relleno de colores degradados pasa a ocupar la superficie entera del soporte.
Anti-style o ignorante
Son todas aquellas tendencias de graffiti que intentan ofrecer un resultado descuidado o incluso grotesco de forma voluntaria. Es también conocido como hipster graffiti, ghetto style o estilo ignorante.
Fuzi-Anty-style
Tuvo su origen en Francia de la mano de Fuzi, que cansado de siempre hacer el mismo tipo de piezas, comenzó a desaprender para crear algo sin estilo, más propio de un principiante, sin embargo todo eso esconde mucho más.
IGNORANT_STYLE_cherokee
Son figuras deformadas, incorrectas. Se crea el graffiti con formas erróneas que pueden llevar a pensar que el grafitero en incapaz de hacerlo bien, cuando en realidad es un destacado escritor que ha decidido cambiar su estilo y no participar en lo establecido.
¿Ya has mirado enDeGraffitis.com nuestra tienda de artículos de graffiti?
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